Rated by BB

Genre: Alternative Pop/Art Pop

Release: 2026

Label: Self-released

音乐人肖骏作为吉他手的身份已被乐迷熟知，从唱作人的角度而言，他在前两张个人作品中已经呈现出了不少摆动于另类与艺术化思路之间的信号，在新作《22:22》中，他以更放开的方式接纳了这些灵感，并融合来自 Ambient Pop 与 Indietronica 的启迪，尝试呈现出一种兼有理性与情绪的作品。他将在 11 月的巡演中呈现这张专辑，而就从录音室的收听体验上说，《22:22》的录制版本更试图在一个独处的空间内为听众提供想象和体验，虽然流行的易听性与氛围的沉静感之间找到平衡同时拥有有效的表达并非易事。

相较于乐迷们以往常讨论的 mandarin 在音乐上收到的 Radiohead 影响，在肖骏的个人作品中，这样的影响更多体现在于他创作时所展现的一种乐迷姿态上。例如在器乐中融入些许 Ambient 类型或者 IDM 取向的声音尝试，肖骏更致力于将它融入到原有的声景中，并尝试让它拥有流动的触感。在此之上，听众实际上可以从《22:22》中感受到诸多诚恳的时刻：《Monkeys on the Sea》细腻的 Chamber Folk 底色之上有《Weird Fishes》那样透彻波动的吉他和Sufjan Stevens那样浸透情绪的写作，《The self,Emerged》则宛若 The Smile 在更流行化的状态中与 Clark 合作。

值得肯定的是，尽管这些在现在的同期创作者的作品中可能会成为“变酷”的做法在《22:22》中得到了较好的取舍。肖骏给《22:22》设置了一个实际上较为艰深的概念，并期待给专辑带来更有厚度的文本，而从收听体验上，他反而以更做减法的方式让这张作品维持在更“Alternative Pop”的主路径里。《Random Piano》是 IDM 体感明显的曲目，但在氛围舞池之间没有伸出太过激进的触角，更让专辑的整体停留在可控的范畴内，《Mirror Hunter》清晰的吉他层次和入耳的旋律写作更让曲目维持在轻盈的状态里。除了《00:00:00》，整张专辑以一种低调的方式为大家呈现了肖骏自己对这些概念的解读。

稳重的后制某种程度上可以让我们更仔细地了解肖骏如何看待《22:22》，他并没有以一种很“genre”的方式进行融合，而是从乐手的思维模式出发，思考如何使用声音——这让他可以拥有更开放的制作，但同时要求他拥有更广阔的视野。《22:22》的沉静或许是他现阶段仍然处于安全范围的侧证，这些声音和元素尚未触及到能被称为实验的时刻，而更应该被称为肖骏对自己的音乐与写作经验的梳理。《22:22》没有显露出那么多的野心，但已经包含了些许昭告自己不同的意图，后者实际上让肖骏对于自己创作要求着一个必要的突破。

自今年始，我们将以一年一个年代的节奏，逐年推出十年代际回顾榜单（并计划一路连载至 2029 年——如果届时我们尚未倒闭），包含面向非华语地区的「海外单曲与发行百佳」，以及中文世界的「华语单曲与发行五十佳」。系列榜单剩余内容我们会在接下来的每个周六陆续发出。

90s 系列：海外单曲百佳

No. 100 Radiohead: OK Computer (1997)

Radiohead 在 1997 年带来了他们生涯最负盛誉的作品之一，《OK Computer》在技术性格与编排审美并具的器乐以及情绪色泽饱满的旋律写作之间成为 Alternative Rock 类型的代表作，也在未来思考、科技恐慌和充满想象力的文本里带来了相当的文本美感，成为 90s 绝对的时代印记。

No. 99 Beck: Mutations (1998)

同样是 Nigel Godrich 制作，其实这个只说好听程度没有比《OK Computer》差太多（悄悄放前一名那咋了），因为 Beck 除开相当广阔的制作视野外，他更首先是一位个性十足又水准突出的唱作人。我们可以在这张弥漫着 Alt Folk 和 90s Neo Psych 气场的作品中感听到诸多在写作和情绪都十分突出的旋律，相较于《Sea Change》那样质感显然的室内乐类型，《Mutations》以更自若的姿态成为了千禧民谣复兴的先声。

No. 98 中森明菜: Shaker (1997)

中森明菜与小室哲哉的合作纵使是不尽人意的，放进这一张专辑成了一次瑕不掩瑜的动作。她从来不吝于实验和尝试同时代偶像想都没想过的曲风，而她在这张把对爵士的理解和90年代时兴的电子与trip hop元素”shake”在了一起，并用自己独特的审美和嗓音给这张专辑润色，缔造了她90年代专辑中听感最为统一，创意最为爆发的一张专辑。

No. 97 U2: Zooropa (1993)

相较之后在《Achtung Baby!》与《All That You Can’t Leave Behind》里对流行质感的拥抱与融合，U2 在《Zooropa》里以纯粹、利索的方式构建了自己最 Alternative 的姿态。扎实但不失分寸的电气化尝试，The Edge 依旧个人风格鲜明的吉他写作，在 Space Rock 风潮的短暂余晖里，《Zooropa》拥有 U2 最具锋芒的形态。

No. 96 Stone Temple Pilots: Purple (1994)

Stone Temple Pilots 有一种微妙的大屌感：Eric Kretz 的鼓很肉鸡，DeLeo 两兄弟没什么感觉，但 Scott Weiland 听来又是百分百血鸡大金刚——不是所有主唱的声音表现都这样，在 Trent Reznor 和 Josh Homme 带着他们的巨大肉鸡称霸大屌乐界时，我们需要一点新鲜感。哪怕 Grunge 是一个文化上这么依赖于“乐队领袖”的运动，谁敢说 Kurt Cobain 私底下不会想要一根 Scott Weiland 这样的坤巴。

No. 95 Liquid Liquid: Liquid Liquid (1997)

Liquid Liquid 于 97 年发布的合集收录了他们八十年代三张 EP 的曲目，一次性打包所有来自他们的那种粗壮结实、韧性十足的 Dance Punk 时刻，足致的为听众展现后朋克所具有的跳舞性潜能。

No. 94 Pizzicato Five: Happy End of the World (1997)

舒适的 DnB 与 Lounge 类型共同筑成了 Pizzicato Five 这张充满乐趣、轻松愉悦的代表作，也成为涩谷系音乐里具有电子流行、俱乐部气场的一块重要的拼图。

No. 93 Low: I Could Live in Hope (1994)

No. 92 Boredoms: Vision Creation Newsun (1999)

No. 91 Kylie Minogue: Impossible Princess (1998)

No. 90 Suede: Dog Man Star (1994)

No. 89 D’Angelo: Brown Sugar (1995)

No. 88 Happy Mondays: Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches (1990)

气质独具的 Baggy 杰作，Happy Mondays 在《Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches》完成了 90s Neo Psych 和新的舞曲运动的预演，并在隐约冒头的 Britpop 运动前找到了一个折中却毫不软化的声音。你可以在 Happy Mondays 里找到相对于 Suede 而言更柔、更韧的声音，它在非常英式的同时保留了相当的开放性，可以为听者提供足够的想象和放开舞动的空间。

No. 87 LFO: Frequencies (1991)

No. 86 Nine Inch Nails: The Downward Spiral (1994)

特雷特·雷泽诺就是那种所有人都会喜欢的翘屁嫩男。Nine Inch Nails 作为从 DIY 开始再至引领文化的乐队，在《The Downward Spiral》里以相当缜密的思路构建了 NIN 的工业声音：不抗拒流行化的可能让这些硬朗的编排保留了对听众的开放，重而扎实的声音审美则让他站在电子与另类摇滚两种类型发展的汇合点，并可以独当一面成为这个时期的代表。

No. 85 松任谷由実: 天国のドア (1990)

用清亮的合成器和原声层次一同组成扎实的 Synth Pop 与 Sophisti Pop 底色，在显然的气质和可以让人体会到灵感的出色写作之间成为”时代之声”。

No. 84 PJ Harvey: To Bring You My Love (1995)

No. 83 Buffalo Daughter: New Rock (1998)

极简精神指引下足致冰冷的 Krautrock 实验是 Buffalo Daughter 美学最显而易见被捕捉到的特质，在此之外，她们仍有完成出色的跳舞性探索，足够锋利的声音理念，以及在相当丰富、扎实的内容量中保持利索的状态。

No. 82 UA: Turbo (1999)

No. 81 Madonna: Ray of Light (1998)

No. 80 Bikini Kill: The C.D. Version of the First Two Records (1993)

No. 79 Red Snapper: Making Bones (1998)

No. 78 Cibo Matto: Stereo Type A (1999)

No. 77 Kruder & Dorfmeister: The K&D Sessions™ (1998)

美疯了你们知道不？

No. 76 Jeff Mills: Live at the Liquid Room - Tokyo (1996)

No. 75 Kylie Minogue: Kylie Minogue (1994)

No. 74 Built to Spill: There’s Nothing Wrong With Love (1994)

No. 73 Sonic Youth: Goo (1990)

转入大厂牌并没有改变Sonic Youth激进的噪音风格，《Goo》有着扎实的写作和充满创意的听觉实验，不管是抓耳洗脑的流行朋克《Dirty Boots》和《Kool Thing》还是不安的《Tunic(Song for Karen》，或是专辑里其他更加疯狂吵闹的曲目，都印证着乐队跨入90年代也仍然是无可忽视的一道声线。

No. 72 Aaliyah: One in a Million (1996)

Timbaland 与 Missy Elliott 在 Aaliyah 的第二张全长专辑中实力尽显，在 Hip Hop 和 Smooth Soul 的基础骨架中画出了 21 世纪对“Urban”这个类型定义的蓝图。

No. 71 Tortoise: TNT (1998)

No. 70 Air: Moon Safari (1998)

No. 69 DJ Shadow: Endtroducing..... (1996)

《Endtroducing...》的启发性是横跨电子乐和现代嘻哈的，你可以把任何你钟爱的声音偷过来为自己的音乐服务。你能在《Building Steam With a Grain of Salt》永不结束的钢琴loop，躁动不安的《The Number Song》，神秘深邃的《Stem/Long Stem》和《Midnight in a Perfect World》中各自找到90年代是如何像一个熔炉一样把古老和先锋的声音拼接，融合为一体的线索。

No. 68 Fiona Apple: Tidal (1996)

No. 67 The Cure: Wish (1994)

高新医院，高效药液。The Cure的生涯基本就是一个双向情感障碍的概念，一会躁狂阳光一会阴郁悲伤，直到Robert Smith在《Wish》彻底确认了自己的声音。在沉缓的大吉他回授暗潮开场曲《Open》和被关淑怡版《忘记他是她》抄袭编曲的《Apart》中我们能听到《Pornography》和《Disintergration》那种黑暗和压抑气息。但在明媚的流行摇滚金曲《Friday I’m in Love》或David Bowie式俏皮的哇音吉他Glam Rock《Wendy Time》中又能看到《Kiss Me Kiss Me Kiss Me》愉悦轻松的英伦气质。

No. 66 OutKast: ATLiens (1996)

No. 65 Basement Jaxx: Remedy (1999)

由 House 与 Garage Punk 构筑起整张专辑的躯体，再由 Funk、Hip Hop、Samba 共同构成肌理，就像封面上贴紧的裸体一样令人感到充足的热量与紧致的体感，绝对可以让人感受到身体如何被驱动。Basement Jaxx 在很多时候并不是一个刻意呈现自己的制作性格的音乐人，《Remedy》足够作为一张代表性的 Fusion House 体现他的技术能力与舞曲理念。

No. 64 Number Girl: School Girl Bye Bye (1997)

No. 63 Missy Elliott: Supa Dupa Fly (1997)

No. 62 Spiritualized: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (1997)

No. 61 吉村弘: Wet Land (1993)

柔性、广阔，放低了身态，用声音构画出了一个可以让听者感受到自己的渺小的声景，但这样的渺小不会引发令人恐惧的联想，它更邀请听众把自己投入其中，感受可感知的周遭。

No. 60 Underworld: Second Toughest in the Infants (1996)

No. 59 George Michael: Older (1996)

No. 58 Aphex Twin: Richard D. James Album (1996)

No. 57 Belle and Sebastian: If You’re Feeling Sinister (1998)

No. 56 Blur: The Great Escape (1995)

在过了三十年后仍将“英伦对决”作为《The Great Escape》的话题实在太缺乏新意。《Parklife》的光芒让许多乐迷或多或少忽视了这张于写作与演奏都利落而性格显然的作品，铜管与弦乐的融入尽管在当时像是乐队面对类型或多或少的迷茫，于现在听来却有仅此一份的精巧温润。而相较于《Parklife》里十分易作为噱头的英伦生活速写，《The Great Escape》以清醒而具力度的视角将这份“英伦精神”放在更具体、更个人的体验之中，足能提供给听众相当的感动。

No. 55 Modest Mouse: The Lonesome Crowded West (1997)

No. 54 Autechre: LP5 (1995)

No. 53 Oval: 94diskont. (1996)

Oval的音乐就是那种完完全全的功能性发呆音乐，相比idm场景仍遗留的舞曲元素，这群德国人就真的只把电子音乐作为当代艺术发展的手段了。破裂的声学碎片与氛围乐段落成为了一种纯粹的听觉teasing。在今天的模拟恐怖配乐和一些互联网音乐美学中仍能看到这些先锋氛围乐先驱留下的遗产。绿色的具象波浪中，你不知道他们什么时候会放起一首《Drown World》。

No. 52 UA: 11 (1996)

No. 51 Smog: Knock Knock (1999)

Bill Callahan 我们喜欢你，Jim O’Rourke 我们喜欢你。《Knock Knock》有点太好听了，调适了 Lofi 风潮在一张有气场的唱作人作品里应该呈现的形态，在民谣复兴的时代找到了对的声音，咋那么会制作呢！可能因为这张作品涉及的种种标签在二十来年后的现在已经发展到很难直接跟它相关，但在出色的写作和执行里，它可以被形容为一张好的纯粹的唱片。

No. 50 Squarepusher: Hard Normal Daddy (1997)

人机音乐：人类伪装成鼓机。

No. 49 Amon Tobin: Bricolage (1997)

No. 48 R.E.M.: Automatic for the People (1992)

在 80s 里对 Jangle 以及 Post Punk 内容的重新梳理后，R.E.M. 在他们 90 年代的代表作《Automatic for the People》展现了极致的写作能力，以独特而出色的 songwriting 成为同时期更沉心于在编排上探索花样的 Alternative Rock 类型中兼具气质与特征的代表。在十几年的时间里，Michael Stipe 几乎都未在旋律上失掉水准，更能在以 Peter Buck 为代表的乐手配合里呈现出不一样却融洽自若的气场。

No. 47 Múm: Yesterday Was Dramatic - Today Is OK (1999)

充满生机、富于的灵感的 IDM 声响，气质舒畅的自然原野声景，在 múm 温和而抚慰的全长专辑《Yesterday Was Dramatic - Today Is OK》中都可以体验到，他们延展了听众柔软而丰富的想象。

No. 46 Prodigy: The Fat of the Land (1997)

No. 45 Public Enemy: Fear of a Black Planet (1990)

No. 44 Cat Power: Moon Pix (1998)

扎实的写作与温柔的声线让Cat Power作为女性唱作人音乐在90年代的代表之一，在Lana Del Rey，Adrianne Lenker和Cassandra Jenkins等人的写作上仍可以找到她所留下的影响。《He Turns Down》唯美的长笛让人想起Nick Drake的遗风，《Metal Heart》的独立流行美感则显然地影响了Songs Ohia或Angel Olsen等创作者。

No. 43 Wilco: Summerteeth (1999)

No. 42 Slint: Spiderland (1991)

刺耳尖锐的吉他声响和不协和的狂躁音符如冰冷刺骨的河水涌动，在黑白的蜘蛛之地中，Slint精准地把握住了一种全新的声音美学与写作上的后现代特质。与后来的相当对数学摇滚或后摇相异的是《Spiderland》在时而阴郁时而狂躁的情绪回路中翻腾时居然还能很好听，而且也不用什么管啊号啊的乐器硬上价值。依靠摇滚四大件，来自肯塔基州的四个年轻人反叛了摇滚乐本身。

No. 41 Sunny Day Real Estate: Diary (1994)

No. 40 Sonic Youth: Washing Machine (1995)

把你的脏鞋子丢进我的洗衣机心。Kim Gordon在她的自传里提到自己其实最中意乐队在《Washing Machine》里的声音。吉他鸣响在粗粝却清脆的的噪音流行《Becuz》和忧郁的后朋气质民谣《Unwind》中，与前作在科幻小说、街头文化或麦当娜专辑中取材的主题不同，《Washing Machine》中的乐队从充满女性主义哲思的《Little Trouble Girl》到献给Kurt Cobain二十分钟的噪音挽歌《The Diamond Sea》里都展露了更加贴近现实的情绪与哀伤。

No. 39 Pet Shop Boys: Behaviour (1990)

Synth Pop作为一个类型时常让创作者停留于一个既定的“印象”，某种程度上也让类型里的音乐人在声音上个性不足，Pet Shop Boys 的突出在于他们可以将这些声音纯粹地作为表达的要素，并让他们自身的气质贯彻在创作之中，而非被来源于流派的声音印象所控制。《Behaviour》相较于他们在《Please》《Actually》里一些仍可能让人感觉到“Synth Pop 场景”属性的创作达到了自洽、利落的突破，走到了 Erasure 与 OMD 没有实现的更前一步。

No. 38 Jim O’Rourke: Eureka (1999)

No. 37 Boards Of Canada: Music Has the Right to Children (1998)

朦胧的记忆中，在一个70年代的午后坐在沙发上打开《芝麻街》，卫星电视传来的模糊图像还带着led屏幕的温热。这就是BOC的音乐给人带来的感觉，空灵神秘，却充满着细腻的怀旧感。 柔美粗糙的模拟合成器声音层层叠叠如同水纹散落，繁杂破碎的downtempo鼓机碎拍仿佛永无休止。《An Eagle In Your Mind》嗡鸣的合成贝斯在震颤的碎拍中如秃鹫盘旋，《Telephasic Workshop》酸性十足的lead若隐若现，人声切片荧光般地闪烁着。《Turquoise Hexagon Sun》和《Pete Standing Alone》美轮美奂的ambient段落接入迷离的trip hop鼓点，科幻感的《Bocuma》和《Olson》短小精悍。BOC用一种启示录式的电子音乐迷梦唤起了一种源自童年的复古未来主义迷思，粘稠柔软，同时也细腻动人。

No. 36 Bjork: Post (1995)

No. 35 Angelo Badalamenti: Soundtrack from Twin Peaks (1990)

No. 34 Gustavo Cerati: Bocanada (xxx)

Downtempo/Trip Hop 的基础骨架配合 Soda Stereo 风采依然的器乐内容，保持了利索但柔滑的整体质感，并在双碟体量的时长中呈现出两个极具完成度的生长方向，前半是在跳跃和流动之间可以体验到想象突触的 Art Pop，后半则完全游弋于电气 Alt Dance 之间，体会纯粹的声音和空间。

No. 33 椎名林檎: 無罪モラトリアム (1999)

《正しい街》是否同样让你想起《Fixing A Hole》？大小调本就在不同层面上以转喻的方式共存，但《無罪モラトリアム》所展现的冲突远不止于此。比如标题所表示的，首要的冲突即是代际的，而这也呼应了椎名林檎某一阶段的生活经验。对她而言，生活的问题亦即《無罪モラトリアム》的问题，就是“如何组织某种表演性”。于是，我们在不同曲目中看到她对于“表演”的不同质地所持的态度——这些态度与《正しい街》同等复杂，与《ここでキスして。》同样诚挚。而这样的丰富最终回归到这一观念：人正是通过复杂的表演才得以组织自我，无罪的意义正在于你无需为这些表演之间的不一致而自责。也因此，《無罪モラトリアム》是一张漂亮的元专辑：它用一个更易解的题材类比出一个全长专辑内部不同曲目间的秩序。

No. 32 PJ Harvey: Rid of Me (1993)

No. 31 Erykah Badu: Baduizm (1997)

No. 30 The KLF: Chill Out (1990)

No. 29 Pavement: Crooked Rain, Crooked Rain (1994)

就是比碎南瓜好听。哪个indie rock少男少女没有听着《Range Life》坐在地上发呆的时刻呢。

No. 28 Moby: Play (1999)

No. 27 Cap’n Jazz: Shmap’n Shmazz (1994)

No. 26 The Dismemberment Plan: Emergency & I (1999)

应该是90s最纯粹好听的独立摇滚。没有奇怪的声音实验和别出心裁到怪异的唱腔，清音吉他和落在听觉预期内的写作，鼓手的爵士感摇摆为专辑带来了午后阳光般的柔和感，在《Memory Machine》的奇数拍律动中将数学摇滚和流行朋克融合，再到《The Jitters》的后摇气息和《You’re Invited》的新浪潮舞曲风格，《What Do You Want Me To Say?》和《Gyroscope》日漫op风的抓耳旋律线无不丰富多彩。讨论孤独、存在主义以及阳痿的词作更让专辑成为一部青年迷思的日记。

No. 25 Lync: These Are Not Fall Colors (1994)

No. 24 Portishead: Roseland NYC Live (1998)

No. 23 µ-ziq: Lunatic Harness (1997)

µ-ziq的音乐展现了一种Warp系音乐与Aphex Twin完全相异的躁狂气质。如果说《Come To Daddy》或同名专辑里的RDJ是机器人般冰冷却冷血疯狂的，Mike Paradinas的东西就显得很有人味了，《Lunatic Harness》在前作《In Pine Effect》有机朦胧的声音上更进一步，将破碎躁郁的jungle和dnb节奏切碎，循环，代入更具梦幻感的氛围合成器中，制造一瞬黑夜中锐舞时醉酒的意乱情迷。

No. 22 The Roots: Things Fall Apart (1999)

No. 21 Primal Scream: Screamadelica (1991)

No. 20 Liz Phair: Exile in Guyville (1993)

No. 19 The Sundays: Reading, Writing and Arithmetic (1990)

No. 18 The Breeders: Pod (1990)

一张可以总结 90 年代印象的另类摇滚乐唱片，Kim Deal 做出了最好的摇滚音乐。

No. 17 Beastie Boys: Ill Communication (1994)

扎实的器乐把控与利落的元素融合让这张全长听来趣味十足，并果断地将自己融入 90s 拼贴主义的浪潮之中。Beastie Boys 的 Alternative Hip Hop 与 Hardcore Punk 两条主轴在密切而充满弹性的形态中达成了贴合，并得以成为未来几十年嘻哈领域发展里与众不同的异色。在注重类型融合的当代乐迷视角来看，《Ill Communication》以及诸多来自 Beastie Boys 的创作拥有无可替代的启发性。

No. 16 Lauryn Hill: The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

No. 15 Blur: Blur (1997)

Blur 在 90 年代留下了足够多精彩的作品，在这张同名专辑中，Graham Coxon 进一步探索了此前在 Britpop 最声势高涨时期没有发掘的吉他潜力，完成了 Blur 这支乐队向更 Alt Rock/Noise Rock 类型的迈进。作为一支 The Kinks/XTC 影响非常明显的乐队，Blur 跳脱出“类型”的思路，这让他们与同期更追求与场景合流音乐人相比有所不同、自成一派。

No. 14 Janet: Janet. (1993)

Janet 在《Janet.》中完成了 New Jack Swing、Contemporary R&B 两种类型在 90s 语境里的平衡，同时在保持易听和舒适的状态里对 Trip Hop、Smooth Soul 进行了颇有收获的探索。Janet 不是以一种拿来主义的方式展示自己的视野，这让这张大体量的同名作品在流利、融洽的形态中保留了足够让听众自行体验的新鲜感和趣味。

No. 13 The Future Sound of London: Dead Cities (1996)

No. 12 Sade: Love Deluxe (1992)

No. 11 my bloody valentine: Loveless (1991)

对于盯鞋这一整个流派来说，《Loveless》的横空出世在声音和审美取向上都带来了一副供所有后来者自赏音乐人取用的蓝图。mbv用精巧的制作和眼花缭乱的细节让《Loveless》在朦胧的粉红色吉他噪音下幻化出梦幻般的绚丽色彩。《only shallow》强悍的后硬核节拍和《when you sleep》喷薄欲出的合成器旋律带来了直观的听觉刺激，诡异的《touched》和有着70s艺术摇滚气息的《i only said》，以及密不透风失真扫弦下忧郁悲怆的《sometimes》则展现了抽象声音的偶然性与联觉效果能带来多大的情感冲击。用一张专辑钉死整个流派的天花板是整个独立音乐史难得一见的现象，自赏音乐在90年代后的低沉与今日复兴的盛景更印证了这张暴烈粉色噪音的影响力如何流转至今。你永远不知道属于哪个新流派自己的《Loveless》就在路上等着听众。

No. 10 Mouse on Mars: Autoditacker (1997)

Mouse On Mars在90年代的探索聚焦在火星的太空dub感与老鼠的机灵童趣，在随机性的、张弛有度的编排和被充分调教的声音之下听众还能嗅到些许来自泡菜摇滚的气息。整张专辑从紧密逐渐滑入散漫和静谧，即使充斥着看似晦涩的巧思，它仍保留了所有灵感来源中最悦耳的一面，这种肥瘦相间的做法让它成为了90年代另类电子音乐人们对于声音设计和曲风融合的极致代表。

No. 9 Autechre: Amber (1994)

晶莹剔透的声景之下拥有扎实的情绪与叙事，Autechre 以十足的想象力给听众展现了极致的音色美感与空间营造，并将之作为使用配器/装置与声音的方法，成为 90s IDM 在体感上最能让人感受到偏锋的一枝。

No. 8 V.A.: Artificial Intelligence (1992)

No. 7 松任谷由実: Dawn Purple (1991)

尽管对于新一代的中文乐迷而言，Yuming 似乎不是他们心中东亚音乐探索的第一选项，这也让这位创作力极其丰沛的音乐人在 90 年代带来的诸多重彩在现在来看或多或少被轻视。Yuming 在《Dawn Purple》中以精巧的方式保留了 Synth Pop 时代的气场，并在 Funk、Sophisti Pop 的肌理之间各具色彩的情绪。在各路流行文化运动井喷的 90 年代，这张纯粹致力于个性的流行作品反而拥有最为普世的精神。

No. 6 PJ Harvey: Is This Desire? (1998)

欲望啊我要变成你。《Is This Desire》从《To Bring You My Love》处继承了那种阴湿的英国乡间气质，以及《Rid Of Me》充斥后摇气息的歇斯底里与躁郁，却通过氛围感的电气化制作将她的创作路线从外放汹涌的朋克与凌厉转入一种更加阴翳深沉的哥特美学中。从呼啸山庄般的凄美描绘到惨妇般百年孤独式的叙事路径，女性视角下的愁苦与妒火，神性的圣洁与罪恶的诱惑，PJ Harvey通过细腻的艺术摇滚声音将被模糊的现实与幻想交织在欲望的湍急河流之中。

No. 5 TLC: CrazySexyCool (1994)

No. 4 Stereolab: Emperor Tomato Ketchup (1996)

启迪自寺山修司，Stereolab 在《Emperor Tomato Ketchup》里呈现的丰富与内容正如它的标题一样让人感到兴趣非/常。在这张里程碑作品中，这支乐队重新梳理了自身携带的 Alt-gaze、Krautrock、Chamber Pop 等诸多元素，并将它梳理成了自己音乐个性中最令人印象深刻的部分，成为 The Velvet Underground 在 90 年代最突出的精神继承。

No. 3 The Magnetic Fields: 69 Love Songs (1999)

要把一张专辑放在这个位置可能需要非常多的笔墨来为之背书。我一直在寻找一个角度描述这样一张专辑之于整个九十年代乃至之后所有Indie/Singer-Songwriter类的音乐创作的意义所在。这个十年，无数专辑开创性的定义了一类声音的形态、一类叙事的范式甚至是某个社会的侧面。《互口情歌》并非上述任何一类，却具有无法掩盖的“元”性：一个songwriter究竟可以用多少种方式写一首歌。或者说在九十年代很多乐队和艺术家在为“我拥有自己的声音”创作时，Merritt用一个很具体又很包容的角度“Love”让一张专辑能拥有不同的声音而自洽。

No. 2 Bjork: Homogenic (1997)

Bjork 在世纪末重新为大家展现了Chamber Pop、Downtempo、Trip Hop对那个十年的重要影响，并将之汇聚成 Art Pop 这个场景或类型重要的、新一代的旗帜。

No. 1 Aphex Twin: Selected Ambient Works 85-92 (1992)

对Rodin而言，想象力作为一种美德从来都不与实干相对，他将它们视为同一创作存在的两面、或某种理念运动的双元体——因为他的（乃至整个20世纪的）艺术目标发生了从显现自我到显现对象的转变（对Rodin来说就是，材料的抵抗产生思想），这是每个艺术家悠长其生命的根本要义。大胆一点说，这一点不仅能在Rilke身上得证（比如他的Dinggedicht），也能用来观测Aphex Twin被怪才般的性格掩盖的特质：Aphex Twin实际上是一个具有巨大想象力的实干家，他的生产能力（比如他令人震惊的demo存量）即是他的想象力不断扩张的条件。

歌单：Spotify / 网易云音乐

内容整理：石田吉藏

参与撰稿：UPEE

Rated by OKOK

​Genre: Pop/Synth Pop

​Release: 2010

​Label: 正东唱片

在《武当》之中延续未竟之愿的 Swing 并没有停滞在以往的音乐思路之中，就像 Jerald“只搞几张专辑然后后会无期解散”的想法，在短暂复合之际的 Swing 是向前看的，在《电》这张只有五首曲目的 EP 之中，Swing 尽情拥抱了 10s EDM 时代追求悦耳与饱满的 Synth Pop。

《无如果》与《7》一步入耳的电吉他，前者在上扬的流摇能量之中让 Eric Kwok 与 Jerald 一同回溯过去的文本获得焕发年轻的能量，初代的 Swing 有许多青少年 coming of age 的活泼，但在此刻的 Swing 却是成熟之后依旧积极而能量充沛；后者则将全曲的能量刻画在 Drum n Bass 的强力节奏之中，不仅是歌词之中的“荤段子”，Swing 的“依旧年轻”从年少时的 Trance 舞曲节拍转换成了 10 年后依旧时尚的欧陆舞曲（就如 Robbie Williams 的《Take the Crown》）。

《男人不可以穷》依旧是充满 Swing 本味的 Jazz Pop，与时俱进又点题地加入电流声效之外，依旧维持主体几个经典配器，熟悉的 Swing 律动仍然在。《爱神死了》在 Dance Pop 与抒情之间用伤感内核完成建构，紧密的 synthline 宛若《Dancing on My Own》，恰好到位的军鼓则让一整首维持跳舞感的同时与电吉他配合带来更严整舒适的听感。

《隔三日 见一面》则是港乐味道浓厚的 Electro Pop 加 Pop Rock，吉他 riff 的记忆点显眼有如他们为软硬天师制作的《Encore》之中融入的那段《Every Breath You Take》，合成器旋律有 90 年代李迪文式的“中国风”韵味，这或许也是 Swing 即使保持在新鲜音乐里展开尝试也依旧带着他们印记的原因，他们一直是有复古的香港音乐情怀的。

在人声部分结束后，《无如果》（Extended）的伴奏原声响起又仿佛在感动后再次向你发出邀请。B 面的伴奏依旧可以听出这一张 EP 的精致与层次，《爱神死了》的 House 感更为鲜明，《7》在节奏之下的 Pop Punk 气质也可以流出，Backing vocals 于此并不像KTV音轨，反而更有恰好的留白与展露之效。

《电》是在 Swing 的舒适范围内又玩得尽兴，玩得新鲜的一张 EP。在《武当》的“续作”意味与《Swing到尽》“告别”之外，展示 Eric Kwok 与 Jerald 在 Swing 从少年到壮年在改变之时延续的意气风发，《电》里的 Swing 成熟而融洽得让人找不到毛病（另值得提及的一点是，在以往的 Swing 的作品两位成员都倾向于分别作曲共同制作，然而这一张EP的曲目均由两人一起作曲制作完成），也完成了 Swing 在完全形态形象的补充，至此或许 Swing 已经了所缺的弥补也足以让两位成员与乐迷尽兴。

Rated by OKOK

Genre: Indie Pop/Pop

Release: 1999

Label: EMI

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

​充满锐舞感的 Trance《下一站...》开始，Swing 前身的 Snowman 带着新鲜与电气感进入世纪末的另类港乐版图。或许对于成员 Jerald 所言的“改变港乐”初衷来说有些夸张，因为雷颂德给黎明操刀制作的不少曲目都已有在《Snowman》之中的电气色彩，然而从这一曲带来的拼贴感的确是千禧年足够时尚的。

​作为两人对半负责作曲的前身专辑，以《新歌》为代表的抒情曲目已经带有 Eric Kwok 所作的经典港乐抒情在整体舒展之中维持副歌能量上扬，依托 Contemporary R&B 舒服的中板节奏与低频，以及搭上港乐成熟制作体系便车的入耳足有 Stereo 之感的编排几个特点。

​继续中板节奏，《呀之呀左》的旋律写作依旧起伏鲜明，值得注意的是一如整张专辑都由两人一同编曲，这首在花活的声效，人声与管乐loop切片与声道变化，呈现出花哨而扁平的涩谷美感——Swing 随着《On Fire》后都逐渐减少这样的元素，但却在最无顾虑与预期的《Snowman》之中颇有撒手尽兴的展现。

而由 Jerald 创作的抒情曲目《开始到最后》则展现一如往后写给谢安琪《一个女人与浴室》在和声层次呈现美感的思路（一同《无中生有》），值得一提的是在编曲之中灵动跳跃的点状声效，与 at17 一同的漂亮的 Indietronica 声效与 City Pop 经典的合成器旋律，在涩谷感之中呈现千禧年仅有的复古与未来相交。在《风里长街》则用更为 Acoustic 的手鼓与吉他呈现世纪末感伤情绪。

​《打者爱也》在 Jazzy 律动与萨克斯、键盘即兴，以及 Hip Hop 稳固的节拍上带来了日后 Swing 几乎是最有代表性的“玩票”活泼感：这一份感觉除了在 Swing 的作品序列外，亦可见于他们给陈奕迅制作的部分曲目之中，后者会有更多 Hip Hop 或 Funk 的元素，这也是他们与同样“玩票”但电子内容更多的林海峰区分之处。

​《吐苦水》从电话采样到低沉男声口白，都有足够“代表性”的 00s Contemporary R&B 感，镲声与 NJS 节拍都并不主要，随后键盘的一段即兴——以及《啰命》的亮点是点睛的点状合成器旋律而非单纯的 Trance 流派本身——继续绽放他们音乐之中的涩谷美感。此时的 Swing 虽然从创作到制作都透有一些青涩与粗糙，但却又有充分的自我意识与创作特色。

依旧是涩谷感明显的点状合成器旋律穿梭于两个声道，钢琴的平稳与中板 R&B 节拍则温柔地引入《不用认同》别有洞天的抒情氛围之中，这依旧是在简化之中轻易做出饱满精致与层次的抒情佳作。但又与 at17 以及其他人山人海系的抒情曲目不同的是，他们依旧是带着浓重的，符合你对经典港乐抒情印象的创作与制作进入这些新鲜元素之中，你可以明确感受到他们的复古感——也很难想象 Swing 其实是与 at17 和 my little airport 的同期活跃的团体。

​《Snowman》可能是 Swing 生涯中最少被提及的作品之一，出于“Swing”尚未得名，又或整体青涩的质感；然而在 Swing 复出又解散的十余年后回望这一张仅具 Swing 雏形的前身作品，Eric Kwok 与 Jerald 的创作特色已经得到了不少的展现，依旧有漂亮隽永的旋律写作，Jazz Pop 的潜力已经冒头，更是全碟都可谓佳曲。然而遗憾的是，属于 Swing 的涩谷意识得到较多展现的也仅此一张，存留于甚至不命名于 Swing 的专辑之中，令人遐想倘若彼时的 Snowman 取得了如愿的商业成功，那么“Snowman”以及 Eric、Jerald 的故事还会如何发展呢？

Rated by JonJon

Genre: Cantopop/Singer-songwriter/Pop Fusion

Release: 2002

Label: EEG

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

Swing 短暂的活跃时期几乎未留下逊色之作，但作为一支尝试拓宽着广东歌边界的乐团，他们并不意图做出太激进的声音，而是以他们的方式展现广东歌作为一个类型所能呈现的包容。也因此，在他们的作品中拥有最显然符合听众直觉与印象的流行旋律，并在出色的写作之间流动出各色气质迥异的编排元素。相较于二人组台前复出的回归作品，精选集《Swing Swang Swung》收纳了他们最为自若的写作，在诸多经典的”千禧时刻”外，它仍然拥有相当的收听价值。

出色的词曲作者会懂得什么项目需要什么，就像给彭羚写的十分贴身的《一枝花》《给我爱过的男孩们》——作为广东歌历史上极具影响力的创作者，初出茅庐的 Eric 与 Jerald 就已经懂得这支乐团需要什么。自 Snowman 时期开始，Swing 便有在音乐上足够有性格的路线。而在青涩但更涩谷的 Snowman 之后，Swing 作为一个项目更深入地把发掘旋律作为主线，也由此，我们可以在其中感受到诸如《1984》《烟花》《JAL565》这样在写作上相当成熟的作品。与此同时，两位成员在作为 Swing 时几乎没有作为班底为其余音乐人创作时那样被命题、定位束缚或者被A&R限制的体感，也由此可以更为发散地将形态各异的流行小品收入作品序列中。

这样的开放让这张精选辑充满了他们出道以来诸多曲风尝试的收获，从 Reggae、Jazz Fusion、比 Chamber Pop 更 Pop 但不那么 Ballad 的抒情、Trance、New Jack Swing…… 几乎很难列举穷尽，但它们都如此忠实于 Cantopop 这一命题。而在写作本身，这一时期的 Swing 保留了两位创作者在青涩年华里最灵光乍现的、充满轻盈感觉的写作，这是一种可以不背负太多经验才能达到的状态——往后相比 Eric Kwok 为陈奕迅，或 Jerald Chan 为麦浚龙作为成熟创作者带来的作品，又或者《武当》及之后的发行，都可以感受到他们在创作经验积累上带来”拿得起放得下”的熟练。与此相比，这些早期 Swing 里舒适而融洽的写作，更像是探索时期依赖直觉自然流出的。

在这一张精选集之后 Swing 这个项目被 EEG 雪藏，两位成员也得以纯粹作为 songwriter 的身份成为 Cantopop 在新千年重要的支柱，他们顺理成章地成为了这个整体上强调“班底呈现、依托行业”的类型的一部分。但在此之前，他们以 Swing 展现出了广东歌可以拥有的，不受限却可以维持相当活力的创作形态，拥有收获成果的探索，并且这些探索拥有现在看来仍然令人感到启发。

Rated by FanBinBin

Genre: Alternative Rock

Release: 2026

Label: 美丽唱片

由施旭东、许波、郭震、胡希可、胡岸遥、农安迪组成的三吉他六人组乐队 蛮蛮车 早前发布了他们的首张专辑《马文路 26-5》，在这张作品中六位成员重现了他们对摇滚乐最为纯粹、朴素的联想与理解——《马文路 26-5》拥有形态开放又线条简洁的器乐美感，同时闪烁在旋律构架里的、充满创作者气质的写作，让这张作品听来就像一部平和却不会乏味的生活小说。

蛮蛮车的阵容对于熟悉中文摇滚音乐的歌迷而言，几乎符合对 superband 的全部期待。但对于创作来说，六位成员并不是简单的把来自过往项目中的印象以一个可以被预设的方式装进这支乐队里，我们可以在很多地方感受到成员们作为乐手的演奏性格：《东南市北》里充足掌控感又不失调理的打击乐，《葛佳芝》气场简畅的键盘与吉他配合，《搁浅的师傅》里融洽的整体控制。《马文路 26-5》以可贵的状态达到了他们作为创作者对于这张作品的期待，诚恳而简单，也由此得以贯彻出流畅与自若的底色。

而就写作来说，蛮蛮车并不抗拒在旋律上呈现出抓耳、易听的特质，《马文路 26-5》的开放同时也是面向听众的。《葛佳芝》里直接的 Indie Rock 能量可能能与不少青少年音乐的精神相通，而随着专辑愈发凸显另类底色进入后半段，他们仍能在《陶钰三忙》《鸭子庙》中带来容易记住的吉他旋律和贝斯线条，并在此之上尝试流露出一些唱作人音乐的印象。而整体来说，我们也可以在专辑的歌词文本中找到更多音乐影响的线索，《马文路》讲述了一段在人群中进行的寻找，Motown 的气质似乎隐隐与 Marvin Gaye 回应，更让这首曲目显得像是一次乐迷的探索；《葛佳芝》则用一句“东湖的水”，让画面回转至武汉——这一切都直接让乐队几位成员的生活经验、音乐经历以及在地体验成为了《马文路 26-5》最重要的基础。

这些诸多在人声、器乐层面的松弛和兼纳，不仅让这张专辑不停留于某个摇滚乐类型的思路中，得以类型的逻辑做一些更不带包袱同时不设门槛的尝试，更让专辑可以流动在不同的想法之间。无论对于唱作人，或者乐手来说，这都是要求技术与思路成熟的考验。

或许蛮蛮车带来了今年最得以称为“意外收获”的一张摇滚乐专辑，《马文路 26-5》拥有在经验与直觉上的平衡，并以一种平实的姿态传递他们的戏谑和视野。作为一张几乎没有什么姿态的专辑，《马文路 26-5》扎实地呈现了他们力所能及的纯粹，在当下更强调流派、场景或者标签明确的风潮时，这样专注于演奏、忠实于写作但毫不做架势的音乐反而显得珍贵。

Sudan Archives 作为出色的小提琴乐手、唱作人与艺术家，她的数张发行都是独立乐迷们的偏爱。而在今年，她首度来到中国，并在泡泡岛带来了中国首演。UPEE 有幸在音乐节现场与 Sudan Archives 进行一期专访，分享关于这次演出的感受、《The BPM》的创作以及思考。

UPEE：能亲眼看到你在泡泡岛音乐节演出实在惊喜，也非常震撼。来到这里感觉如何？

Sudan Archives：这是我第一次来中国，总的来说我很兴奋，因为我一直都想在这里演出。我已经演出了大概十年，却从没来过这里。 这也是我第一次在倾盆大雨里演出。我有点害怕，担心我的小提琴会不会被大暴雨淋坏，不过它坚持住了，所以那方面我一直挺紧张的。可我飞了三十个小时才到这儿，我不会因为这就收手的。

UPEE：很多歌迷说你表演小提琴的方式就像舞剑，就像女武神一样。

Sudan Archives：我喜欢表演的时候用音效，所以我把一切声音都做成切分的那种感觉。当出现刀剑声的时候，就是我把那把剑从小提琴的鞘里抽出来。

UPEE：你觉得一场 Sudan Archives 的演出，有什么是必不可少的？

Sudan Archives：我觉得必不可少的是小提琴、音效和时尚，因为它们合在一起才会讲述一个故事。

UPEE：可以跟我们分享你的演出的设备吗？

Sudan Archives：这次整轮巡演讲的是一个靠自己就能搞定一切的女孩。我小时候看过的电视节目对我影响很深——比如有部美国动画叫《Kim Possible》，讲的是一个女孩靠一堆小装备拯救世界。还有《蝙蝠侠》——蝙蝠侠能成为超级英雄，不是因为他有超能力，而是因为他有装备。所以在舞台上我摆满各种装备，我觉得那就是我自己版本的 “拯救世界”。我有一台鼓机，还有很多吉他效果器，因为我会用很多的效果器来重新塑造小提琴的音色与质感。

UPEE： 所以这就是《The BPM》里的那个 gadget girl。很多歌迷把你的音乐和 “流派融合” 联系在一起。但很多歌迷初听你的音乐时没有注意到，你用得最多的乐器其实是小提琴。同时作为一位出色的乐手和唱作人，你觉得这些身份怎么影响了你的音乐？

Sudan Archives： 我觉得这有好有坏。好的一面是，你能得到你想要的、你喜欢的东西，而且可以做很多实验 —— 比如我的很多歌里确实有小提琴，但听起来不像小提琴，因为我喜欢折腾它的质感和声音。但有时候这又是个缺点，因为你太在意了。做一首歌可能要花我一个月、一年，甚至三年，而如果我没那么亲力亲为，就不会花这么久。所以有时候这真的让我抓狂。

UPEE： 很多精通一件乐器的音乐人，可能都会有某种焦虑，会担心一个乐器的声音在自己的音乐中会不会定义、盖过他们？你有这种焦虑吗？

Sudan Archives： 有的。我从没受过正规的古典小提琴训练，但我认识很多人，基本上都是父母逼着他们学琴的。在很多文化里，你得让孩子去学小提琴，先练上好几年，等他们大一点就基本不碰了。但我是小时候求着我妈给我买了把琴，我从来请不起私教。所以我这一辈子都在靠自己把琴练好，完全靠自己。

我有时候真希望自己能放下一切，不做音乐、不演出了，只专心去学小提琴，因为我内心有一种挣扎，总觉得自己小提琴拉得不够好。但正是这一点让我的音乐可以像现在这样，因为它本身带有这种实验性。

UPEE： 很多歌迷觉得你用琴的方式很 “难以界定”、很开放。同时你又把自己的音乐描述成 “fiddle soft punk”。我想知道，你觉得 fiddle 现在在你的音乐里扮演着什么角色？

Sudan Archives：它一直都存在着。但眼下我确实在特别强调 “fiddle” 这个词，因为一提到 violin，你想到的是一堆作曲家、非常结构化的音乐，声音非常紧实、很有冲击力。但 fiddle 基本上总被当作一种舞曲乐器。过去人们去酒吧、去那些能跳舞的地方，那里会有一个 fiddle 手，fiddle 手演奏，大家就跟着他跳。但我觉得很多人并不知道这一点。他们一想到小提琴，想到的是高雅的、更规整的场景，比如交响乐团。可 fiddle 从一开始就融在舞曲里。所以我正努力把这些词拉回一起。

UPEE：《The BPM》就是一张更偏向舞曲、更接近俱乐部音乐的作品，你觉得俱乐部文化给了你现在的创作什么影响？

Sudan Archives：我觉得俱乐部文化一直在影响我，因为我在教堂里长大，而且我相信俱乐部文化和教堂文化是一回事——人们来教堂，是在寻找某种东西，他们想走到最前面，好获得某种突破。人们去俱乐部也是一样，他们走到前排，看到 DJ 就像看到教堂里的牧师，然后走到前面，把所有烦恼都跳掉。我觉得这两件事是相通的。

我生在教堂、从小在教堂长大，等我搬进公寓、开始去俱乐部之后，这两者在心里就变成一回事了。所以我基本上是在为那些融不进去的 “教堂小孩” 做音乐。我去的那间教堂，牧师说自己是个同性恋，我觉得他经历了很多挣扎，因为自己的性取向而觉得自己不够像个基督徒，但那根本说明不了什么。我觉得我做音乐，就是要把这群觉得自己不被接纳的人聚到一起。

UPEE：同时，《The BPM》里有很多 house 成分，而 house 是酷儿文化的音乐里非常重要的一部分。你觉得酷儿文化如何影响了你和你的音乐？

Sudan Archives：我觉得自己一直就像那种怪怪的酷儿小孩。我辗转上过很多不同的学校，总觉得融不进去。我很清楚 “在统计意义上就是少数” 是什么感觉。所以我就——我的音乐非常具有灵性，因为我来自教堂，而且很多宗教就是不肯接纳不一样的人。但我觉得我正在做的东西，基本上是写给所有我们这样的人的，我欢迎每一个人。

UPEE：你在不同的城市间长大，从辛辛那提到底特律再到洛杉矶，这段经历如何影响了你的音乐？

Sudan Archives： 我觉得这是我以前没意识到对自己重要、但其实确实重要的东西，因为那里就是 warehouse 和 techno 的地方。所以这是我不需要刻意去学的东西，我也不需要一直在听 techno 和 house。但它就在那儿，因为你来自那里、你就身处在那样的环境里。

UPEE：视觉部分就像我们在《The BPM》封面上看到的 gadget girl，可以分享你期待通过这个视觉概念传达什么吗？以及你觉得 Sudan Archives 的视觉理念是什么？

Sudan Archives：具体到《The BPM》，我想刻画出一个人格——每张专辑这个人格都会变。这次基本上是一个相信自己能独立搞定一切的女人的故事。我用 gadget girl 来讲这个故事。所以在这张 EP 里，这个角色就是 gadget girl，半机器人、半人。

UPEE：能跟我们分享一下这份灵感的来源吗？

Sudan Archives：除了《Kim Possible》，我小时候还一直看科幻电影和很多的动漫。是的，我仍然很喜欢科技，它影响很大——我们身处一个科技非常有害的时代，但另一方面，它又在帮我建立自信，作为一个年轻人，我利用手头的工具让自己处在一个更好的位置。因为在舞台上我得用很多科技才能跑来跑去——如果没有科技，我就没法拎着小提琴满场跑，全靠它是无线的。

UPEE：我们都能感受到你的音乐里有很多非洲的影响。但对不熟悉这个文化的亚洲人来说，如果让你推荐一些非洲的音乐作为入门，你会推荐什么？

Sudan Archives： 我想会是 Francis Bebey，绝对是，因为他是非洲音乐的先驱。

UPEE：这是你第一次来中国巡演，也是第一次在泡泡岛音乐节演出，你对这个音乐节有什么感受或印象吗？

Sudan Archives： 我真的很兴奋。我还谈不上有什么具体评价，但采访结束后我打算去现场逛逛——我很期待。不过到目前为止，这个音乐节最让我印象深刻的是它的科技。比如我演出的时候，身边全是无人机，还有摄像师什么的。和那些摄影机互动很好玩。

UPEE：对观众有什么感觉？

Sudan Archives： 观众们真的很鲜活，在跳舞、跳来跳去。我很高兴看到这一点，因为我本来还担心观众会不会很难带起来。但他们一点也不怯场害羞。

UPEE：你下周在北京还有一场演出。对此有什么期待吗？

Sudan Archives：我不知道该如何期待。我从没去过那里，也不知道会是什么样。不过我想去买一件中国传统乐器，比如二胡。我会收藏旧乐器，所以接下来打算去买一把。

编辑/整理：石田吉藏

图片：泡泡岛音乐节、Yanran Xiong

采访联络鸣谢：泡泡岛音乐节

来自深圳的独立摇滚乐队夏日麽麽茶今天发布了全新全长专辑《国摇》。这张专辑依旧承载了乐队对身边事的记录和理解，而与此同时，乐队首轮巡演即将开启。新作发布、巡演启程之际，UPEE 有幸邀请夏日麽麽茶主唱 Sunny，分享《国摇》的创作心境与对即将到来的巡演的期待。

UPEE：最近怎么样？

Sunny：很忙碌，在忙新专辑的后制，也在处理一些巡演的事情。太忙碌以至于有些憔悴，希望巡演来得及帅回来。

UPEE：刚刚发的夏日麽麽茶新专辑叫《国摇》，是什么契机让你决定把专辑取名为《国摇》？

Sunny：因为年初的时候，我看到 Robbie Williams出了一张专辑叫《Britpop》。我觉得他和 Britpop 的关系，跟我和国摇的关系还蛮像的。Britpop 是一个音乐场景，国摇也是，Robbie 不在那个场景里就像我也不在国摇这个场景里，但我们总是看起来跟这件事有交集，这种关系很好笑。

UPEE：这张专辑的封面是在红磡拍摄的，国摇这个词和红磡本身也有很多渊源。可以聊聊这次封面以及整个《国摇》在视觉上的理念吗？

Sunny：首先这个封面，很明显是在模仿或者讽刺魔岩三杰，我不会在玩完这个符号后还说得出 “致敬” 这两个字。我们找了三个和音乐完全没有关系的朋友来拍封面，三个人都是做电商的。有一天我和我们的专辑美术 mugi，刷到电商平台上的男装图片，那些图修图下手特别重，天空都修得特别蓝。我们就想干脆翻拍恶搞一下，也借这个方式调侃这些年做电商的人，他们其实活得也很不容易。我把这三位做服装品牌的朋友绑在一起，后期也把他们做出这样电商修图的效果，配上这样的平面设计，很有符号的感觉，就像是“哪吒”一样。我觉得魔岩三杰就是90年代的“哪吒”，说到什么是“哪吒”，每个人又会有不一样的解读。

其实红馆（香港体育馆）发生过很多故事，很多已经被人遗忘了、说不清，或是有些事情是有人不希望我们再记起的。所以拍摄的时候，我们尽量在那一片区域多拍各种各样的照片。摄影师 quanxxx 就用普通旅游用的小卡片机，以一个游客的视角拍，不像以前我们喜欢拍菲林，需要那种对光要求狠的。这次就像游客随手跟拍，拍了可能几千张素材。最后选的那种照片就放在封套的正中间，像一块神主牌，这个排版也很《国摇》。

UPEE：你期待听众第一眼看到这张封面的时候，会产生什么样的感受？

Sunny：希望大家可以会心一笑。当然，也有可能会有人看了生气，也有人会看得很爽，都可以。

UPEE：你觉得这张夏日麽麽茶的专辑，和过去相比最大的不同是什么？

Sunny：文本表达上，相比从前会更绕一点。我感觉自己胆子确实是越来越小，但当下这一刻，我心里有想说的东西，还是会把它放进作品里。

另外就是这张专辑里出现了情歌，以前的专辑是没有的。这张一共八首歌，里面有两首和情感相关，包含爱情、友情，过去我们一张唱片里从来没有尝试过放两首情歌。如果把《漩涡》算作情歌，上一张 EP 虽然也有两首，但这一张是真真切切有一首专门写爱情的歌，过往唱片里是没有的。

UPEE：这次为什么会突然想要写情歌？

Sunny：总会有一些画面，你想要把它记录下来，它关于自己的感情。可能是一段已经结束的关系，有些话你已经说不出口，一些你很想放下或者已经放下了，但有一些画面，它值得被记录下来。

UPEE：你觉得以后你还能写这样的音乐吗？

Sunny：这取决于表达的尺度/公共讨论的空间是不是会被收窄到我们不得不把大部分精力用来找到当中的“安全区”。

UPEE：音乐与创作之外，关于《国摇》，你们在造型上有没有什么特别的设计？

Sunny：有的。从这张专辑开始，我不再染浅色系、比较高饱和度亮色的头发。演出的时候，也不会在各种浅色衬衫之间来回切换，大多就穿白衬衫，只是会换不同款式的白衬衫。形象上，希望把留白的边界打开得更大一点。

也不会再像乐队刚成立第一年那样，我们当时就互相提醒过很多次，希望 AJ 不要穿得那么华丽，别穿丝绒长裤上台，虽然确实很帅，但那种帅气有点过了。夏日麽麽茶的舞台状态，清晰、直观就足够，让大家接收到你在舞台上最直接的表达就好。

UPEE：现在你会怎么形容三位成员之间的关系，大家在乐队里是什么样的？

Sunny：我们彼此熟络很多。录第一张唱片的时候，另外两位成员互相甚至都没有联系方式。现在可能他们还会在背后说我坏话。

UPEE：你一直是乐队写作的核心，同时还是制作人，表演时你是主唱和吉他手。这几种不同的身份会带给你不一样的感受吗？

Sunny：我觉得自己还算幸运、还算顺畅。我很少出现这种冲突，比如作为制作人，要求作为吉他手的自己少弹几段，逼着自己改掉演奏、演唱、写词的固有习惯。我本身并没有那么多固化的演奏习惯，演唱习惯倒是有一些。这张专辑我也在做新尝试，比如写密度非常高的歌词，这是之前没有做过的；也尝试用非常嘻哈的方式去演唱。这几种身份之间没有互相拉扯，一切融合得很自然。

除去录音环节，整张专辑的创作全部由我一个人完成，制作层面所有决定也都是我来拍板，所以成品听感会更加自然。这就是单人主导完成的音乐，和多人拼接出来的音乐最大的区别。多人拼接的作品反而容易失掉自然感，那些各个成员练习阶段的痕迹，会不知不觉塞进作品里面。

UPEE：如果把夏日麽麽茶这个高度由你主导的项目，交给一位外部制作人来合作，你会希望它是谁？

Sunny：我会希望是 Josh Homme。他有时候受不了音轨里面那个吉他，说不定会直接自己上手弹，能听到就是赚到。

UPEE：你很喜欢的 Blur 有邀请过电子音乐人比如 William Orbit 和 Fatboy Slim 来做制作人，如果要一位电子音乐人来作为这样一支摇滚乐队的制作人，你觉得可以是谁？

Sunny：许志安。

UPEE：另外你现在也在给已经成名的乐队担任制作人，做自己的唱片和为其他艺人担任制作人，两种体验有什么不一样？

Sunny：给别人制作唱片，就会更多顾及对方的感受，同时制作人这个身份本身会更保持独立性。我做自己专辑的时候，词曲、编曲全部都是我来。给别人做唱片，我虽然也会深度参与编曲，但我的工作重心会不一样，我会更专注于凸显属于这位艺人自身的轮廓。只要艺人本身拥有表达欲，他就一定具备独属于自己的轮廓。尤其是乐队，四五位成员每个人想法方向都不一样，力量容易分散。作为制作人，我就要尽量把所有人的力量收拢到同一个方向。不是说要把风格卡死，每一位艺人身上，都有一种别人无法替代的独特气质，这才是最重要的，而不只是音乐元素。

UPEE：前面几张夏日麽麽茶的唱片，在元素上尝试很多，但大家都会感觉到你们音乐有你们的气质，你会怎么概括这份气质？有没有什么东西，是这个夏日麽麽茶会一直坚持的？

Sunny：三大件。我们不做三个人演奏实现不了的音乐，我们的音乐很有演奏感。

UPEE：现在来说，你对夏日麽麽茶这个项目，会不会有很特别的感情？

Sunny：确实有很深的感情。今年，我投入在夏日麽麽茶上面的时间，甚至超过了《发达星期四》，这是我两个最主要的工作。在外人眼里，《发达星期四》的我已经是敢说敢表达的形象了，但依旧有很多话是不能讲的。做媒体大家都懂，有些话说出口，就会牵连很多人。这不只限于一些社会议题，很多朋友之间的关系、各类情感也是同理，总有很多话难以宣之于口。哪怕我更新频率很高，输出时长也很充足，依旧有大量说不出口的心里话，我就想把这些全部塞进夏日麽麽茶的作品里面。

UPEE：专辑之外，夏日麽麽茶也马上就要开启第一轮巡演了，对接下来的巡演有什么期待？

Sunny：要说期待，首先我希望自己的体能扛得住。我体重不占优势，还有遗传性哮喘，要连续三天每晚两个多小时，对我来说难度很高。到现在没有一个人相信我可以完整演完。直到采访这一刻，视觉不信，调音师不信，巡演经理不信，乐队其他成员也不信。

UPEE：你的脊椎最近还好吗？

Sunny：我的脊椎也不太相信。

UPEE：就我们现在采访发出的时间，应该巡演还没有正式开启，有什么关于巡演的信息可以提前透露给乐迷吗？

Sunny：本次巡演有三站不设置嘉宾，五站会有嘉宾登场。有几站的嘉宾大家大概率可以猜到，也有几站的嘉宾绝对会出乎大家意料。我希望每一站演出都足够难忘。我的期待就是，希望到场的观众会觉得，这一晚是他今年看过最难忘的现场，就算他今年有机会拿到 Radiohead 的门票，这场依旧会是他心目中今年最难忘的演出。

毕竟 Radiohead 要到明年才来。

UPEE：对于一场夏日麽麽茶的现场演出，有什么是你一定要坚持的，又有哪些是会尽量避免的？

Sunny：一定要坚持所有声音都由我们手上、身体直接发出，不使用任何预录好的轨道；要拥抱现场意外，意外不能中断演出，要让意外成为当晚演出最重要的一部分。

要避免的是不要在台上喝醉。我已经和团队说好，如果演出有安可环节，安可之前绝不喝酒，这样也能保护我的呼吸道，撑完整场一百多分钟的演出。

UPEE：夏日麽麽茶之前也在不少非传统音乐场地演过，比如厂房、商场空间这类的场域。在 Livehouse 这种更音乐的场地，你们的演出状态会有什么不一样吗？

Sunny：安全感会强很多。就像我演出前只吃连锁快餐，麦当劳、预制菜，它会卫生一点。Livehouse 也是这种感觉，你知道你的监听基本不会太有问题，灯光是提前设计好的，视觉效果你已经知道是什么样的了。但在一个你连舞台长什么样都不清楚的地方，所有东西都会不在掌控之中。

UPEE：你觉得Jamiroquai有影响你戴帽子的方式吗？

Sunny：……（沉默3秒后爆笑）我觉得没有，因为我摘了帽子之后大家还能认出我是谁，Jamiroquai 摘完帽子大家就不认识了。

UPEE：你觉得夏日麽麽茶的歌迷里面，养猫的朋友更多还是养狗的更多？

Sunny：我感觉养猫的会更多。

UPEE：有什么依据吗？

Sunny：感觉歌迷里独居的人占比比较高。双人票和预售票存量差不多的情况下，但预售票卖得很快，双人票卖得慢，能看出来一点。

[Tour Info & Tickets] 秀动

整理/编辑：石田吉藏

图片：方进一, quanxxx, bananer_wu

Rated by FanBinBin

Genre: Indie Rock

Release: 2026

Label: Self-released

深圳摇滚乐队 夏日麽麽茶 在今年的第三张发行《国摇》中以意想不到的方式重新整理了自己的声音，他们尝试呈现出了此时此刻最为硬核同时也充满情绪浓度的形态。这样的两种取向没有把《国摇》引导成一张致力于复杂与饱和的专辑，它在多数时候保持了相当的直简，这可以是这位创作者面对情绪、处理叙事的策略——而在这张听来容易共情的作品中，他似乎收获了不错的成果。

夏日麽麽茶此前的乐队气场和创作气质在年中发布的现场录音专辑《夏日麽麽茶》中已经十分突出，无论是非常 fuzzy 的音色，另类的舞曲性探索，以及充足的时事表达欲与演奏能量。在《国摇》中，这些已经能被总结的标签被放在了不一样的状态中重新得到审视。前五首曲目中他们在能量上保持了足够的一致，从开场曲《before you saw, before you heard》稳实的鼓扫清紧张，再到《Ride》重组对他们来自《口口》与《漩涡》EP的印象，《国摇》在《He’s Melting》后不久就完成了变化：《Ride》显然承载着 Beastie Boys《Sabotage》的精神，但它听起来是夏日麽麽茶以往那些乖张的情绪表达的更 Hardcore 形态；《The Memos》则在更注目于重复的状态中点明了这张专辑的夏日麽麽茶的特点，尽管拥有更突出的人声，器乐和演奏仍然是他们展现跳舞性以及抓耳感的基础。

前五首曲目的直简保留了足够的能量，他们几乎减掉了所有可能会让听众分神的内容，这让前半张《国摇》呈现的精神足够集中，也让《The Memos》后段提起的旋律、《3 Hours Left》里宛若当头一棒的段落更足以留下印象。这样的大刀阔斧最终留下了足够的空间让专辑的后三首曲目进行释放，《Her Rehearsal》拥有在秩序中逐渐失控走向混乱边缘的体感，《Unsaid》用在感人的吉他噪音之间呈现出的显然的积极情绪，以及《In My Corner》里意犹未尽的回味。《国摇》的收听体验就由前半程的简洁直畅延续到最尾三首的全力以赴，听众也可以感受到他们在这张作品中放下了包袱，才得以在声音上相对低调的状态里也用力精准。

表达欲一直是驱动夏日麽麽茶创作的核心，在《国摇》里我们仍然能感受到他们对身边发生的事感到关切：无论是夜骑大军，面对空席彩排的女歌手，没说出口的朋友情谊，以及往事里的一个画面——这些不再像《的夏日麽麽茶》一样只是围绕一个时期衍生而来的记忆与事件，而像蜻蜓点水一样地诉说着这些事情全都是我们的日常。而在这张声音上更为内聚的专辑里，这支乐队对这些日常的处理不像《One By One》那样让我们深感无力，而是在一切周而复始的阵痛和庆幸之间，我们的生活仍然在继续。

自今年始，我们将以一年一个年代的节奏，逐年推出十年代际回顾榜单（并计划一路连载至 2029 年——如果届时我们尚未倒闭），包含面向非华语地区的「海外单曲与专辑百佳」，以及中文世界的「华语单曲与专辑五十佳」。系列榜单剩余内容我们会在接下来的每个周六陆续发出。

No.100-91

No. 100 Britney Spears: “…Baby One More Time”

No. 99 Tori Amos: “Winter”

No. 98 Siouxsie and the Banshees: “Kiss Them For Me”

No. 97 Green Day: “Basket Case”

No. 96 Eric Clapton: “Tears in Heaven”

No. 95 Michael Jackson & Janet: “Scream”

No. 94 Tortoise: “Ten-Day Interval”

No. 93 Sneaker Pimps: “6 Underground”

No. 92 World Party: “Ain’t Gonna Come Till I’m Ready”

No. 91 Vanessa Paradis: “Be My Baby”

No.90-81

No. 90 Shania Twain: “Man! I Feel Like A Woman!”

No. 89 Placebo: “Teenage Angst”

No. 88 Brandy & Monica: “The Boy Is Mine”

No. 87 Inspiral Carpets: “This Is How It Feels”

No. 86 Take That: “Back For Good”

No. 85 Hooverphonic: “Club Montepulciano”

No. 84 Hole: “Malibu”

No. 83 Madonna: “Ray of Light”

No. 82 Janet: “Together Again”

No. 81 P.M. Dawn: “Downtown Venus”

No.80-71

No. 80 Ride: “Chrome Waves”

No. 79 Blur: “Song 2”

No. 78 Daft Punk: “Da Funk”

No. 77 Underworld: “Jumbo”

No. 76 Autechre: “Slip”

No. 75 Kylie Minogue: “Confide in Me”

No. 74 Bôa: “Duvet”

No. 73 Chumbawamba: “Tubthumping”

No. 72 Tindersticks: “Tyed”

No. 71 Mazzy Star: “So Tonight That I Might See”

No.70-61

No. 70 New Radicals: “You Get What You Give”

No. 69 Sleater-Kinney: “One More Hour”

No. 68 Le Tigre: “Deceptacon”

No. 67 Jamiroquai: “Virtual Insanity”

No. 66 Björk: “Big Time Sensuality”

No. 65 Everything But the Girl: “Before Today”

No. 64 Galaxie 500: “Listen, The Snow Is Falling”

No. 63 Spice Girls: “Wannabe”

No. 62 Bruce Springsteen: “Streets of Philadelphia”

No. 61 The Prodigy: “Breathe”

No.60-51

No. 60 Alanis Morissette: “Ironic”

No. 59 TLC: “Digging on You”

No. 58 Primal Scream: “Loaded”

No. 57 Air: “Sexy Boy”

No. 56 Salt-N-Pepa & En Vogue: “Whatta Man”

No. 55 Teenage Fanclub: “Star Sign”

No. 54 Maxwell: “Ascension (Don’t Ever Wonder)”

No. 53 Faithless: “Insomnia”

No. 52 Suede: “Animal Nitrate”

No. 51 The Stone Roses: “Begging You”

No.50-41

No. 50 Natalie Imbruglia: “Torn”

No. 49 Tricky: “Overcome”

No. 48 Janet: “That’s the Way Love Goes”

No. 47 Weezer: “Buddy Holly”

No. 46 Cocteau Twins: “Frou-frou Foxes in Midsummer Fires”

No. 45 Portishead: “Strangers”

No. 44 D’Angelo: “Brown Sugar”

No. 43 DJ Shadow: “Midnight In a Perfect World ”

No. 42 The Fugees: “Killing Me Softly with His Song”

No. 41 Missy Elliott: “The Rain (Supa Dupa Fly)”

No.40-31

No. 40 Depeche Mode: “Enjoy the Silence”

No. 39 Pet Shop Boys: “I Wouldn’t Normally Do This Kind of Thing”

No. 38 The Sundays: “You’re Not The Only One I Know”

No. 37 Pavement: “Gold Soundz”

No. 36 Beck: “Loser”

No. 35 Aaliyah: “Are You That Somebody”

No. 34 Sonic Youth: “The Diamond Sea”

No. 33 Yo La Tengo: “I Heard You Looking”

No. 32 Squarepusher: “Beep Street”

No. 31 Nas: “N.Y. State of Mind”

No. 30 Judas Priest: “Painkiller”

虽然这里并不是一个在内容上很重型的频道，但是为了同性恋我们什么内容都可以做，90 年代一定会有 Rob Halford 的位置。《Painkiller》是一首极其伟大的金属单曲，相当亮丽、令人印象深刻的声音使用，极致的速度呈现，充足的阳刚意味，如果要在金属乐类型里寻找一种”姿态”，Judas Priest 绝对可以成为一个选择。

No. 29 Fiona Apple: “Criminal”

非常有”青少年音乐”形态的钢琴摇滚，Fiona Apple 在《Tidal》的多数时刻里仍呈现出了相当的棱角——这或许会让更熟悉她 Art Pop 气质的听众感到一点点陌生——这样的棱角不仅让她充满诗性的表达拥有相当的性格和力量，更成为一种难以被类型标签界定的个人特质。这些能量在《Criminal》这样一首张力十足的单曲中如数尽显。

No. 28 Stereolab: “Ping Pong”

Stereolab 一直在用他们最酷的方式做律动音乐，你们知道吗有人真的是这样写歌的，真的有这种如果你有王楚钦的微信你会想要发给他听的好到这种程度的音乐。

No. 27 Radiohead: “Creep”

好那个

No. 26 Sade: “No Ordinary Love”

出色而利索的贝斯、电吉他和军鼓配合，Sade 在《No Ordinary Love》中轻柔地把自己的 Smooth Soul 底色放进 Downtempo 的骨架之中，在温暖、梦幻的声音中构画了《Love Deluxe》的标准声音。

No. 25 Beastie Boys: “Sabotage”

绝对的男团音乐精神在这里，那些 Slacker Rock 和 Baggy 的气血，唱盘主义的原始形态，最硬、最力度的声音。除了一支极致封神的录影带，《Sabotage》展露了 Beastie Boys 在现在看来“New York Harcore”“Rapcore”这些标签之下最纯粹的一声呐喊。

No. 24 R.E.M.: “Nightswimming”

有这样的钢琴抒情曲，Elton John 你就放心地走吧！R.E.M. 的优点太多了，但在 songwriting 上很多时候我们还会发现 Michael Stipe 他其实很懂得怎么写一些悦耳到有些投机的旋律——而《Nightswimming》没有任何让人分神的地方，情感纯粹的钢琴有一种《Tiny Dancer》的忧伤，但这首歌实在写得太美，以至于可以让人感受到它好像没有多少唱作人音乐里那些注目于自我的表达，这就是把自己放开的skinnydipping感受周遭的感觉，美得一点私心都没有了……

No. 23 A Tribe Called Quest: “Jazz (We’ve Got)”

如果以当下的眼光回顾 90 年代的这些嘻哈传奇，现在的乐迷绝对会给 A Tribe Called Quest 许多”新视角”的评价。《Jazz (We’ve Got)》拥有出色的前瞻性，自若、细腻的节奏与段落处理，扎实贴合的制作，它仍在指引三十年后我们这一代地下音乐人的方向。

No. 22 Janet: “If”

在 Janet 的 90 年代选出最好的一首歌难度并不小，这一首是抽签选中的。Jimmy Jam & Terry Lewis 跟 Janet 的合作带来了无数值得被记住的时刻，《If》则呈现了一种宝贵的状态：如何把自身早前得以立身的 New Jack Swing 打碎，以嘈杂fuzzy的吉他重新包装，用更 Grebo 化的语言标记自己在这个领域的坐标，成为它拓宽边界的人物而非只是一个”那个类型在那个时候”的时代符号——前者是一种创作，后者只是成为流行偶像。

No. 21 Pulp: “Common People”

实在是一首很贴切的用来形容 90 年代的一首歌，实在地描述时代精神，贴切地安置吉他和 Disco 的类型声音，《Common People》的一切都太精准恰当了。

No. 20 The La’s: “There She Goes”

预想到应该真的有人会因为我们把《Common People》卡在前二十开外而生气，所以在这里放一首纯粹好听的糖水歌安抚一下大家的情绪。

No. 19 Happy Mondays: “Step On”

Shaun Ryder 只是呼吸就让人感觉他应该是一个很“坏”的人。我们尝试在《Step On》里找到一些 Happy Mondays 或者 Manchester scene 之外的性格：跳跃的钢琴 loop 有稳实的舞曲感，在 Baggy 的基本声音之上更纯粹地靠近俱乐部音乐；Jangle 感十足的吉他仍在和 The Stone Roses 共鸣，却与很多同期创作者相比放下了一些来自场景的包袱…… 好像一首低调又出力精准的曲目就会像这样。

No. 18 Aaliyah: “One in a Million”

在 Neo-soul/Alternative R&B 已经非常类型饱和的当下，再多赘述 Aaliyah 以及 Missy Elliott 和 Timbaland 的影响似乎有些太老生常谈。《One in a Million》里已经拥有了 2-Step 的形状，尽管它现在尚没有那么舞曲，但这种跳出类型来重新塑造一个品类的声音实在还是让人耳目一新，哪怕放在五年后的《Born to Do It》里似乎也不逊色。

No. 17 Underworld: “Born Slippy (Nuxx)”

好那个

No. 16 Nine Inch Nails: “Closer”

Flood 给 1993 年的 Nine Inch Nails 带来了很多 Nick Cave 的精神，又暗又硬的声音控制，又有扎实而姿态十足的舞曲底色，特雷特雷泽诺得是一个多闷骚的人才能接住这种？更何况它还有那么瑰丽紧实的写作。很多时候我们很难只从 Nine Inch Nails 这个项目里只选一首作为代表，因为他们以唱片为单位的美学体系实在完成得太好，本身又是一个那么文化现象的人物…… 就一首单曲来说，《Closer》在这之中又给人一种神奇的独立而自洽的架构。

No. 15 Björk: “Hyper-ballad”

No. 14 PJ Harvey: “Down by the Water”

忧郁诡暗的氛围营造，PJ Harvey 和 Flood 在这首三分钟出头的摇滚唱作人曲目里已经完成了自己音乐的电气改造，并保留了几乎一切她音乐里令人印象深刻的特质。PJ Harvey 值得称道的单曲太多，《Down by the Water》则拥有一种不与类型大流合流的个性，这或许也是 PJ Harvey 的音乐让我们感到迷人的一个原因。

No. 13 Robert Miles: “Children”

一首能定义场景的音乐什么时候听都让人感觉很那个，在被 ILLIT 采样后它变得更为神圣了。

No. 12 Aphex Twin: “Windowlicker”

Aphex Twin 在《Windowlicker》呈现了 IDM 极具启发性的一种形态，紧致而具张力的鼓组和声音使用，配合怪异却个性十足的旋律切片，成为 90s 印象中最让人感到”无从形容”却魅力十足的作品。

No. 11 Outkast: “Rosa Parks”

Outkast 有很多质地上很“流行金曲”的歌，《Rosa Parks》在对 Dirty South/Country 类型直捣黄龙保留最轻盈畅快的部分，揉合丝毫不会让人用力过猛的 Hook，在 crackalackacrackalaca 的小细节里带来一些可爱的层次，取舍均衡又十分伶俐的制作与演绎，让人感叹实在是一首好好的歌。

No. 10 The Breeders: “Cannonball”

恰恰恰，阿呜呜呜，阿呜呜呜，阿呜呜呜，阿呜呜呜…… Josephine Wiggs 在《Cannonball》中带来了 90 年代最伟大的贝斯，Kim Deal 则让这首能量古怪却清新简洁的曲目成为了 90 年代最令人印象深刻的另类流行时刻。

No. 9 Lauryn Hill: “Doo Wop (That Thing)”

女性在 90 年代露出了相当的光芒，而正如 Lauryn Hill 在《Doo Wop (That Thing)》中强调，女性不必再自己已然是宝石时仍把自己看得那么普通——这并不只是一句自我赋权的口号，它把目光放在了重新对待自己的价值，让人们在需要反抗与证明的时时刻刻重新回望自己的能量。

No. 8 Blur: “Girls & Boys”

很多人都敢说，如果要从 Britpop 运动中留下两首歌，《Common People》是这种英伦生活在现在来看仍然熠熠生辉的精神片刻，《Girls & Boys》则是绝对可以让人恍惚其中的一个瞬间。《Parklife》充满了这样的浮光掠影，这首开场曲是这些生活速写里最有即时流行金曲的体感的。

No. 7 The Cardigans: “Lovefool”

90 年代有太多可以被形容为青春萌动的瞬间，吉他和贝斯在 Indie band sound 之间小心勾勒出情愫涌动，柔软亲昵的旋律和演唱则遥远唤醒 Teen Pop 泡泡糖流行乐的记忆，更在甜美之下保留一层可以让这份感情变得隽永的遗憾。

No. 6 Fiona Apple: “Paper Bag”

紧致的钢琴线条与扎实的打击乐，共同组成了 Fiona Apple 这首情感充沛又叙述深刻的唱作人代表作。它不需要让自己听起来像某种类型，《Paper Bag》用一种可以让听众感受到它自有的平衡和稳实，让这首三分多钟的简短的曲目拥有可以让人注目其中的深沉。

No. 5 George Michael: “Fastlove, Pt.1”

比弗利山庄没有鸟洞。人们会记住 1998 年 4 月 7 日的那天，George Michael 在比弗利山庄的公厕摸了一位便衣男警察。Cruising is gay culture。

No. 4 Björk: “Jóga”

Björk 在《Homogenic》中以极致柔美的弦乐、演唱、脉冲和缓拍勾勒出了充满情绪起伏的声景。Björk 拥有强大的捕捉情绪变化细节的能量，她将这些基于世纪末的技术恐惧、信息时代与个人脆弱之间的摆动组成了纠缠在变化里的“紧急状态”。也正如“Jóga”本身关于平衡、和谐的释义，在世界持续提醒着我们它的复杂和变化时，我们更应该注视自己与它的连结。

No. 3 SMiLE.dk: “Butterfly”

如果我们需要一首歌来记录 90 年代的 Eurodance、跳舞机和芭比……

No. 2 TLC: “Waterfalls”

在充斥着毒品滥用、街头暴力与艾滋恐慌的 90 年代，TLC 与 Organized Noize 把这些伤痕重组为一首寓言，用温柔而坚韧的劝阻指引少年走出内含危险的幻像。不是所有的“劝世歌”都需要在说教的形态里传递大爱，TLC 更有一种走进同代人创伤与挣扎的心境，这或许比只是诠释爱本身更为打动人。

No. 1 Pet Shop Boys: “Being Boring”

Pet Shop Boys在《Being Boring》中描绘了 90 年代最让人感到温情和勇敢的故事。这是一首着笔于艾滋恐慌时代下的酷儿成长传记，仔细重拾那些少年时期来自远行和离乡的期待，对少数友谊的仰赖与成为自己的坚定。污名、歧视和恐惧的阴霾一直笼罩，《Being Boring》依旧在三十余年后向我们传递着来自”同一群人”的温暖、支援与力量。

歌单：网易云音乐 / Spotify

内容整理：石田吉藏

参与撰稿：UPEE

Rated by BB

Genre: Hip Hop/Pop Rap/Comedy Rap/Cantopop

Release: 1993

Label: 新艺宝

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

在 91 年首作《车欠石更》已经足致展现了二人组在文本上的玩趣，以及对 80 年代 Synth Pop 类型的再梳理后，软硬天师的唱片已经更深入地探索了他们作为”娱乐组合”可以做的事，在 93 年《广播道软硬杀人事件》中用趣味十足的拼贴、采样和唱词让广东歌文化、流行文化、时政指涉、性与爱一同纳进这张在玩闹中犀利、不求甚解的作品之中。作为香港主流视野里第一张以说唱为主的大碟，《广播道软硬杀人事件》在流行感、可听性和内容上达到的均衡现在来看仍然让人感到启发，而诸多在地的议题讨论也让它成为我们现在回顾广东歌的在 90 年代的历史中难以绕开的经典。

专辑中有非常多现在听来我们仍然能感到共感的时刻。《广播道fans杀人事件》里”偶像过剩”的境况可能在三十年后已经不是一件那么让人感受到新鲜到不适的事，但已经十分张扬的 Techno 底色已经可以显示俱乐部文化在 90s 香港的融入，这样的 Rave 神采延续到《中国制造》中则成为 Breakbeats 和 Big Beat 的形态；除此之外，王菲在《请勿客气》里对 Pharaoh Sanders 的翻唱（如果你是一位对王菲在她作品序列外的音乐了解不多的歌迷，或许会对这样的演绎感到惊喜），《老人院》《爱式》对 Tunnels、音乐工厂 只求乐趣的指涉，不但是《车欠石更》在理念上的延续，也可以让现在强调”reference”认同的乐迷社群会心一笑。

《中国制造》在很多程度上成为了大陆歌迷探索这张唱片时关注的一个噱头，在《排名不分先后左右忠奸》后这样的 name drop 成为了一种很简易就可以达到效果的提及方式，并且对于中国大陆当代历史这种时常被回避话题来说更为突出，由此达到对其他人刻意维持的严肃进行了消解——对于软硬天师而言，这是一个娱乐组合应该做的事。更”变本加厉”的在于，对国歌、江青审判的援引夹杂在《男儿当自强》《欢天喜地中国年》这些可能给人比较刻板、表面的中国印象之间，不需要太鞭辟入里，一切只为了幽默感，毫无疑问会成为专辑中引人注目的、非常张扬的重彩。

更多的时刻，《广播道软硬杀人事件》是一张强调香港的专辑。不仅在于专辑实体视觉文字来自九龙皇帝曾灶财，专辑中还有《铃通天地线》里交友热线与林子祥、杜德伟经典时刻重现，《爱式》广告采样，《最后今天》与93兰桂坊踩踏事件的关联等。这是一张非常强调当时当地的专辑，也因此容纳了很多只会在彼时出现的情绪，更因此它哪怕以一种跳脱出来的方式审视广东歌文化，却仍然深刻地包含了广东话的认同。

于现在来看我们可以发现软硬天师在《广播道软硬杀人事件》里的野心勃勃，可贵的是他们将这些玩趣在一个相对可控的范围里做出了些许冒犯的意味：《点解要大家笠》的谐音梗，《爱式》里”喂喂啊啊”的拟声…… 这都让这张说唱大碟拥有一张流行唱片所需要的平衡，这样的流行性在日后的回归作《Long Time No See》得到了更多”只求好听”的呈现，而在《广播道软硬杀人事件》这张相对后者不那么只注视软硬天师自己、更照顾他们所处的环境的专辑中，他们以一个非常符合自己身份的姿态完成了评点。

Rated by 柴laoshi

Genre: Alternative Folk/Chamber Folk/Psychedelic Folk

Release: 2022

Label: 赤瞳音乐

《大陆》实验性探索在乐迷群体当中所产生的不解和疑惑，没有停止卧轨的火车在第三张专辑中持续转型的脚步，即便这并不是预定好的方向，正如他们在专辑简介中所说的“支线”、“B-side”，相较于二专繁重的加法，以原声乐器主导的《时刻》最终所呈现出来的声景出人意料，却也有始料未及的惊喜。与此同时，专辑的情感色调也发生了十分明显的转变，《余波》的沉郁顿挫和《大陆》的艰深晦涩给这支年轻乐队贴上了“沉重”的标签，然而《时刻》出现了一种情绪退场，即将情绪和关切退回到日常生活中，无论是当下的生活状态还是回忆中的片段，这使得让我们对这支乐队轻快、温暖的一面有了更多的认识。

专辑头两首曲目《红蜘蛛》和《回路二》一定程度上沿袭了《大陆》的迷幻色调和神秘主义，不同的是原声乐器的大幅提高，色调也更加明亮。而《轻轻地》则是专辑非常重要的一个转折，不管是乐器构成还是氛围，这首曲目非常容易让人想到日本“清酒民谣”乐队Tsuki No Wa，而此后这种氛围和器乐的使用方式贯穿始终。《圆》结合了田野录音和人声合唱，在旋律上可以说是乐队迄今为止最为通俗、抓耳的一首，作为首发单曲让听众直击专辑的情感色调。人生合唱也将在后续的曲目中不断出现。《晚市》是一首时长超过9分钟的曲目，然而听完却难有疲倦感，很大程度上是词作、编排和氛围使得它具有较强的电影感和叙事性，容易让人想到回忆中夕阳西下赶集的尾声，轻轻扫拨的吉他让听者如同加入了这场“最后的赶集”当中，而在尾声处的吹奏乐器旋律甚至幻听某知名流行歌，饶有趣味。《一个情歌 2017》延续了前两首曲目的基调和氛围，词作更加言之有物但不失诗意，旋律也更加悦耳，某种程度上也体现了这支乐队在词曲上的“进步”。又一首interlude《零0》之后，一首以贝斯线为主导的阴郁“弹唱”，压抑诡异的氛围让人想到《大陆》，事实上这首歌已经出现在“大陆”巡演期间，而录音室版本尾端撕心裂肺式的萨克斯则更赋予情感张力。专辑最后一首《真爱挽歌》同样以人声合唱的形式呈现，伴随着管乐、吹奏及合成器的轰鸣，有一种金光闪闪的颂扬式氛围，这样宏大的氛围同样是乐队未曾展现出来过的。

三张专辑分别具有不同的色彩，隐隐之中却有相同的气质，在第三张专辑中我们可以看到卧轨的火车这支乐队依然充满着各种可能性。同时《时刻》并不费解，很好地平衡了探索性和可读性，来自于日常生活的灵感使得听众更容易与其产生共鸣，即便其中的音乐语言充满着进取心。

Rated by 柴laoshi

Genre: Psychedelic Rock/World Music/Experimental

Release: 2020

Label: 赤瞳音乐

首张专辑发布后的这四年不短不长，但中国独立音乐业界正在发生着剧烈变化，综艺的播出、平台算法的演进改变了以往乐迷聆听音乐和乐迷社群形成的方式，另一方面，世界也在突然之间发生着转向。同样发生着剧烈变化的还有卧轨的火车的声音世界。他们没有沿袭首张专辑吉他主导的另类摇滚路线和那些飘忽不定、自呓自语一般的忧郁气质，而是选择探索更加深沉、神秘和厚重的迷幻音乐和世界音乐。

事实上在首张专辑中，这样的变化早已埋下伏笔（见《余波》乐评），而从地理的角度来看，这样的变化是理所当然。在这几年间一群具有迷幻风味的乐队和音乐人开始在上海、杭州、义乌长三角一带浮现。毫无疑问，《大陆》表达了卧轨的火车加入长三角迷幻大潮这个音乐场景的决心。与此同时，乐队成员的生活和创作空间也在发生着变化，杭州富阳郊区的鸡笼山（富春山居图画家黄公望隐居的地方）成为了他们生活、创作、录音和制作的地方。此外，乐队成员正在发生着变化，从三人演变为五人，加入了董河（人声、打击乐，前开涩露成员）和邬雨杰（吹奏，也朋），给录音过程和现场演出都增添了新的色彩。

整张专辑除了《另一座山》每一首曲目的时长都超过了6分钟，这意味着基本每一首曲目都有着丰富的信息量。开篇的《近江》相较于首张专辑几乎是急转直下的听感，在近乎7分钟管弦乐和合成器的轰鸣噪音中，音乐氛围迅速进入一种黑暗和异域的氛围，近乎让人感受到不适。而接下来的《回路》则能感受到他们往世界音乐方向的探索，如同展现了一个部落巫术祭祀现场，值得一提的是，女声吟唱（董河）的加入使得这种神秘主义色彩更为显著。《巢》和《嗅探》能够充分捕捉到乐队创作模式的转变，摆脱了三大件的束缚，他们的创更接近于录音室基于动机的即兴、碰撞和发展，在这两首曲目中，都能非常清楚地感受到音乐的主线和动机，在此基础上各个乐队成员和各种乐器不断发展和变化，最终形成一个个长篇。而《另一座山》则是带有些黑色幽默的小品之作，这“另一座山”实则为乐队栖居的鸡笼山。在经历极为精彩的8分钟长篇后，专辑结尾的《冬泳》，格调则极为冰冷，一面是拇指琴、木琴营造出来的冰冷碎片，另一面是提琴、合成器制造的轰鸣声响，两者所构建的氛围俨然一部实验短片的配乐，而《明天的摇篮》时长虽超过9分钟，词作尚可，却没能很好地驾驭，编排和变化上欠佳，其诡异程度也为专辑的结尾画上了一个大大的问号。

在首张专辑取得一定成功后，乐队并没有沿袭过往的道路，而是选择探索新的声音，《大陆》无疑是这支乐队在探索欲、才华以及野心的一次充分展现，音乐层面上有太多可道之处。专辑封面选自装置艺术myredhomeland，血红色的湖泊与山峰构成的装置承载着厚重的情感。然而，即便通过丰富的编排和声响构建了一个复杂厚重的世界，却难以寻觅到这个世界形成的根基，它更多来自于音乐人观念世界的构想，这或许也是《大陆》在更加广泛听众中为人诟病和缺乏共鸣的原因。

Rated by 柴laoshi

Genre: Indie Rock/Shoegaze/Dream Pop

Release: 2016

Label: 赤瞳音乐

时而尖锐锋利的吉他riff，混响和音墙若隐若现。卧轨的火车在他们第一张专辑《余波》当中的声响很容易被纳入到10年代中国独立摇滚所出现的“盯鞋梦泡”浪潮中。彼时已经出现这么一群中国青年，他们的成长经历、生命经验已经完全置身于城市性当中，对孤独和疏离的拆解和表达成为创作的主题。不一样的是，在《余波》中，卧轨的火车展现出自身更加独特的气质和音乐上的野心。

《序》中混响吉他所营造的氛围和飘忽的吟唱已经暗含专辑的主题——梦境和呓语。随着尾端逐渐进入《银湖》，一首伴随着压抑和诡秘的7分钟长篇，划船和湖水的意象叠加萦绕始终的吉他。《火海》《柠檬白兰地》《魂断记》《白》是专辑当中听众最多也是那些能被留下来的曲目。这四首歌吉他段落的旋律颇有记忆点，更难能可贵的地方在于中文词的写作和音乐桥段的处理方式，有意无意间便能引起听众的共鸣。《火海》中“心中是一片火海无法容下世界之爱 但愿无声自有人在” ，能感受到一些韵律之美和小哲思；《柠檬白兰地》以耳熟能详的酒为主题，开头唱到“夏天的凌晨是红色的吗？”将听觉、视觉和记忆串联在一起；《魂断记》的主歌部分用念白代替吟唱，为音乐增添阴冷破碎的现代派诗人气质；《白》以鼓刷作为律动和声音设计的基础，简单的吉他riff和旋律贯穿其中，作为Outro整体的色彩如同专辑封面，阴翳中落下阳光，呼应整张专辑的孤独和疏离之感。《灰》和《谜底帝国》穿插其中实质上是某种暗示，两首曲目在不同的方向上都往迷幻摇滚的方向探索，不管是《灰》西部牛仔味的律动、酸性的吉他riff以及最后撕咬的萨克斯风，还是《谜底帝国》中渐进动听的西塔琴。当然，作为第一张专辑免不了些许青涩，《沙》就更像沈帜早期的习作，颇有些乏善可陈。

吉他毫无疑问是这张专辑创作的主线，然而不可忽视的是存在感极高的bass和多样的鼓点律动，作为一支三大件主导的三人乐队，不同声部的特点和重点都通过音乐表现了出来。作为2010年代中国独立摇滚不可忽视的一页，余波不是尾声而是刚刚开始，而未来，等待听众的是更为广泛的大陆。

Rated by jwy

Genre: Indie Folk/Alternative Folk/Chamber Folk

Release: 2026

Label: Self-released

继 2022 年乐队风格鲜明的《一些次要的时刻》后，卧轨的火车 时隔四年发布了全长专辑《音乐也要再重来》。这张久违的回归作发展了他们此前已然展现出的，更加氛围化以及内省的创作方向，并在技艺与思路上成为他们迄今来看与以往在状态上最为不同的一张发行。柔和细致的编排让《音乐也要再重来》拥有许多美感独具的时刻，但也偶然让人在温吞中感到缺憾和错失。

回顾前作，他们已经在 Art Rock 的底色中流露出诸多拥有唱作人与民谣的风采，这些线索成为《音乐也要再重来》的基础。卧轨的火车 此前拥有不少简洁抓耳的旋律以及能量直给的器乐，并在前三张姿态各异的全长专辑中逐渐组成了他们自己的乐队声音。在这张标题颇有”重启”意味第四张作品中，他们更注目于情绪里的留白时刻，同时达到兼有”大”和细微的平衡——我们可以在《好莱坞 I》中感受到足够打开、拥有场面的听感，《塑胶口袋》的轻快，也有《在菜场，躲雨》这样放低姿态，体会一个瞬间的细腻。

我们或许可以感受到《音乐也要再重来》里卧轨的火车走向了成熟，这种成熟并不等同于一种对自身创作拥有了完全的体悟，反而更像是懂得了如何利用声音做出相对不至于让这些创作听来”搁浅”的状态。但这张专辑仍让人在不时之间感到混沌，无论是《走走路》这样气场错乱的小品，又或者专辑中更多让人感受到虚浮的时刻，反而让这些听来从容的段落给人迷失和不确定的体感。如果以前的卧轨的火车总不时能让人感受到一些粗粝中闪光的灵感，”再重来”的卧轨的火车似乎在寻找自己声音的途中变得更难接近了，而对他们而言，这场路途的收获似乎还在更前方。

NEEVE 携新 EP《fundamental crisis》持续输出属于他们的抓耳，如今他们又将启程新一轮中国巡演，期待与老面孔和新朋友制造新的回忆。巡演之际，UPEE 邀请 NEEVE 进行一期专访，聊聊 EP 创作逻辑、家族乐队的日常相处、现场美学、对中国巡演的感受。

UPEE：你们前不久发布了新 EP《fundamental crisis》，可以分享你们认为对这张 EP 而言最重要的灵感来源吗？对于 NEEVE 来说创作一首作品的过程通常是什么样的？

NEEVE：我们通常先用吉他起笔写歌，再围绕它一点点搭建整个声音世界，之后鼓和主旋律会跟着进来。我们追求的是有机又现代的声音。这张 EP 里的歌，整体带着一种怀旧的质感，配上朗朗上口的歌词。

UPEE：作为一支逐渐成长的乐队，你们觉得此时此刻的 NEEVE 和一开始相比最大的变化是什么？有没有什么方向，无论是音乐创作或者表演是你们想在未来探索的？

NEEVE：最大的变化在于 —— 你越成功、越忙，就越需要章法，同时也要保持足够的灵活性。现场演出方面，我们一直都钟爱摇滚那种声响，所以会尽可能把歌演得鲜活、有冲劲。

UPEE：在你们的音乐中我们可以感受到很多同时代创作者的影响，你们会如何保持 NEEVE 的创作个性，在创作过程中，你们会有创作者焦虑的时刻吗，通常又会如何对待它？

NEEVE：当三个有血缘关系的家伙凑进录音棚，它自然就会变成独一份的声音和氛围。

UPEE：作为表演者，你们认为对于一场 NEEVE 的现场表演，最重要的元素是什么？

NEEVE：和观众的连接占了很大比重，还有我们演出本身的动态。

UPEE：你们此前来到中国进行了一轮巡演，对那次巡演还有什么印象吗？

NEEVE：第一次来中国巡演是我们这辈子都不会忘的事。那种感觉难以置信，粉丝给我们的爱也特别震撼。

UPEE：NEEVE 是一支“家族乐队”，可以分享你们平时相处的状态是什么样的吗，你们会怎么对待例如创作上产生的分歧？

NEEVE：以家族的形式组乐队是很特别的体验，因为你们的羁绊牢不可破，但同时又极其坦诚直率——这让有些时候在争吵里反而更容易向前推进，不过你也对兄弟和表亲的强项短板一清二楚，哈哈。

UPEE：对于马上到来的新一轮中国巡演有什么期待？

NEEVE：见见老面孔和新朋友，制造新的回忆，然后多走走这个地方。

UPEE：作为乐队，运营你们自己的小红书账号有给你们带来什么不一样的体验吗，可以分享你们在中国社交媒体上最印象深刻的见闻吗？

NEEVE：能和中国粉丝保持不间断的交流，感受那种文化多元性，再看大家对我们视频的反应——这整个过程一直都非常有意思。

UPEE：你们觉得在听你们音乐的群体里，占比最多的星座会是哪个？

NEEVE：哈哈，这还是头一回有人问我们这个。这真的很难猜，而且我们也不太懂星座，所以真说不上来。

UPEE：在一场现场演出中，你们有没有过忍不住想上厕所的体验？在这样的情况下，一般你们能坚持多久？

NEEVE：一旦上了台，肾上腺素基本会把其他所有感觉都推到一边去。所以到目前为止，我们还没湿过裤子，哈哈哈哈哈。

[Tour Info & Tickets] Luuv Label

整理/编辑：石田吉藏

图片：Pauline Bonnke

采访联络鸣谢：Luuv Label

Rated by rry

Genre: Indietronica/Progressive Electronic

Release: 2022

Label: Shy People

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

Night Swimmer 在专辑《Xia Ye》中为听众呈现了足致美丽的声景，并在充满了动静、变化和游移的声音间开展叙事，呈现一场往返原野和现实之间的自我旅程。我们可以在这张具有古典美感和环境体验的作品中感受到诸多内容对 Night Swimmer 的创作影响，从戏剧般的武侠印象时刻、怀旧气场的音色取用再到不停留于类型思路的空间营造、私人的情感体验以及舞曲潜质的探索。

于现在回顾 2022 年这张作品刚发布时收到的舆论反馈，乐迷们似乎都非常期待 Night Swimmer 在这张作品中体会到一个非常具体的声景，或者一个明确的地域对应。这似乎并非 Night Swimmer 创作这张作品的意图，《Xia Ye》是一张很显著拥有 COVID 印记的发行，这自然而然让这位创作者在蚊虫山的旷野独处拥有与现实场景的关联，而非完全抛却现实处境去设想一个架空的场景——也因此将这张作品类比到晕盖《苍南夜语》或《西游记》实际上比较牵强，因为于思路或声音都不同。

抛开这种对声音、类型的预设来体会《Xia Ye》，我们更能感受到 Night Swimmer 想呈现在充满了牵挂和关联的现实和只有自己的山野之间进行来回，产生出的错杂感。标题曲《Xia Ye》在迪斯科节奏下的不安定和紧张感，《无尽的爱》缱绻浪漫之下的虚无，从《忧郁果》到《清息》的恍惚和怅然…… 这种逐渐将自己的焦虑和失措展露到音乐里过程，也是“蚊虫山”接纳 Night Swimmer 让他得到疗愈的过程。

在音色上非常东方，非常中国是听众对《Xia Ye》的第一耳印象，但值得一提的是，Night Swimmer 于此并不是以一种外来者的视角进行刻画——或者说这种十分自我探索的议题很难做到“猎奇”。专辑中有非常多直接的展现舞曲特质的段落，除开标题曲和《忧郁果》这种已然非常有舞曲流行质地的曲目，《Xia Ye》后半段的《脑海》与《送虚空》更凸显了这种徘徊在跳舞音乐与氛围空间的纠结，并由此接近自我意识与景观的平衡，这样直接可以感受到的情绪让这张作品与“披着东方元素一层皮的律动音乐”划出不同。

《Xia Ye》的舞曲潜质会让听众期待它在俱乐部里呈现的形态，但对于这张专辑而言，它的叙事因 Night Swimmer 自己的体验和感触而成立，也因此它因为真诚而拥有鲜活的听感，而非致力于给听众带来应接不暇的刺激。于现在重听或许我们会觉得这些跟“隔离”关联密切的音乐有些恍如隔世，但潜藏在变化和切换之间的不安和错失感仍然听来十分真实。

Rated by ZhaoVi

Genre: Indie Pop/Alt Pop

Release: 2026

Label: 生煎唱片

由 珂尔 与 月小 组成的独立流行二人组 STAFF! 最近发布了她们的首张 EP《倒下一头猪》，同制作人 Sovietaxi 一同用轻盈简洁的写作和充满想象的器乐编排弹跳在 Indietronica、Baggy、Indie Pop的错杂影响之间，带来了一场兼有卧室原声质感和年轻气场的收听体验。

在陈嫺静引起众多乐迷关注的 2025 年之后，怎么让 Indie Pop 的声音跳跃出卧室体感的类型思路被显然地摆到了创作者们的面前——也的确，这个类型审美指导而出的发行已然十分饱和——STAFF! 与 Sovietaxi 在《倒下一头猪》中尝试另辟蹊径，并以直接的方式呈现了她们的灵感。无论是标题曲尾段以及《黑色飞贼》里脉络清晰的节奏和打击乐使用，让我们想起年轻的 Beck 以及 90 年代的 Big Beat，又或是《夜，请大胆清醒》《0%》里轻盈简洁像水波的吉他，则是 Balming Tiger 更接近流行音乐的形态。这或许是我们现在再面对”Indie Pop”这样一个类型时更容易做到自洽的状态，挖掘更深也更接近于创作者自己的声音，并通过它和这些不抗拒流行性的写作进行组合，而非复刻一种听起来的印象。

这实际上让《倒下一头猪》听起来拥有契合 20s 华语流行的体感。她们对例如 Baggy 这种，实际上现在来说可能还有些 nerd 的类型，进行融合的思路不是像 Avalon Emerson 或者 Shygirl 那样将它自然打造成舞曲形态的容器，反而将它作为一种更融洽于 Bedroom Pop 的基底。这样的思路持续呈现在这张 EP 的前三首曲目中，而在《夜，请大胆清醒》中她们退回了相对内地 Art Pop 的状态，并尝试在比较清醒的状态里处理这种声音，让整张 EP 保留较为扎实的印象。

我们很难将 STAFF! 直接跟 Shygirl 这种级别和成熟程度的创作者进行比较，但《倒下一头猪》呈现出了目前我们这一代中文音乐人的创作影响和状态，不太俱乐部同时保留了对流行唱作人的青睐。这并不是一种窘境，也可以是更贴切的在地感，可以让创作者找到自己的声音和方向，《倒下一头猪》用四首舒适又不失内容的流行小品完成应该是重要一步的初露拳脚。

Rated by 石田吉藏

​Genre: Pop

​Release: 2010

​Label: 华研国际

作为从知名组合 S.H.E. 外开启个人生涯的出发点，《To Hebe》似乎从一开始就找到了她作为田馥甄的方向，相比文艺这一关键词，《To Hebe》更像是她在泛独立的过渡地带之中找到舒适发挥位置的表现，并成为与徐佳莹同路的新一代台湾流行的代表（也像徐佳莹一样总让人觉得可以更提气一些）。

将泛独立作为定位对于田馥甄这样的音乐人而言是需要自信的，并依赖与制作人的默契，否则可能会出现如曾沛慈前两张作品那样隐隐约约的“隔膜”感。《To Hebe》的呈现是恰好中和的，在王治平主导，袁惟仁和陈珊妮等多方担纲制作人的品控之上有稳当，并与传统的城市民谣路线与经典的华语抒情有更多一分的工整。

不过也因由此，《To Hebe》也呈现出非常明显的“制作人调性”，陈珊妮创作的标题曲，林一峰作曲的《离岛》以及陈小霞的《你太猖狂》都有相当充沛的来自创作者的痕迹，在其他整体相对保守的曲目里田馥甄亦没展现出更多的个人特色，反而让一整张《To Hebe》的歌者形象都变得相较透明，更多剩下悦耳的美则美矣（以及《超级玛丽》里对爵士的水土不服），属于田馥甄的印象可以更加深刻，对其个人气质的塑造亦可以更加真实。

而同样在制作人的主导之下，《To Hebe》似乎也像一张台湾流行工业在泛独立这一圈层里的成色展现，它让属于田馥甄的 debut 虽有欠缺却不失成熟，并在作品本身与她的贴合之中可以让人暂时忘却“包装感”：标题曲于陈珊妮创作而言都可算是简练隽永的佳作，在徐千秀足够干净稳当的轻电配 Band sound 之中更有清新之气；林一峰作曲，施人诚作词的《离岛》则更有细小体量的安稳与静谧，Acoustic 的内敛质感之中田馥甄仿佛却有意外的敞怀，却是对在距离感之下感到刚刚好恰如其分的演绎，必定会成为田馥甄生涯之中最特别也最纯粹的曲目之一。

李雨寰编曲的《我对不起我》在弦乐交叠之中有抽丝剥茧的情绪展开，陈小霞的《你太猖狂》则散发着后者在《哈雷妈妈》之中的朴素可见豁然之感。而在其他曲目之中，《没有管理员的公寓》可能会让你想起数年后王心凌《CYNDILOVES2SING。》里开怀自由的抒情表达，《寂寞寂寞就好》则似乎一举完成李荣浩生涯至今所追求却也只是在《耳朵》中稍微接近的拿得起放得下的又情感又不小气的华语抒情目标。

这依旧是一张致力于悦耳的作品，在田馥甄几乎是天然为录音室而生的演绎面前，似乎个人特质的不明确尚不那么严重，更何况在出色的品控之中，《To Hebe》已经显然是在华语主流好听不落俗的标准之上了。

Rated by kiio

Genre: Alt Pop/Indie Pop

Release: 2026

Label: A Tune

六年的浮浮沉沉带来了一张反潮流的作品。宣发仅一周，然后空降十首歌曲，除了坦白说有点不知所以然的封面之外，此张专辑若有问题，也绝对不是因为没有收「大芭乐」，甚至我想说，幸好没有收！

虽然是听得出赶工的痕迹，同时台湾的产业印记在这张专辑的烙印依然沉重，但是田馥甄的个人审美已经可以做到瑕不掩瑜，撑住一张专辑气质的程度了，所以十首歌听下来，第一次达成了一种更统一性的美学，在另类流行和摇滚影响中混合从以前就撷取过的「花花草草」风，以乐景衬哀情筑成了田馥甄一张独特的著作。当悲伤的经过不再是埋怨，也更不顾影自怜，而是一种更豁达的方法，其实就已经很超脱目前台湾主流音乐产业的制作逻辑了，只是用的人马太重叠，才依然保留了影子（本专辑制作班底的金曲奖和金音创作奖纪录依然响叮当）。

这样的「金奖班底」给别的歌手用，就会做出一些到最后不够下沉也不够土，人们也不爱在包厢大唱一场的芭乐，加上一些更不知所谓不土不洋的舞曲，收进一些更差强人意的专辑里（洪佩瑜就严重受到此问题影响，还大幅折损了她的品牌和音乐人格）。田馥甄以前可能还会因为唱片公司的要求，消耗自己的流行价值产出这样的歌，现在她终于不会了。

〈大船〉的摇滚开场在田馥甄的唱腔下退去了草东式的阴鸷，让rocker此事不再和仙女无关。〈要去什么地方〉歌词依然悲观但编曲却特别轻巧，而到〈云〉和〈干净的房间〉确立了这张专辑的特质，那就是四两拔千斤，用民谣摇滚和梦幻流行的框架唱断舍离和释怀这两个也被许多台湾歌手用烂了的主题。田馥甄显然是第一次这么做，所以在部分曲目如〈值得纪念的垃圾〉中还是有点蹑手蹑脚，但〈乌鸦〉和〈蹉跎〉的原声乐器比例被拉回来了之后，让专辑的美学设计回到了正轨。〈坍塌〉是一首最有华研审美的作品，故也是此张专辑特色最不明显的歌，但文本依然有推进作用，便来到了最有芭乐潜能的〈静脉〉。这首歌好就好在副歌的设计完全反直觉，没有要让人好唱，好记，只是Hebe继续在那咿咿呀呀，就让一个本来可以很〈皆可〉的歌还是成了小品，于是迎来〈果〉，这张专辑唯一的大歌。陈君豪在这里彻底让我改观了，他一直被我诟病的制作能力在这里完全被他写旋律的能力盖过，也是这张专辑最有华流pop的气质的歌，所以歌词写成生涯总结报告也算合时宜，更因为是写过团体周年单曲〈十七〉的吴青峰，特别有血有肉，情绪价值满满。不过于耽溺过去的故事主线也在澎湃的鼓声和铜管乐器声中像烟花般绽放，又一遍吟唱之后，完结撒花。这之后又要等几年呢？

诸多并没有迎刃而解的经历后，田馥甄没有黑化，但任谁听完专辑都能知道她依然带着沉重的情绪往前走，只是这些事情没有再更上价值了，从整体音乐制作上到文本上都没有这样的作风，所以这张专辑比《日常》更日常，也比《无人知晓》更是透露了一个从前无人知晓的田馥甄。当《无人知晓》还在尝试给芭乐歌上价值时（当然这些芭乐歌确实好听也制作精良），田馥甄大概也心知肚明那张专辑作为single collection大于studio album的本质。我们可以断定，这是田馥甄在成立乐来乐好之后，第一张真正意义上的原创录音室专辑。天不一定更蓝，水不一定更清，房子不会变大，手机也不会更小，但我想田馥甄可能真的要越来越好了。