人的一生会有一年半的时间用在拉大便上，作为生活中不可或缺的一部分，为拉屎找到一首合适的 BGM 非常必要；与此同时，也有相当一部分人饱受拉屎的困扰，而音乐作为身体治疗常采取的手段，自然拥有不少助力如厕的潜力。本期，我们为大家特别遴选了 15 首适宜在拉屎的过程中收听的音乐，排名不分先后。

Christina Aguilera: “Your Body”

拉屎一直都是一门不能忽视硬件的技术活，而 Christina Aguilera 作为兼具机能和技术的铁肺天后，她的音乐其实拥有歌迷们长期忽视的催屎潜力——例如这首被“擦迷”们长期认证为粪曲的《Your Body》，它的第一句就是“I came here tonight to get shit out of my mind”。扎实稳固的 EDM 大节奏和 Christina 遒劲孔武的高音一点点地推进，再至爽畅自若的长音释放，给足了身体张弛的时间，一坨利索、完整的粑粑仿佛就这样轻松地脱出，在水里像莲花一样绽放了。

陈珊妮: “I Love You, John”

不是所有适合拉屎的音乐都要让人感受到强劲的力量，如果一次拉屎让你拼尽全力，这样的拉屎体验一定不愉悦，甚至可能肛裂。陈珊妮 2011 年的涩谷轻电音经典之作《I Love You, John》足够让人沉浸下来，仿佛置身于清爽整洁的高端商场厕所，坐在恒温的智能马桶，细腻的铜管采样切片循环和晶莹剔透的音效穿梭足以让人放松下来，缓缓打开自己。

19: “梦游”

柔软的林荫草地伴随着微风雨露，19 乐团的《梦游》就像 Charli XCX的《Track 10》，悄然把我们领入鸟语花香之地。陈珊妮是擅长场景描绘的大师，而自然毫无疑问是人类最可以放下包袱、撇除杂念和浮躁，让自己的一部分化作春泥的最好地界。

Nine Inch Nails: “The Hand That Feeds”

早期的 Nine Inch Nails 可能是最不适宜在拉屎时收听的音乐人，他那种地下室DIY工业声音太硬了，如果屎也是 Hardcore 的，拉屎的过程注定会痛苦，像没多少经验的顺直公狗没有引导只有一顿乱捅，很大可能损伤直肠。而到了《With Teeth》阶段的 Nine Inch Nails，我们能直接感受到他们音乐里伴随流行化、电子化带来了足够的膳食纤维，屎不仅软了，更伴随充足的律动像肠道蠕动一气呵成地把它以健康的形态健康地迎接出来（Jamiroquai 跟他比感觉屎不仅稀，人还没力气）。拉屎不仅是一个动作，屎的形态和质地非常重要，这首律动音乐不仅不会像一些武断的 EDM 一样让你拉一下顿一下，更有持续的推力助你一口气拉完。作为大腚音乐榜榜首，Trent Reznor 对于控制自己的屁股很有理解。

NewJeans: “Attention”

《Attention》是许多编辑看到这一选题时的第一答案，正如一首好歌它应该有广泛的使用场景，NewJeans 毫不例外。人声切片一把子带入那些高端商场在厕所播放的安神驰放音乐，足够让你的全身达到松弛，而相比 Christina Aguilera《Your Body》那种只注目拉出来的标准拉屎音乐不一样，它在长线条的副歌段落保持了相当的松弛，给足了拉出来之后的情绪支撑。拉屎同样需要 after care，伴随着那句“You got me looking for atten-tiiiiiiion”，感觉整个厕所都被净化了，香香的。

Ariana Grande: “Dangerous Woman”

经典而稳当的 Contemporary R&B 很有推力，但太“千禧 Urban”的活跃底色总让人感觉身处公厕，不免萌生羞涩。步入10 年代，PB R&B 成为运动后终于弥补了这个类型应有的私密感。Ariana Grande 作为主流泛另类的人物之一，在《Dangerous Woman》这张她逐渐步入主流流行明星核心圈的作品里呈现出了拉屎音乐最好的形态——私密的声音底色足够让听者享受狭小空间里最需要的聚精会神，推动感满满的节奏进行以及长音更让人可以以最释放的状态拉出一个长条。

赵薇: “旧玩具”

赵薇完全是茅坑女飞贼来的。一秒进入状态，不需要预热，更不显匆忙，享受如厕的每一秒钟但却不被屎意驾驭，告诉肠道和屁股谁才是主人。小燕子就这样唱着不要随便爱我，上完厕所潇洒走人，拉得干净毫无弥留。

Imagine Dragons: “Thunder”

你想，它就会来。《Thunder》给人一种一颗屎在花样跳水的感觉，还压水花压得很低。

Jennifer Lopez: “Play”

感觉 J.Lo 这辈子都不懂便秘是什么感觉。

The Streets: “Everything Is Borrowed”

The Streets 在《Everything Is Borrowed》专辑同名开场曲中描绘了一个美丽精致的声景：和煦的日光下午，睡过头的你终于缓缓抬眼，拖着身躯坐到温馨小家的马桶上，等待一天的第一坨粑粑，而你也在微微用力的过程中一点一点地唤醒身体的每一部分。不得不说，The Streets 非常懂这首歌的精神才能将它作为 opening track，你只有扫清了宿便，才能轻盈地迎接生活里的明媚。

Black Eyed Peas: “Rock That Body”

这首歌很给那种管道疏通的感觉。

SOPHIE: “XTC Acid”

这首歌很给那种汤汤水水的感觉。

Beyoncé: “Countdown”

如果你觉得《Your Body》的推力不够持久，《The Hand That Feeds》的节点找不准，那你应该点进《Countdown》短暂地忘记自己是人类。《Countdown》拥有微妙而张弛的结构，一起一落的两种能量可以让你感觉燃料满满、可以冲刺，扎实的倒数间隙更像豆包一样不绕弯子地教你发力，伴随着完美女神的节奏一起吸气呼气、屁股用力，短线条段落推一段是一段，长线条段落一口气端掉一整条。

Zara Larsson: “Midnight Sun”

把你的肠胀气化作内气压，一段一段地积蓄成大拉一场的底气，伴随着 Zara 揭开午夜私密帷幕的超长音一鼓作气、再而推、三而收，干脆利落，自若爽滑。

Maroon 5 with Christina Aguilera: “Moves Like Jagger”

Adam Levine 永远无法成为他的偶像，如果《Sticky Fingers》的封面是真的，Mick Jagger 应该有一条很硬的阳具，但 Adam Levine 每次唱歌都让人感觉他一定早泄。幸好上帝关门必开窗，人和人的差距可能就像前列腺和括约肌一样，仔细看才发现不遥远——Maroon 5 可能是人类历史上最适合如厕时收听的乐队，Adam 的声音拥有半软不硬的声芯，配合从来不会用力过度的律动，在他们的音乐里我们能感觉到肠道拥有前所未有的湿润，粑粑更是恰如其分地具有弹性，一出来就是三不沾。伴随“美国好声音”一起步入 Maroon 5 有机厕所的更是催屎天后 Christina Aguilera，她充满力道又掌控感十足的声音可以让你的屁股发出全部的实力。

-End-

跨越山海的音乐共鸣，在阿倮尼的首张全长专辑《云南往事》中徐徐展开。这支由苦药与尼内组成的双人组合，立足佤族、拉祜族的文化根脉，在战马时代的企划支持下，与图瓦乐队ODUCHU达成创作碰撞。他们挣脱刻板的民族音乐表达，以个人成长记忆为切口，将代代流传的传统民歌、山野间的真挚情感，与当代音乐语言相融，在坚守文化内核的同时寻找适配当下的传播方式。我们有幸邀请阿倮尼的两位成员以及战马时代厂牌创始人刘钊，一同探寻藏在旋律背后的民族记忆、创作初心与音乐理想。

UPEE：最近了解到你们跟ODUCHU合作了《云南往事》，可以分享这次合作的契机吗它是怎么展开的？

苦药：我们在战马时代去年做ODUCHU首次中国巡演的时候了解到ODUCHU，因为我们也是第一次听嘛，当时第一个感觉就是我们有很多共同点，比如，都是两个人的组合，然后音乐都有民族的根源性。之后很巧合的是战马时代提出这个合作的建议，我当时刚听到这个建议也很感动，原来不止我们这样想哈哈哈哈，我们也觉得很值得碰撞，之后他们在成都巡演的时候，我们第一次见了面，大概是这样。

尼内：是的，这次的契机也是因为音乐理念上的共鸣，ODUCHU也是将图瓦的这种传统民歌与现代音乐就融合嘛。我们双方在传统与现代结合的创作理念上我认为是有一些共同之处。

UPEE：你们会怎么具体的来形容这种共同之处？

苦药：我想先说共同之处，不论是图瓦还是佤族都是接近自然的民族，我们都有很传统的民歌，在这些歌声的叙事中都带着对故乡很深厚的感情，这点其实我们跟他是比较有共鸣的。

尼内：是的，我们的语言虽不通，但是情感跟音乐是相通的，所以在成都认识了ODUCHU之后，然后他们有一首歌，叫做《For mother》，这首歌我循环了无数次，从图瓦的歌声里我找到了共鸣。朴实的声音，真挚的情感，在平凡里盛开着辽阔的爱。

UPEE：在共同点之外有没有什么内容是独属于阿倮尼的部分，比如说佤族是非常突出于其他不同的民族音乐类型的，它在《云南往事》之中有没有很具体的体现？

尼内：其实我觉得是民族情感上的体现吧。云南是很多民族聚居的一个省份，大家表达的东西也不一样，情感上也会有细微的差别。但我本身是佤族人，所以自然而然对佤族更“忠诚”。我认为我们的音乐要更加“野，用一句话来总结形象就是，如果别的民族音乐像精美的刺绣，那佤族音乐就像一块粗糙但充满力量的岩石。

苦药：对，因为本身尼内是佤族嘛，朝夕相处的过程中我也可以感受到那种佤族人的那种野性。同样我们还是对于自己熟悉的语言会更近水楼台吧，所以做自己的东西会更自洽。说到“野”的话，在《云南往事》中，我觉着《薅秧歌》野性最足。

UPEE：了解到这次《云南往事》的很多的旋律以及创作的基础都和阿倮尼的成长经历有关，也有很多改编自传统民歌，我们好奇战马时代是怎么看待这张作品的？从取材到创作的整个过程大致是什么，可以和我们分享下吗?

苦药：整个过程还是源于公司对我们的信任吧，也是和公司一起选择了歌曲的改编，然后确实很多歌像您说的一样，是在我们家乡流传比较久的，可能已经刻在我跟林内的这种记忆里，再把我们的感情去内化，其实这些遗珠能够由我们的演绎能重新赋予新的生命，去跟他真诚的去提炼出我们自己舒服的表达方式吧。

尼内：它之所以叫传统，正是因为他经历了历史的沉淀，还有考验，并代代传承下来。我觉得传统和现代就本就属于一个整体，但又彼此独立，这种独立就不管是传统的还是现代的，他们都有各自的特点就是不丢掉各自的特点和最本质的东西，就是最好的改变和融合了，我觉得。

刘钊：说起这张专辑，藏着一段特别有趣、也让我格外难忘的相遇故事，也是我和阿倮尼结缘的开始。

故事发生在前些年的景迈山，我偶然受邀参加当地的一场特色活动。这场活动由普洱当地政府牵头筹备，主办方希望挖掘、邀约几组极具特色的音乐人，登台演绎全新的云南音乐风貌，阿倮尼就在这份推荐名单之中。

起初，我收到的介绍里，阿倮尼是一支风格鲜明的电子音乐组合。新潮的电子曲风，搭配云南本土的音乐内核，听起来格外新颖，我当时便满心期待，很想听听他们的舞台表演。

可这场山间活动筹备得十分仓促，加上经费、场地条件有限，现场的音响设备、专业乐器、舞台装置都十分简陋，完全不足以支撑电子音乐完整、完美地呈现。无奈之下，工作人员只能和乐队沟通，要么取消演出，要么临时更换表演形式。

让我格外意外和感动的是，阿倮尼的团队特别通透随和，没有丝毫为难和抱怨，爽快答应临时调整演出方式。最终，乐队的两位成员，只带着两把简单的吉他，踏上了景迈山的舞台。

我第一次亲眼看见、听见阿倮尼的音乐，没有炫酷的电子编曲，没有华丽的舞台特效，只有最质朴歌声……

UPEE：因为很多一部分更新一代的听众可能对于传统的音乐，他会需要花一点努力来去理解和共鸣它，我很好奇阿倮尼战马时代在是怎么把控《云南往事》中的传统的一种精神，然后又能让它再实现一种比较融通、比较通俗的改变，可以分享下你们是怎么把控这一平衡的吗？

尼内：如果是用那种比较传统又古老的方式去记录，有很多人可能会很难去了解这个东西，可能和现在的互联网也是不适配的，把传统带到现代，把现代又带进传统里，我觉得它比较适合我们当代的一种传播方式。

苦药：首先是我们的文化背景本身就是从小在这样的一个传统和现代交融，只要你是生活在当代，你一定会面对这种传统和当代的文化环境的，所以其实我们并没有特别的要去做那么大的一个平衡。再其次因为我跟尼内其实也都听当代音乐，我们也用智能手机，说怎么去把这个根源的情感能用我们自己的方式演绎出来，就会比较自然，并没有那么大的力气要去想平衡这个问题，我觉得还是比较自然的。

尼内：还有在以前我去找我们寨子里面的这些老人去学传统调子的时候，我虽然是佤族人，但以前确实没有很好的去了解这些东西。我是那种用传统的方式去学这个东西会很难学进去的人，我自己会很难去接受。但是刚好我跟苦药就是就生活在当代，就用当代的方式去解决。就像后面我学这些传统调子就很快了，因为我融入了当代的东西去学这些东西。

刘钊：我觉得这是一个非常好的问题。这其实就关系到战马时代这么久以来，在做传统文化和当代性连接时一直在思考的命题：是不是只要是民族的，就一定是最好的？是不是只要立足地方，就足够有地方特色？这是我们一直在琢磨的问题。

所以我们更希望看到的状态是，作品保有地方独有的特质，同时每一个听众在接触到这份地方文化的时候，都能够找到自己和这片土地之间的联结。说到民族性，民族当然拥有自身独特的文化属性，但当人们聆听民族音乐时，也应当可以找到属于自己、和当下此刻此地相通的情感共鸣。这才是我们特别想在这张专辑里面表达的东西，而不是简简单单做一张民族音乐专辑，单纯完成一次本土文化的展示。对我们来说，后者没有那么大的挑战性，我们更愿意去实现前者。

另外还有一点，我们也多次和阿倮尼沟通。我们说，热爱本民族、热爱本土文化，这份情感无比珍贵，但不一定非要把民族、传统当成一份责任和重担扛在身上。进行音乐和艺术表达，最重要的是创造性与自由。他们两位本身就是在少数民族文化浸润之下成长起来的年轻人，不需要反复刻意去强调他们的身份。他们的语言、生活习惯，就已经说明他们很好地承接了传统文化。

我们希望把民族文化打造成为现代传播当中一个优秀范本，也就是图瓦乐队ODUCHU。所以我们邀请来了ODUCHU的成员、制作人Chingis Sorju，协助阿倮尼完成了这张专辑的整体定调与制作。

UPEE：《云南往事》创作的过程也是一个向你们自身、你们的文化进行挖掘的一个过程，提到云南往事这四个字有没有什么记忆或者场景是会马上浮现在你们眼前的？

尼内：我会想到就小时候，特别是当有长辈唱起民歌的时候。民歌诞生的背后其实是生活的困苦跟苦难，我很小的时候，我家里面是很穷很苦的。但是在这种穷苦的日子里面，长辈时常不忘记歌唱，那是苦日子里面唯一的甜，还有快乐。我觉得传统民歌之所以为什么要一代代传唱下去，不是因为它是民歌才要去传唱，而是因为它是真正的从困苦生活的泥土里生长出来的东西，它是坚韧的。这种坚韧的生命力，就是很值得一代代人去传承下去，是我从云南往事里面，感受到的最直接的东西。

苦药：我其实没有一个具体的记忆，更像是一种走马灯吧，小时候经历过的所有的人和事，因为我生活在一个小县城，加上云南就是有很多民族。他们都各有各的方言，各有各的节日，当我走在路上的时候，就会被各种听不懂的民俗语言和热闹的节日环绕，这样的画面一幕幕闪过，回想起来还是有点魔幻，但很快乐。这样的生活我过了30多年，离不开，也忘不掉。

UPEE：为什么取名叫《云南往事》呢？

刘钊：当然音乐家他其实希望用形式形式的这种改变来来引导他们的一个创作方向，或者是一个市场的一个，或者找到他们自己的市场空间。但当我听到他们的声音里面的那种力量，那种生活，那种他们成长的个体的个体成成长的这种经验的时候，我就知道了，哦，他们身上是什么是最重要的。所以当我们开始一起共同企划他们的第一张专辑《云南往事》的时候，我是希希望把他们身上就是每一个阶段经历的带有情感，带有他们的故事，带有他们的这种文化的这样的一种一种符号或者一种信息。

所以说，如果阿倮尼没有遇到我，没有遇到战马时代，我觉得他们的第一张专辑很可能会是一张电子专辑。

但是遇到我们之后，战马时代有一个很大的特点：我们更关注音乐表象之下的文化，还有他们的成长经历、整个养成过程，也就是背后的这些故事。我们希望挖掘出底层的故事，把那些和他们生命经验息息相关的感受，那些我称之为“路上的经验”提炼出来，于是就有了这张《云南往事》。

为什么叫《云南往事》，取这个专辑名字，是因为“云南”加上“往事”，我单纯觉得非常好听、好记，还自带一种很浪漫的感觉。

而且会给他们的音乐赋予一种怀旧的色彩。我觉得这个其实还是一种氛围，也是一种非常非常重要的，就是音乐的情绪，在他们的身上我能看到这样的情绪，所以我觉得“云南往事”还蛮贴切的。

UPEE：这是一张，在你们已经成年了之后再去重返这些经历、场景和画面的作品，我们好奇就是在现在再去回顾这些事，这些歌有没有带来什么新的感受？

尼内：它是一个很好的记忆，如果我不选择用音乐来表达的话，可能在我心里面或者是脑子里面，它就只能是一个画面，更多的是我一个人去回忆的那种记忆。但是现在可以用音乐的方式去给它表达出来，能让更多的人去感受这个东西很有意义，在《云南往事》制作的过程中，我的心会越来越觉着开阔了很多。

苦药：长大后我在别的城市经历了些其他的生活，再回过头来看以前的很多东西视角确实会变得更加多元化。在做《云南往事》这张专辑时，我觉得我们两个更多会还会带着一种责任感，可能就是希望能通过我们的演绎，让更多人去了解到这些经典的旋律，或者说了解到我们本身的一些文化跟民族。

UPEE：在制作和录制的过程中有没有发生什么，让你们觉得很感动的瞬间？

尼内：其实苦药也不会说佤语，但在我跟苦药两个不同的民族录制的过程中，我们两个有些地方是要去录和声的，然后我就给他教一些，他在学佤语的过程中其实也是一种佤族文化的传播，这个是我比较感动的瞬间。

苦药：他们佤语真的很难学，尽量靠近吧。我是觉得就是感动的瞬间，还是一种责任感吧。我们确实是用尽我们的心血，就掏心掏肺的，尽量去希望把它能呈现的好一些。因为其实有的歌曲可能我觉得内化的时间还不够长，如果时间准备再多一点的话，我们可能会做得更好，但是也没问题，所以也是一次对于我们的一次这种磨砺吧，然后也是一次经验。

UPEE：你们来自不同的民族，然后也需要很多互相配合，我们好奇你们两个人平时的相处是什么样的，以及你们觉得对方对于这样一个二人组来说，起到了什么样的作用？

尼内：两个人就走到一起，这也是需要缘分的，但缘分的前提也是两个人就一起成长，一起学习又互相包容。再有了一起成长，互相包容之后，其实很多问题它自然而然的就建立起来了。在磨合的过程当中，他也会自然而然的去解决了一些问题，磁场对了，很顺其自然。

苦药：我觉得我们是比较互补吧，就是尼内会有更根源的东西，然后我会有一些更当代性的一些，这种学习的背景，然后就是我们两个当时在一起是因为一个比赛，然后我们彼此相遇，并且对音乐有共同的共鸣和对于这种我们家乡的一些音乐的企图心吧，希望把当代的东西做一些我们方式的这种融合。所以我们就很自然就在一起了。

尼内：这张专辑里面有一首叫《归来》，是苦药原创的一首歌。

苦药：对，我当时写那个歌，是尼内亲身经历的生活，然后他当时唱了以后，我就很感动，然后本来这首歌我写出来，我就把它丢在一边了，但是因为尼内他有那个感情。他有那个画面他也喜欢这首歌就又重新被拿出来了，对，所以我觉得还是这个缘分。

UPEE：传统和民族的本身是一个相对比较大的议题，但个人的经历又是一个非常小的一个切口，有没有什么创作是你们觉得非常能体现这种，又具有这种民族和传统的这样一个底色，又同样有非常具体的个人感触的那种写作？

苦药：因为我们其实在一起以后是有一个大概的方向，但是当时我们也需要去磨合和尝试。其实最早是有想过做传统四个人的那种乐队，但是后来可能也因为疫情包括各种各样的原因，我们回归到两个人以后，就开始思考怎么样能把当代的东西和我们融合，并且在现场的时候我们能呈现出比较舒服，并且能有一些更有风格化的表达，更有张力的表达，我当时是这么思考，所以我们就一直在尝试，然后一直在去打开，听了很多的这个作品，我们听了很多的一些吸收了一些演出的一些方式，然后去做内化。确实是比较慢，比较难，因为确实是想做一些不一样的东西。

尼内：包括我们这个创作方式发生这个转变也是在疫情期间，因为疫情之前，我跟苦药完全就靠着自己喜欢音乐那种纯粹的东西作为动力。疫情期间，我们去找了寨子里面的老人家又去学了我们的这些传统乐器。就没去学这些东西之前。我只知道我自己是喜欢音乐的。我觉得就没学之前自己很肤浅，整个人他都是空的，没有魂没有根的感觉。学了我们佤族的这些乐器之后，也听了老人给我讲关于我们佤族的一些历史，主要是我自己也从这些故事里面吸收了一些养分。学到了这些东西之后，我感觉我整个人心态一下子就变了。这种变让我一下子感觉我找到了根，我找到了魂。整个人他也就变坚实了，跟扎到了泥土里面一样。整个人就是要向上生长的这种状态，直到现在，也是一直以这种扎根的方式向上生长的方式去做这件事情。

UPEE：从你们两个人一开始走到一起，然后再到现在发完第一张全长专辑，我们好奇你们觉得在这么长的一段时间里面，阿倮尼有什么成长？现在跟以前的创作有什么不同？

苦药：尼内刚才讲到我们在疫情期间学习这件事，确实也重新反哺到我们对于音乐的这个思考。因为我是科班出身，创作方式就会需要吉他、钢琴用来创作写歌。后来接触这些非遗乐器，就是明显感觉到你的创作方式多了一种新的刺激和碰撞，所以这也是在收获的过程当中才会有这样的体验。不断的在吸收老的乐器里面确实给了我们非常多的一些新的思考。

尼内：我和苦药在没遇到之前也都是在各自的追寻自己喜欢的音乐。认识后到现在，我觉得这张专辑也是记录了我们的经历吧，有就很多感触都在这张专辑里面。

UPEE：对《云南往事》这一张作品来说，如果有机会的话，你们觉得它最合适，最理想的呈现方式会是什么样的一个场景？

苦药：我的想法就是两种吧，一种最简单，可能就是我们两个人两把吉他安静的唱，还有就是我们可能会加入一些现代音乐的编曲，把我们自己的乐器再能融进去，最后呈现在现场。

UPEE：这张作品本身也有很多当代的元素，但又探讨了很多与你们自身相关的、比较私密的文化属性等等，然后我们好奇你们希望听众以什么样的方式走进这张作品，你们希望Ta从中得到什么信息和理念吗？

尼内：希望能有更多的人听到我们的作品去了解我们背后的一些东西。然后再去了解拉祜族和佤族。

UPEE：刚刚主要说到还是这在制作中有一点没有完成的一些愿景，比如说使用你们自己的配器，除此之外，有没有什么是你们一直想要做，但是还没有呈现的在音乐上的？

苦药：我个人觉得希望能去尝试更多音乐的表达方式吧，可能也不局限于这个佤族，甚至是云南。我们这些年也会碰到很多新疆的内蒙的，四川的这些音乐小伙伴，这些不同的文化碰撞我们还是很希望一直发生下去。还是希望能去尝试一下，去摩擦一些新的火花也好，互相去刺激我们的一些表达。

尼内：创作的方式他是宽阔的，可能不针对某一个部分。就像我们人，他不可能一辈子就只能待在一个地方，他肯定要出去看外面更宽阔的世界，去感受那更多元的东西，创作音乐的风格和方式也是一样的。

苦药：也可能随着我们成长吧。当我们的成长到想表达对一些话题感兴趣的时候，我们就会去创作吧，大概是这样。

UPEE：这种对创作和感受世界比较开放的态度，在《云南往事》里也可以很明显的感受到，所以我们好奇分享你们平时会听什么样的音乐吗？比如说以此为例为大家推荐几张你们最近在听的作品等等。

苦药：我最近反而在听一些老的华语的这个作品，强烈推荐罗大佑，总是会给予我做音乐上的一些不一样的灵感。

尼内：我各种听。随机播放的这个前提下，很自然的可以听到一些好的音乐，我觉得是养分。好音乐它就是很好的养分的，它其实能够补充很多我们的感受。

苦药：对我们两个听歌都听的比较杂，就基本上都什么都听吧。

UPEE：在这张全场作品发完之后，乐队有什么之后的计划吗？比如说有没有可能在现场把这张音乐带给大家等等？

苦药：肯定是会有的，我们在前段时间参与了庆祝“景德镇申遗成功”的演出。在为期9天的演出里一直在唱我们新专辑里面的歌曲。接下来肯定还是会继续创作，继续写歌，然后继续的把好的作品带给大家。

尼内：也希望可以再有更多一点的演出，更多一点的听众。

UPEE：如果用一道来自云南的食物来形容你们这张云南往事它会是什么？你们会怎么形容《云南往事》这张专辑的味道？

尼内：云南的美食太多了，我倒觉得在品尝美食的时候能有更多的人在听我们的音乐，那才是一道最丰富的感官享受。单单去讲佤族，拉祜族，这两个民族的美食就3天3夜都说不完。

苦药：因为佤族有一个非常重要的一个传统的大菜叫佤族鸡肉稀饭。我个人是觉得非要有一个答案，我会选它。我们平时朋友聚会，尼内经常就操刀来做这道菜，因为这道菜是佤族招待客人最高的一道菜了，就是管饱管够，然后我觉得就热热闹闹的，所以这是我能想到的一个答案。

UPEE：这也是《云南往事》给听者带来的感受，又丰富又很饱满，这作为你们的第一张全长专辑，做完它有没有什么特别的感受？

尼内：刚刚苦药已经讲了哈哈哈哈，就想吃一顿鸡肉稀饭。

苦药：我觉得感触良多，确实里面有一些作品，我们自己创作的时间也蛮长了，这么长的时间终于把这个歌真正做出来了，因为这里面凝聚了我们两个的回忆成长。

尼内：因为这首歌也是记录了我跟苦药，就这10年当中一路走走过来的一些经历跟感受，都总结在了这张专辑里面。专辑出来了，就想再饱饱的吃一顿鸡肉稀饭。

苦药：做完以后当然是希望能有更多的人听到，所以会有很多期待吧。

UPEE：你们觉得你们的下一张作品大概会在多久之后？

苦药：在它最好的时候，做好了满意了就发。

尼内：没有一个很准确的时间，敬请期待一下！

编辑：石田吉藏

图片：战马时代

采访联络鸣谢：Coco（战马时代）

Rated by yuun

Genre: Indie Pop/Alt Pop

Release: 2026

Label: 大象无形

在艺术化取向的 Alternative R&B 与 Indie Pop 类型中带来细腻摩登的听觉体验，张羽涵Leezi 在个人首张全长作品《LEEZI》尝试在流行工业的扎实感与利落而具力道的个人表达中把握平衡。相较于诸多有意打造出某个具体声音形象或艺术人格的 Art Pop 创作，《LEEZI》用利索、真诚的表达让听众得以感受到这位歌者仍然进行着关于自己”应该是什么样”的探索——这样的探索带来了不确定的答案，但更接近真实。

《LEEZI》中有足够多可以让听众察觉到易听性的内容。《瓶瓶子》拥有鲜明而成熟的”华语流行”质感，是新千年港台流行乐在我们这一代乐迷的收听经验中最能引发响应的痕迹，《赛博植物》与《You’re Good For Me》更有新一代Indie以及另类体感的影响，让我们回想起一些来自 LEEHI、白艺潾 的创作。在这张十首曲目的全长作品中，张羽涵Leezi 几乎没有给听众设置多少听感上的障碍，更注目于创作一张自若、诚恳的作品，对于一张流行专辑的预期来说，《LEEZI》拥有恰当的平稳。

与此同时，我们也可以感受到《LEEZI》所呈现的 张羽涵Leezi 作为一个活跃于 20 年代的 Gen Z 音乐人的”武装”：《VITAL》里突出的 Bassline 躯壳是意图明显的编排细节，隐约让人想起《Stormy Weather》里的Tinashe，但相比后者混沌迷蒙的声音呈现，张羽涵Leezi 更意欲呈现自己的锋芒；《巴拉栗》在更 Indie Pop 软化的 Drum n Bass 框架中拥有了更折中的形态，也让她想要呈现的锋芒在流行小品的位置里变得有些柔软，再至《阿梅卡》这些 Indietronica 的玩味细节也在小打小闹的尺度中保持安全。张羽涵Leezi没有在把《LEEZI》里这些可以延伸出更多性格的触角做成某些类型声音的标准答案，但这种仍然成长中的状态实在让听众期待更多。

作为她的第二张全长专辑，《LEEZI》在平衡而有机的声音呈现中可以让我们感受到 张羽涵Leezi 对于自己的创作正进行着稳扎稳打的摸索，收获了足够让她将这些碎片组装成现在的自己的成果。但也正如她自己对《LEEZI》的形容，这张作品里的自己尚未达到完全形态，更接近于迈出第一步的初始阶段，在类型标准和创作经验中打造、转译自己的性格需要更多的时间。

作为中文emo场景中极具代表性的前辈乐队，Chinese Football 见证并陪伴着本土emo音乐的迭代与新生，他们在创作中一边坚守自我内核、一边持续与过去的自己博弈、突破。在 Chinese Football 北美巡演启程前，我们有幸邀请他们作为我们下一季实体内容的封面乐队，并由此进行一期专访，一同分享乐队接下来的计划以及对这一轮巡演的期待。

UPEE：国足一直以来都被认为是中国 Emo 音乐中位置极其重要的一队，而近年以来中文摇滚乐圈层也在进行这个时代的 Emo 复兴运动——作为“前辈”，你们对当下的 Emo 音乐有什么看法？又会如何形容现在的 Emo 音乐？

王博：不同的时代、不同的环境会表达不同的声音，挺好的。他们不需要“前辈”懂，积极地创造新的音乐场景挺酷的。

李立鑫：最近听到或者刷到太多音乐风格类的学术派讨论了，至少这不符合我接触音乐的初衷（别听歌了，写论文去吧）。重要的不是根据标签听完说这不 emo、不 math，而是一耳朵听到自己感兴趣的旋律或者声线，就把它加入我的歌单，有机会就去看看现场到底怎么样，我觉得这才是最有趣的。

徐波：百花齐放。我也不确定现在是不是所谓的“Emo 复兴”，但确实有越来越多年轻乐队开始用自己的方式理解 Emo，并且在这个标签下做各式各样的音乐，我觉得这是件很好玩的事情。

UPEE：如果现在再出一张《Come Together!》合集，有哪些乐队有可能会收录其中？

王博：看缘分。

徐波：一起演过，或者一路一起成长的乐队，都会想邀请他们加入。

UPEE：国足的前几张作品，例如同名专辑以及《Here Comes a New Challenger!》在乐迷社群之间有非常大的影响力，也被认为是中文摇滚乐的经典——这种“经典”口碑有给你们从那之后的创作带来什么压力吗？它有没有促成你们在创作上的哪些变化或者感受？

王博：从音乐形式上，没有这种压力。从发展上，有时候我会希望我们的作品里持续保持国足内核。严格来说，这种标签化的输出本能会限制一些创作自由（首专最可贵的就是没有任何包袱），但后来我觉得真都无所谓，一辈子还久，只要真诚不会过时，音乐自然就会继续。

徐波：我有压力。但何尝不是一件好事，有了一个假想敌：曾经的自己。超越自我成了一个永恒的母题，但最终若输给自己也不丢人。

UPEE：作为一支成团已经有很长时间的乐队，你们会如何形容 Chinese Football 的成长？

王博：现实里没有成为厉害的大人，音乐上也没有成为“厉害的大人”。

郑紫莉：是很缓慢但至少是脚踏实地的成长。

徐波：自己其实感觉不到成长。只是偶尔演出时面对一些突发状况，发现大家能默契和冷静地应对，在那些瞬间觉得乐队长大了。

UPEE：这段时间国足时不时忙碌投身于现场，而在之后也将开启北美巡演，作为一支在海外同样有不少受众的乐队，可以分享你们觉得世界各地的乐迷社群有带来什么不一样的感受吗？尤其是在 Emo 这个垂类？

李立鑫：西方地区大家表达会更热情直接，这个其实有影响到我。比如现在在路上碰到觉得好看好玩的东西，我会本能性马上夸出口。我想如果对方听到了，也许当天也会有一个好心情吧。

徐波：海外受众年龄跨度更广一些吧，甚至头发花白也会来看我们演出，但国内现场就很难见到这样的听众了。

UPEE：作为一支在海外有影响力的乐队，你们觉得有什么“中文音乐出海”的要诀？

王博：首先你得唱中文，其次你得去海外演出。

徐波：我们的路线其实有点笨，现在很多人靠短视频就可以实现“出海”了。但可能得先想清楚出海是为了什么。我们的话，最初只是因为国内受众比较有限，发现海外是更广阔的天地，有更多人能接受我们的音乐。

现在反倒没有“出海”的执念了，真正能和中文音乐建立最深连接的，还是中国人自己；但海外的乐迷也会从他们自己的文化背景和生活经验出发，找到属于他们自己的理解方式。对我们来说，能够和不同地方的人产生连接，本身就是音乐很有趣的地方。

UPEE：对于接下来的北美巡演有什么期待？此前你们还进行了亚洲其他地方的巡演，好奇还有没有什么地方是你们一直想要但暂时还没有去演出过的？

王博：没去过的地方可太多了，我们去过的地方大多数是我们知道的地方。有机会我想去更多我们根本不知道的地方演出。

郑紫莉：国内只有西藏是没去过的了，希望可以尽快画满中国这个版图。

徐波：这次北美会去到一些新的城市，还是很期待。同时也有机会去南美，我最近听了很多 MPB，所以很期待去到巴西和智利这些地方。

UPEE：距离上一张全长专辑《Win&Lose》也过去了将近五年的时间，可以分享近期/未来有什么发行的计划吗？

王博：不知不觉这么久了吗？？人懒起来时间过得真挺快。

徐波：今年把新专辑做出来，最晚明年上半年发出来，是我对自己的一个约束。

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编辑/整理：石田吉藏

Rated by 玻璃噜噜

Genre: Midwest Emo/Math Pop/Indie Rock

Release: 2015

Label: 野生唱片

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

Chinese Football 的首张同名专辑是 10 年代中文摇滚类型中不可或缺的一张发行。我们很难将 Chinese Football（下称“国足”）与千禧年以来的国摇印象直接关联，也很难直接将他们与 20 年代的一系列新生代类比，他们以自成一派的方式将更具有流行性的 Midwest Emo/Indie Rock 作为表达的肌理，并在之中自洽地完成他们对“青少年音乐”的诠释。

《Chinese Football》的流行性底色直接承载了 10 年代中文流行摇滚音乐的影响，但这并不意味他们需要延续后者诸多弥漫着流俗与口号化的写作，相反，他们在保持着易听的 songwriting 和柔软、简洁的吉他与打击乐编排以更本质的方式让这些相对更“Pop”的旋律贴合在忠诚于类型理念的器乐声音之上。正如乐队名称直接提示的，他们拥有一部分来自 American Football 的创作影响，但在此之外更软和柔润的音色选择，对“声嘶力竭”适当的调适，以及 Indiegaze 倾向的编排尝试为他们填充进了相对更当代卧室的声音质感（显然可以令人联想起主唱的个人项目 a hidden trace），更让他们自然而然成为同时期珠三角地区琪琪音像、无聊制造这些 Indie Rock 场景的同行者，却又不至于因为部分编排和思路的一致成为场景的一部分。

很多时候乐迷对于 国足 以及《Chinese Football》的讨论多将之放置在“Midwest Emo 在亚洲的分支”的位置。由此相当一部分海内外听众关于他们的讨论都更把他们以及这张作品仅视作了用于填补空缺，这样的视角实际上带着猎奇且“乐迷中心”。当我们把视角放回一个更依循创作者表达的角度，可以更直接地感受到这支乐队对在地性以及自身的创作影响拥有显然的尊重，而非复刻流派类型的标准声音。也由此，国足在《Chinese Football》里呈现出的面貌反而是相当有态度和自我的：《红牌罚下》即是一首10s Post Rock气场的作品，它在专辑整体中显得叛逆，却又以更深的底色探出了类型；这样的底色和精神在《再见米卢》中得到了更多发展，也更自若地融入进国足自己的创作语言中。

很多时候我们在对呈现出器乐取向的创作者都怀有技术层面的期待，但很显然，国足与《Chinese Football》的创作要诀仍是表达和精神，这让这张作品里那些介于明媚和缺憾之间的情绪在简洁而不追求成熟的编排之中显得真诚、贴切。

Rated by yuun

Genre: Shoegaze/Singer-songwriter/Indie Pop

Release: 2026

Label: Self-released

以主唱莉莉为创作核心的泛盯鞋乐队 莉莉与蓝色漩涡 在这个月的早些时间发布了她们的的首张EP《分离的预感》，在这张以 Shoegaze、Bossa Nova 以及唱作人音乐为主要线索的作品中，这支乐队以一种巧妙的方式容纳了自己的音乐影响，在充足的“华语流行”体感中谨慎而熨贴地与当下的独立场景融入。

《分离的预感》相对不多的曲目收录被简洁地划分了几个段落，包含 Baby Formula、Pocari Sweet 式的充满自然气息与人味的 Shoegaze/Noise Pop 内容，也有 Indie Folk/Singer-songwriter 质感强烈的写作。尽管有显然的声墙刻画以及 Indie band sound 使用，《分离的预感》与我们近年来听到的不少更注重呈现“乐队”声音的发行不同，它的声音空间之中有十分明确的主人公和主唱作为演唱者的自我，也自然呈现出对唱作人音乐的拥抱，成为 MilkGuard奶盖儿、祝游会 在创作上的同行者。

也由此，《分离的预感》不需要听众对它保有一张“Shoegaze”本质发行的预期——对于一个因乐迷属性强烈，而对声音契合前人印象具有要求的类型而言，它代表了一种更自由开放而不拘束于流派的创作意识。声墙的使用是情绪层次所致，更多来自 Bossa Nova 以及王菲、千禧年滚石音乐的即视感都是莉莉创作的声音材料，并由此拼凑出更具体的感性与感情。这让这张作品既拥有来自卧室制作的小场域质感和情绪气场，又能通过简畅易听的 songwriting 让听众共情，同时在咬字、演唱等既往新一代独立摇滚乐队不那么看重的部分留下努力且有效的痕迹。

除此之外，来自中文流行乐的突出影响也让《分离的预感》过多地提醒了这些前人痕迹如何参与塑造了莉莉现在的创作，世纪之交的 Dream Pop 对中文音乐的影响自然而然地蔓延到这张作品中，更包含了中文在芭乐情怀里的旋律习惯——但倘若我们真的将这张在笔触上小、轻的作品联想到王菲、林强，《分离的预感》则在相对“卧室”的框架中显得胃口不足。这本身无可厚非，但在相对较短的体裁以及前半后半两种力度的情绪表达中展露出更多发挥出情绪的空间，也更让听众期待她们在“泛盯鞋”的形态上迈出更放下包袱的一步。

三年间，迷心乐队从《都市金阁寺》《刺猬冲向风车》一路沉淀至全新EP《迷你心》，铁三角多年并肩的默契与匠心，以真诚作品双向奔赴乐迷。本期 UPEE 有幸邀请迷心进行一期专访，解锁新作幕后的创作故事、视觉心意与制作细节，同时聊聊他们全新巡演的巧思与未来期许。

UPEE：从 2024 年《都市金阁寺》再到去年的《刺猬冲向风车》和今年的《迷你心》，你们觉得从三年前到现在迷心在创作上有什么变化，又有什么是迷心一直在坚持的理念？

D娃：第一张专辑我在音乐制作上参与的相对少，更像一个传统乐队的女主唱，豪酱作为绝对的制作人，而我专注唱歌。随着我对音乐制作更深入的理解，二专里有更多我编写的作品，所以可以听到更温润的气质和更古典的一些和弦编配。也有一些更原声配器的尝试，比如《麦田守望者》是尝试让吉他手影子哥作为主编等等。《迷你心》这个小电子EP，是我和豪酱都可以深入的参与制作编曲，达到一种平衡的产物。现在我们是双主创、双主编的黄金双子星形态。

豪酱：有时候一个乐队早期的冲动和粗粝是一个很珍贵的阶段。但一个创作者一定会追求越来越高的标准和突破。引用这几天很大争议的话题——“廉价的摇滚乐队”比比皆是，但摇滚乐本身是无价的，自由是唯一金钱买不到的东西。所以我们想一直记住那些“无价”的东西是什么。迷心是合成器主导的梦幻流行乐队，但是歌词和内核里的那一丝摇滚乐色彩是我不会放弃的底色。我希望那些文字无论是中文还是英文，背后总能带有一丝童真。

UPEE：在《迷你心》的创作过程之间，迷心的乐队配置回归了最初的“铁三角”。在这么长时间的共事，你们三个人之间有什么样的默契？可以分享你们日常相处的状态，你们会怎么形容彼此？

D娃：我和豪合作十年了，和影子哥今年是第八年。做音乐这件事上大家已经被岁月磨砺得太心照不宣了。豪在创作上很敏感，细腻，比我身边的任何女孩子都更像女孩子，当然这是褒义的赞美。他的性格和创作会让我很“舒服”，这是和别的异性创作者合作很难带给我的感受。在团队里他永远都照顾每一个人的感受，会让身边的人很“放松”。影子哥踏实，沉稳，低调。他和豪哥会沟通更多技术和混音，声音设计上的问题，这是我并不擅长的领域，但我相信他们会做得特别好。

豪酱：D娃是小天才来的。她身体里藏着巨大的能量和天赋。我舍不得给别人写歌唱，除了D娃。影子哥刚当了爸爸，我觉得他是任何一个乐队都需要的人才。精通各种器械，技术过硬，低调又务实，他是迷心的Ed O'Brien。你很难想象他最近在换尿布和混音之间能平衡的井井有条。娃带得很好，新EP混得也好，真是不得了。

UPEE：你们将最初迷心做音乐的房间形容为“迷你心”，可以具体地分享一下这次EP里的几首曲目吗？无论是创作它的过程，以及你们对它们的感觉？

D娃：这张EP因为歌不多，所以我们的初衷就是做一张技术更过硬，但保留迷心早期EP私密感的私人订制。我们都挺喜欢最早期的《BB》《浴缸》等等作品。所以又做了一张这样纯粹玩合成器的小EP。

我最推荐《Molten Lava》，灵感来自法国电影《两小无猜》。我推荐豪酱一起看的，尤其在结局两个人兜兜转转一起永远的被水泥浇灌在地下那幕太震撼了。我总会被一些脱轨的、疯狂的浪漫所打动，如果知道人生走了一大圈，最美好是在一开始，那不如就停在那里。为了更疯一点，我们把水泥改成了熔岩。希望这首歌慢慢可以像《Animals》一样发酵成迷心的小热单。

豪酱：《Dream On (梦旅人)》是我私心很重的《Human Zoo (宫)》的续集。《Chase Blue (追蓝)》代表迷心现在最好的音乐制作。怎么说呢，真的希望这些作品慢慢被人听到！这个过程需要不少信念感。记得三年前第一次和UPEE聊天的时候，《都市金阁寺》里《Human Zoo》播放量特别低，只有《着迷》被转发我挺难过的。这首歌用了三年慢慢找到了属于它的听众，变成了迷心第二高播放量的作品。希望EP《迷你心》也能慢慢找到懂它的人。还有《Twin Star双子星》，由衷推荐给关注UPEE的小伙伴们。听听看❤️

UPEE：迷心之前呈现的视觉形象很都市，颜色也整体比较鲜艳，但《迷你心》你们呈现的状态比之前更“素”，这一次的视觉包含了什么心思？

D娃：迷心的视觉分两部分，音乐视觉和舞台视觉，都是迷心的色彩。之前所有的专辑封面插画等音乐配套视觉，全都来自我们的挚友李亦燃。像《都市金阁寺》CD和黑胶的两版黑白线条画作，是艺术家手绘的温度和重量。今年5月14日，迷心两张专辑视觉缔造者老李因为心脏病突然离世了。所以之前的视觉风格随着老李的离开也不会再现，也希望用这样的方式永远纪念我们的好朋友吧。

《迷你心》是第一次我们以人像做封面，拍摄场景设定是《Molten Lava》里的那个私密的房间——

我们想呈现一种不受外界的纷扰的状态，就算外面是世界末日，但我仍拥有此刻，只有唱片、耳机、破床垫，在这个迷你的房间，即使我只有此刻，我的心却有无限大。

UPEE：“Bedroom Producing”是《迷你心》的一个关键词，作为制作人时，你们对一张作品有什么声音上的偏好吗？具体对于《迷你心》来说，你们觉得它应该听起来是什么样的？

豪酱：首先制作人要尽量避免乐队陷入纯粹的自我感动和把作品做成不符合唱片工业的产物。在我心里音乐性，真挚表达和制作水准是不冲突的。我还是很清楚迷心和那些我特别喜爱的欧美同类乐队有着很大的差距。但至少我们明确知道自己想成为的样子，就会越来越好。《迷你心》里有关于生命的思考，有对合成器的推敲，有童心的表达。没有什么口号和愤怒。它虽然小巧，目前还称不上米其林，但它至少不是快餐，而是用心的私房菜。

UPEE：在三年的时间里你们觉得关于迷心最印象深刻的一件事是什么？除此之外，有没有什么一直想要做的事情？

D娃：当然是巡演！今年的第三轮巡演已经开票啦！

我是以每年巡演的站次去分区自己的回忆的。哪一站刚落地就下了大暴雨，我们淋得透湿但保护好了乐器；哪一站开始小小售罄；哪一站我们收到乐迷自发录制的合唱视频… 每一个成长的节点都值得被记住。

巡演每一站，我们一直坚持带着装置，全部的乐器，调音，灯光，每个人上台前的肩膀上都是血印子。我们今年票价涨了10块钱，然后看到的来自乐迷的评论是“迷心快涨价吧”“再涨一点也没关系的”。挺欣慰的，真诚的乐队和乐迷之间总是双向奔赴的。

UPEE：都市和情感是很多人听到迷心时的第一印象，如果让你们来形容，属于迷心的关键词会是什么？

豪酱：克制，迷幻，且妖娆。我们的Slogan～

D娃：敏感，不随波逐流。哦还有专业，我们很在意这个。迷心要做专业的乐队。

UPEE：马上迷心要开启一轮“迷你心”巡演，对于这次巡演有什么期待？可以分享关于这轮巡演的一些巧思吗？

D娃：我还是会和每年一样，逐帧和灯光师一起设计灯光，亲自去做去拍大部分VJ。迷心巡演的每一个环节都是我们亲自设计的，因为好坏和喜好因人而异。但乐队能做到的是用心。嘉宾也是今年一个亮点，每一站都有我很欣赏的女性音乐人们加入！

豪酱：今年我们会把演出分成几组不同的歌单，比如「电气热舞派对」「Trip-hop的幻觉之门」「私密KTV的热单合唱」… 设计成更像一整个沉浸的音乐剧的感觉。观众可以在舞曲部分放松跳舞，在Trip-hop部分沉浸地喝一杯，再跟我们一起完整《着迷》的大合唱。Livehouse的调音真的是超级难的一件事。我们的小团队每年都在一起不断复盘这件事。事实上很多场地都有无法攻克的声音上限，迷心的目标是尽可能在每一个场地做到条件允许的最好听。

UPEE：可以分享一下《迷你心》之后迷心的计划吗？

D娃：我最近特别有创作的灵感，巡演结束想发首单曲。

豪酱：今年巡演站次有点少，希望能再加一轮去更多城市，如果这一把不亏钱的话。

迷心 2026 迷你心 全国巡演 [Tour & Tickets Info]

迷你心 Minor Heart 专辑收听 [网易云音乐/NetEase]

编辑/整理：石田吉藏

图片：鬼饼干ghostcookies

8月初，Marshall 联合天猫超级品牌日于成都东郊记忆打造全球首场「KEEP LIVE MUSIC ALIVE——守住现场」音乐文化活动，集结以 Fayzz、性格缺失、超级斩、秘密行动、二手玫瑰为代表的跨世代、跨流派的音乐人及各大音乐场地、厂牌与乐迷社群，以舞台力量为线下Live文化发声。真实的现场魅力，源于音乐人、乐迷与所有幕后从业者的共同奔赴；守住现场，亦是守护音乐生长的文化土壤。Marshall 呼吁所有人共同奔赴Live现场，守护真实、滚烫的线下音乐生命力。

在当晚的演出中，超级斩令人印象深刻。她们始终秉持真诚、冒险与自由的创作内核，大胆打破曲风壁垒、拒绝被标签桎梏，在融合创新中构建独属于自己的音乐宇宙。此次携手传奇摇滚品牌 Marshall「守住现场」，UPEE 有幸与 超级斩 进行一期专访，聆听他们关于创作理念、现场理想、行业观察与未来计划。

UPEE：你们的音乐包含了很多来自 Hyperpop 与重型的元素，也具有很多东亚的文化特征，对于超级斩来说，有没有什么理念是贯彻你们乐团活动、创作、视觉等诸多层面的？作为一个主打“融合”的乐队，你们会担心被定义吗？

酸：去寻找和表现我们每个人的性格和特点是我们一直贯彻的理念吧。我们在一起走过的路、吃过的饭、吵过的架里互相了解，这不是为了哪一个人而做的乐队，而是4个性格鲜明的人创造出来的音乐。我们在创作初期并不是想着如何融合，而是去挑战多种节奏性如何连接，如何打破常规、如何展现更张扬的想象力。我不害怕被定义，虽然我更渴望被理解被爱，但是被标签被定义起码有个锚点。

文件夹：会希望一直把梦想、友情、努力、冒险以及多彩的颜色贯彻到我们乐队的诸多层面。不会担心被定义，但会担心被误解。

JZ：能定义的人还没出生

元帅：无论是否被定义，超级斩还是那个独一无二的存在。

UPEE：重型是一个非常独立化的流派，一方面它跟比较主流的摇滚乐，电子流行等类型之间有很多不同，但一方面它也欢迎元素上的融合——作为创作者，你们会如何看待这个类型，以及重型音乐社群现在的生态？

酸：我在创作时候基本不会思考哪些是界限内的安全牌，基本是随心所欲，我最期待写完队友一听会表示意想不到且肯定。所以我无法发表如何看待这个类型，我本身就是这个类型的创造者之一。我作为一个上过乐夏的女性嘶吼主唱，似乎没有被纳入重型音乐社群，这就是我世界里的生态。

文件夹：其实是否欢迎元素上的融合这并不取决于音乐风格，更多的是取决于人，在任何风格里都有欢迎融合的创作者和听众，也都有坚持“纯血”的创作者与听众。任何社群生态的形成都会有其必然性和合理性，总的来说，并不适合我。

JZ：任何音乐风格的诞生都是因为这个世界有需求，不管是1个人还是999999999个人。

任何音乐的生态跟文化和环境都是同步的，老派烧木材，新派核能源。况且在音乐面前，没有流派，只有准和不准。

元帅：重型音乐是包容性很强的音乐，多种元素的融合也让重型音乐富有更强的生命力。

UPEE：此前你们获得了 HMA 今年的年度摇滚专辑，这是一个非常受关注的奖项里一个竞争激烈的类型，可以分享一下感受吗？

酸：从我看到周杨出现在我们排练房要给我们颁奖，我过了一周都没有相信和接受这个事实。自信又确信不被偏爱，这个奖会帮忙修复我心脏的裂缝。

文件夹：我感到非常的意外。虽然我对我们《进化：多巴胺_摇滚》这张专辑充满自信，但我认为我们是缺乏自我推销能力的乐队，在获奖前和组委会完全没有接触过。而且入围的其他音乐人也极为优秀。再加上我们并算不上当红乐队。在这样的情况下还能获得这份肯定，真的非常感恩。

JZ：很开心能获得一个欣赏艺术的团队颁发的奖项。

元帅：是完全没想到过的一个惊喜，我们一直以来都在埋头做音乐，没有怎么想象过会得奖的事情。

UPEE：这次来到 Marshall“守住现场”，可以分享你们觉得对于超级斩来说，最为理想的现场状态是什么样的吗？

酸：足够应付演出的监听环境和音箱墙。

文件夹：有对我们熟悉的观众跟我们一起全身心地投入一起完成演出，并且一起征服场内那些对我们陌生的观众。这样的状态是我觉得最理想的。

JZ：对于我来说没有什么理不理想的，因为每一次现场状态都不同，没有好不好的分别. 或者这样说吧，最真实最随机最顺其自然的现场状态可能是我所谓最“理想”的。

元帅：能够让我完全投入的演出就是最理想的现场。

UPEE：在过往的演出经历里，有没有哪次现场是让你们印象深刻的？

酸：我们有很多幸福的现场，也有那种生气到真哭，验证到自己还是很有实力，烂船还是有三根钉的演出。

文件夹：2020年10月25日我们那年全国巡演的上海站，我认为那是创造了历史的演出，是奇迹，是仍未被超越的巅峰。

JZ：上一次演出都是印象深刻的。

元帅：印象深刻的演出有很多场，不过最难忘的还是大家一起进化的那一场演出，非常开心可以有这样的回忆。

UPEE：现场不止于音乐，更是一个关于视听、表演多方面结合的体验。作为表演者，你们觉得视觉对于现场表演来说是什么位置？在VJ、着装等要素上，超级斩有什么一直坚持的部分吗？

酸：我们演出的视觉部分主要靠现场灯光和肢体语言完成，所以你在现场会看到我们基本不使用VJ，我们每一位乐手都在竭尽全力地表演，帅气地有力量地跟音乐结合起来，灯光也在帮忙诠释着我们复杂的音乐，让现场的乐迷能更好地理解我们的音乐。

文件夹：我们近些年的演出都放弃了使用VJ。VJ的是使用其实会对灯光的效果有一定影响，同时会分散观众对乐队的注意力，尤其是在场地不大的情况下。我们对乐队灯光师的作品充满了信心，并且不希望他的作品受到VJ的阻碍，同时也希望观众的注意力能完全集中在乐队身上，所以完全放弃了VJ的使用。

JZ：视觉尤其是灯光对我来说太重要了，你想啊，我被一堆镲片和鼓架挡在最后面，要是没有我们灯光师炫酷的灯光照亮，谁能看到我打鼓时绷紧的肱二头肌？

元帅：视觉的呈现方式有很多种，我觉得我们最重视的是大家在观看演出的时候，可以把目光放在我们身上，跟我们一起投入在这个空间里就是最完美的演出。

UPEE：有没有什么场景是你们想要尝试但一直没有实现的，无论是一个具体的演出场馆，或者一个比较理想化的场景画面？

酸：音箱墙吧哈哈哈。

文件夹：我不是一个会做梦的人，只希望一步一步把自己的音乐、演出做好。

JZ：我想把鼓架绑在一个过山车上从观众头上来回移动，别笑，Mötley Crüe干过，而且还是巡演。能安全实行的人请联系我。

元帅：24年的时候，我们举办过一次主题性的巡演，那是一个很棒的场景，当你看到大家都穿着一样的dresscode来到现场，你会感觉到无比的幸福。

UPEE：重型音乐以及很多在创作上比较地下的类型，他们的现场社群对于主流视野而言都较为封闭，你们觉得像 Marshall 这样的团队一起加入到音乐现场中，会带来什么不同吗？

酸：Marshall是一个有历史意义、有文化价值的音乐品牌，加入到现场可以帮助我们一起构建出重型现场视觉是帅气的、气质是酷的、声音是躁的这样场景和画面，躁是一种气势、是一种胆量，合适的人做合适的事可以很好地诠释“生来就躁”。

文件夹：Marshall是摇滚历史中带有象征意义的符号，任何吉他手对会对此怀有憧憬、渴望与敬意。今天的Marshall除了活跃在摇滚现场，还在日常中更多的参与到我们的生活，对此我感到非常有趣，并且期待与Marshall有更多的连接。

JZ：自从摇滚的诞生，Marshall从来都没有不在音乐现场过吧？

元帅：Marshall是一个非常具有文化意义的存在，能够有机会和Marshall合作是一件很酷的事情。

编辑/整理：石田吉藏

图片：Marshall

采访联络鸣谢：Marshall

就在八月，许多乐迷正从日本与韩国的 Fuji Rock、Summer Sonic、Pentaport 赶回国内，也有一部分乐迷正在期待年底香港的 Clockenflap，相较于大陆目前整体阵容雷同、设施混乱随意的部分大型音乐节，这些品牌成熟、阵容选品突出的音乐节更符合乐迷对一场既有生活方式体验、又有充足的音乐视听享受的期待。

具体至阵容选择上，尽管已经有不少国内主办积极地联络海外新一代或知名的独立大牌来到大陆地区演出，但因为独立音乐相较于更主流品类的音乐类型受众较少，或者因为语言壁垒在中文圈层的影响力不及海外，观众总会面临一个较为尴尬的场景：一部分适宜在大型场地进行演出的音乐人不得不在音响条件与视觉呈现上进行缩减，来到场地成本较为适宜的 Livehouse 或者中型场地，这实际上让观众的体验打了折扣；更不乏因票房预期不足而暂缓大陆巡演考虑的音乐人。

相较于远赴日韩与新马泰的出行成本，主办与大型音乐节进行合作或许是一个更为合适的方案。一方面更多的投资为视听设备的提升保留了前提，也相对带来更多乐队自带调音师与视觉团队成本兜底的可能，更有机会带来在体验上与海外大型音乐节持平的内容体验，且契合音乐人对自身现场呈现的水准要求；另一方面，在互联网社群日益成熟的当代，新一代音乐人攒聚自身影响力的路线更加”分众”，更易出现要么成功冲进主流、要么只成为小圈层大名字的两极，前者可能在大陆演出的诸多限制下不那么时常前来巡演，后者如 King Krule、Anna Von Hausswolff在票房预期和成本压力下则也不太有时常来到大洋彼岸巡演的可能——在这样的情况下，大型音乐节与巡演主办的合作成为了一个分担压力，同时带来更多场次与集中曝光的机会。

大型音乐节可以让独立乐迷以更便携的方式一次性”揽全”想看的音乐人，但与此同时它也对音乐节主办的自身调性提出了要求。在独立、另类的大类愈发向更垂类的音乐语言发展时，它自然而然地会与整体在类型上保守的华语流行乐主流产生隔阂。我们时常在小红书看到这类音乐节诸多大陆主流歌迷的吐槽，例如蹲守主舞台前排的主流歌迷对 UNKLE 的 Trip Hop 水土不服，又或者像 yeule 这样的另类新声表演时主流类型的受众因为不了解而无法有太多的反应等等。如何调适不同舞台调性和不同受众类型的匹配平衡是综合性音乐节都需要面对的一个议题，而更多的投入在 Indie/Alt 类型阵容中在面对票房压力时似乎必然会带来类似的状况。

但这不足以成为音乐节因噎废食的缘由。自 2023 年较短的市场回春后，大陆不少音乐节在阵容上的同质其实就是近年来音乐节市场缩减的一个原因。我们需要这些音乐节做出自己的品牌价值，也期待它们能够在音乐人选品层面展露出一种与”常见选项”不同的审美指向。把视野更多的投放至独立与另类类型可以成为一个让音乐节本身更音乐的途径，尽管它并不是成为一个出色音乐节的全部，但至少是一个可以让人期待的开始。

Rated by 石田吉藏

Genre: Pop/Pop Rock/Postbrit

Release: 2001

Label: 魔岩唱片

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

在 25 年后重新用一个印象来形容魔岩唱片的发行，或许答案会介于浓烈唱作人影响的流行摇滚以及气质强烈的另类底色。相较于北京、台北两个中心诸多唱作人气场鲜明的音乐人，更依托班底的杨乃文前三张唱片在某种程度上可以更纯粹地呈现来自魔岩唱片的厂牌印象——在林暐哲的主导制作，以及陈绮贞、陈珊妮、陈小霞为代表的台湾音乐创作加持，《应该》延续了杨乃文在前两张全长专辑里充满女性姿态和类型意识的路线，并在制作层面步入了最为成熟的状态。

前作《Silence》不仅为杨乃文带来了金曲奖最佳国语女歌手的肯定，也在 Alternative Rock、Post Brit 以及 Post Punk 诸多方向互相制衡的，兼具流行感和摇滚气场的包装定位里，让她成为 Natalie Imbruglia 与 Alanis Morissette 在华语语境里一个可以对照的形象。但任何的本土化都需要有一个可以让听众感觉到在地和共鸣的转化，这不等同于《David Tao》那样的通过尽致的芭乐化来达到“华语流行感觉”的注入，在杨乃文的第三张唱片里他们选择了一个更稳妥的方式：以更唱作人的形态移植出这种本土感觉的气质（而非大张伟、高旗等更追求“摇滚”面向的创作），并通过更意识明确的 A&R 来实现整张唱片与杨乃文特质的贴合。

也由此，班底和词曲的成功是《应该》突出的要诀。张震岳创作的《我给的爱》本身有不错的成色，但本身仍是一首实际上安全而无甚特质的中文抒情，相较于《应该》中的词曲更显得不够“贴身”：《应该》标题曲可能是陈珊妮在生涯中为他人所作的最出色的创作，陈绮贞的《证据》《漂着》则是放进《华丽的冒险》也十分突出的 AOR 曲目，同时李雨寰也带来了诸如《我们》这样非常有锋芒的写作。这些创作了让前两张专辑里稍显欠缺的“慢歌”拥有了更多的柔韧，同时也可以让来自林暐哲的一些 Britpop 影响下的创作散发出更多魅力。《太骄傲》就像他给苏慧伦创作的《Final Home》一样清爽又独特，《放轻点》则是拥有漂亮的千禧唱片工业质感的流行摇滚抒情。

作为一张非常有唱片工业背景的发行，《应该》拥有一张唱片应该具有的扎实和缜密，更中和了在独立领域走向主流时代时容易在制作上重心不稳的隐患——如今来看张楚、超载的几张魔岩发行都或多或少有这样的失衡感——这不仅是林暐哲作为制作人更加成熟的表现，也让杨乃文不局限于做某个国际成功音乐形象的华语翻版。

暌违九年，治愈系唱作人山形瑞秋携全新专辑《Starlit Alchemy》温柔回归，历经世事变迁与岁月沉淀，将失去与成长、沉思与释怀、宇宙哲思与人间温情尽数融入旋律，很快她也将再次来到中国进行一轮巡演。UPEE 有幸邀请 山形瑞秋 进行一期专访，走进这张沉淀九年的诚意之作，聆听她的创作和初心。

UPEE：你时隔九年发布了新作《Starlit Alchemy》，你觉得这张作品的创作过程与以往相比有什么不同的感受吗，可以分享一些与这张作品相关的故事吗？

山形瑞秋：这张专辑更像是一场梦境、一股意识流，而非一首首独立的歌曲——歌曲之间彼此交融，这是我最初未曾预料到的。大部分曲目我在2020年之前就已经写完，原本计划在当年录制，但世事随之发生巨变。那段时间，我失去了几位挚友，也开始去思考人类生存背后更宏大的宇宙叙事。我又补写了《Galaxy》《Jesse》和《Blue Jay》几首作品，尝试设计歌曲之间的过渡，让曲目能够自然地交织衔接。这是一段和过往截然不同的创作历程，但一切都恰到好处。

This record felt like it came about as a dream or stream of consciousness rather than individual songs – they blend together in a way that I wasn’t expecting at first. I had written most of them before 2020 and had planned to record that year, but then of course the world changed. During that time I lost some dear friends and started opening to the ideas of a more cosmic story to our existence. I wrote a few more songs like ‘Galaxy’, ‘Jesse’ and ‘Blue Jay’ to add into the mix and started experimenting with transitions between the songs so that they would naturally bleed into one another. It was a very different process than I had experienced before, but it felt right.

UPEE：作为一位唱作人，你在出道二十年的时间里有非常多的创作，你觉得你现在写歌的方式与视角与以往相比有什么成长，你又会如何形容音乐现在在你生活里的位置？

山形瑞秋：说实话，我想要写作的初心和最初别无二致。我依靠写歌梳理人生际遇、情绪与感悟。对我来说，旋律、和弦走向与文字交织在一起，能够淋漓尽致地传递我灵魂想要诉说的一切，这是其他创作形式难以企及的。不过我现在也开始写散文，写一些关于生活的短篇小故事，探索这件事令我十分兴奋，我也想看看这条路会通向何方。

随着年岁增长，最显而易见的变化应该是我的创作主题。从前多是关于情爱与心碎，如今更多转向更普世的命题：保持内心敞开、继续去爱、坚持前行，以及看见人与人之间紧密相连的羁绊。

My need to write remains the same as when I began really – I process life experience, emotions and discoveries through songwriting. There is something about the blend of melody, chord progressions and lyric that delivers all the meaning my soul wants to convey so richly beyond any other creative format for me. I will say, I’ve started to write prose now and that feels exciting to explore – short vignettes on life – I’m seeing where that goes. I think as time goes by, my subject matter is the most change one could note. It’s evolved over time from romantic love heartbreak to more universal themes of staying open, continuing to love and persevere and recognizing how connected we all are.

UPEE：是什么让你想到以“Starlit Alchemy”来命名这张作品，你期待听众在这张作品中接收到什么样的信息？

山形瑞秋：其实我为这张专辑斟酌过好几个名字，《The Archivist》差一点就成为最终定名。我认为我们正站在巨大变革的关口：我们选择怎样生活、将目光投向何处，或许也会意识到，人类的过往藏着远比我们所知更宏大的宇宙故事。

这张专辑某种意义上讲述的就是蜕变，身处变革的临界点：无论是告别失去亲友的伤痛，或是重新找寻自我，不惧展露真实的自己，不去顾虑外界如何看待。它讲述的是接纳独属于你的本真，知道浩瀚星辰之上，有一个精神共同体在为你喝彩。

“炼金”这个词用来诠释这份蜕变再合适不过：把痛苦与人生阅历淬炼为“星光”，淬炼出忠于灵魂的自我，这也是对我们本真模样的一次回望。我希望听众会去追问：自己热爱什么、什么能让自己真正快乐；自己是否行走在忠于本心的道路上，也希望大家能够知晓，自己本就被深深爱着。

I played with a few titles for this record actually. ‘The Archivist’ was almost the winner. I feel like we are on the cusp of big changes in how we choose to live, what we focus on and perhaps realizing that there is a bigger cosmic story to our history than we realize. This record is about evolution of sorts and being on that cusp of change – whether through moving on after losing someone or rediscovering yourself and not being afraid to show yourself however it may be received by others. It’s about stepping into what makes you uniquely you and knowing that you are being cheered on by a cosmic family in the stars. Alchemy was such a perfect word to denote this transformation – turning your pain and experience to into something ‘Starlit’ – something more true to your soul. It is a remembrance of who we are. I’m hoping listeners will start asking questions about what they love and what makes them happy – are they on a path that feels true to them and do they know that they are so loved…

UPEE：有许多音乐人在创作时，对于书写一些与自己关联非常深刻的生活经历和情感时会感到难以启齿，你有经历过这种因为题材私密而感到踌躇的时刻吗，又会如何对待它？

山形瑞秋：那些过往是我创作的养分。我从来不会因为一件事太过私密就回避书写，我会把它们全部袒露在作品之中。

That’s been my fuel – the hard stuff. I’ve never not written about something too private – it’s all out there.

UPEE：对于你而言，把这些属于你的经历和故事在现场以音乐的形式呈现给乐迷是什么体验？

山形瑞秋：于我而言这是一场情绪的宣泄释放，同时也是我和台下观众在能量层面的共同创造。仿佛我们在当下的时刻，一同完成一件作品，这种感觉无比美妙。

It’s a cathartic release for me and a co-creation in terms of energy with an audience. It feels like we are making something together in real time and that’s wonderful.

UPEE：你在 2024 年来到中国开展过一轮巡演，对于那次巡演还有什么印象深刻的回忆吗？

山形瑞秋：老实说，如果不翻看照片，很多细节记忆会变得模糊。乐队成员总能记住比我更多的细节。但那份感受我始终记得：热烈、节奏紧凑、满是爱意，现场氛围鲜活，观众也格外真诚慷慨。是台下的听众，是现场涌动的能量，那些拥抱和坦诚。我非常期待能够再次回到中国。

Honestly, it’s always a blur until I look at pictures. The band always remembers more details than I do. I remember the feeling – exciting, fast paced, loving, electric, generous. The audience. The energy of the audience – the hugs, the vulnerability. I’m excited to return. xox

编辑/整理：石田吉藏

图片：山形瑞秋

由七人编制构筑独特声场的美国独立摇滚乐队 Racing Mount Pleasant，以自由跨界的曲风、细腻多元的编曲，成为当下新生代独立乐坛极具辨识度的新鲜力量。伴随着备受期待的首次中国巡演开启，UPEE 有幸邀请 Racing Mount Pleasant 进行一期专访，分享他们对创作和现场的感受，以及对中国之行的期待。主唱兼吉他手 Sam DuBose 回答了我们的提问。

UPEE：你们去年的专辑《Racing Mount Pleasant》在乐迷社群之间受到了比前作更广泛的关注，作为活跃于当下的年轻创作者，你们对于当下互联网属性十分明确的乐迷社群有什么体感？就你们来说，你们会怎么形容 Racing Mount Pleasant 和乐迷之间的关系？

Sam：看到越来越多人开始聆听、互动我们的音乐，这件事真的很奇妙。依托互联网形成的乐迷社群非常棒，能够帮助乐队扩大影响力。但我们整体上刻意保持相对疏离的状态，线上曝光并不多。我们不会频繁发帖、事无巨细向粉丝同步日常，我们就喜欢这样。我们只想好好做一支乐队，不想成为网红博主之类的角色。我们拥有一批十分忠实的听众，经常会收到听众的留言，他们真心喜爱我们的作品，读到这些鼓励的话语总是令人倍感温暖。

We think it’s amazing to see just how many people have started listening to us and interacting with our music. I think the internet driven fan communities are great and help bolster a band/musicians reach. For us, we have definitely kept ourselves relatively isolated. We don’t have too much of an online presence. We don’t really take part in the pattern of constantly posting or keeping our fans up to date with everything we do. I think we like it that way. We’re just trying to be a band, not a group of influencers or anything like that. We have some pretty dedicated listeners and we get messages fairly often from people who really enjoy what we do and it’s always nice to hear encouraging messages.

UPEE：同名专辑很多时候对音乐人有非常重要的意义，可以分享是什么让你们觉得这张专辑应该以乐队的名字进行命名，它是一个具体的时刻或者事件成为契机的吗？

Sam：说到这张同名专辑对我们的意义，它诞生于我们人生一段动荡、同时又塑造自我的关键时期。乐队原本有另一个名字，当我们决定更名之后，索性更进一步：不仅更换队名，还把正在制作的这张专辑定名《Racing Mount Pleasant》，有点像向世界正式宣告我们登场的感觉。专辑后期制作阶段，我们一伙人一起吃晚饭，就这样敲定了这个专辑名。

In terms of our self titled album and its significance to us, it honestly was just made at a very turbulent and defining moment in our lives. Originally our band had a different name and when we decided to change it we ultimately chose to go all out by not only renaming our selves but naming the album we had been working on “Racing Mount Pleasant”. It kind of acted as a “hello world” type of moment. We were all eating dinner together during the post production of the album and we just landed on naming the album “Racing Mount Pleasant”.

UPEE：Racing Mount Pleasant 是一支在大学校园里结成的乐队，你们觉得密歇根大学对于独立音乐而言是一个什么样的环境，它有影响到你们当时或现在的创作吗？以及作为音乐人受到关注后，你们创作的方式或心境有什么改变？

Sam：乐队成立那会儿我们还在读大学，体验很不错。大家住得相隔不过几个街区，相处氛围轻松自在。但那时候压力也不小，尤其是我，我一直觉得我们要认真对待，如果坚持写歌、录音，做音乐是可以成为一份正经事业的。我们本身学的就是音乐专业，组建乐队对我们而言并不算离经叛道。唯独一点，我们对自己格外较真，说实话，或许较真得有点过头。我们的创作思路并没有发生本质改变，但确实会更多去思考，我们做出来的音乐要如何传递给更广泛的听众。

It was nice being in college when the band started. Everybody lived within a few blocks of each other and it was pretty easy going. There was always a pretty big pressure, especially from me, that we should take it seriously and that if we kept working on music and recording that this could become a viable career. I think because we went to school for music, being in a band wasn’t all that bizarre or different. The only thing that was really unique for us was just how seriously we took ourselves. Probably too seriously to be honest. Our creative approach hasn’t exactly shifted, but we definitely think a little more about how the music we make translates to a wider audience.

UPEE：你们的音乐有很多跨流派的养分，这种很有“乐迷属性”的制作取向被一部分评论认为是 2020 年代独立摇滚领域的时代印记，在流派融合成为许多人创作音乐的共同理念时，你们会不会以什么方式来尝试让自己听起来与其他人不同？

Sam：写歌的时候，我们会反复讨论想要达成怎样的音乐样貌。乐队一共七个人，可以挖掘、糅合的音乐影响就更加丰富。随着时间推移，我们确实找到了属于自己的音色。但写得越多我们也越发现，我们很难固守某一种固定风格，不管是全长专辑还是其他项目，里面总会容纳大量迥异的曲风，基本上是一首歌一个面貌。

We have a lot of conversations about what we’re trying to sound like or trying to do when it comes to the songs we write. With seven people we have even more influences to pick through and put together in our music. I think as time has gone on we have definitely found our own sound. However as we have written more we have realized that we have a hard time sticking to one “sound” and any full length album or project we work in has a lot of different genres or sounds. It’s really just a song to song basis.

UPEE：在现场呈现《Racing Mount Pleasant》是什么体验？以及，你们认为作为表演者和创作者有什么区别与共通？

Sam：这张专辑里有些歌，是乐队刚成立头一个月写的，还有的甚至更早。部分曲目距今已经五六年，在录音之前我们就已经反复在现场演奏。最大的变化就是，现在听众熟悉这些歌，还会跟着一起合唱。这感觉很奇妙，过去很长一段时间，我们只在酒吧、地下室演出，台下没有人听过我们的作品。如今一切截然不同。但说实话，我们已经十分期待转向全新的创作，打算暂时把这些年代久远的老歌收起来。

Some of the songs on “Racing Mount Pleasant” were written in the first month or so of us being a band. Some of them even earlier. Some of these songs are five or six years old and we’ve been playing them live before we even recorded them. The biggest difference is that people know them and will even sing along. That has been really weird for us because we went so long just playing in bars and basements where nobody knew any of our music. Now it feels much different. It’s true though, we are really excited to move on to new music and put some of our oldest songs on the shelf for the time being.

UPEE：可以分享你们在视觉上的理念吗，无论是专辑视觉呈现，再到现场表演的视觉等等？

Sam：视觉层面的表达，可以说是我们遇到最大的难题。很多人并不会过多关注这部分，只聚焦音乐本身。但乐队里有成员十分看重视觉，于是我们组建了小型视觉团队，由他们最终敲定封面美术等相关内容。和做音乐类似，我们的视觉参考来源同样庞杂，我们只想慢慢搭建独属于我们的小世界。

The visual philosophy of this band is by far the hardest thing that we have to navigate. A lot of people don’t really think about it too hard and just focus on the actual music we’re trying to make. Some of us do care so we’ve started establishing a little visual team that makes the ultimate decisions when it comes to artwork and stuff like that. Similarly to the music, we have our wide array of visual influences and we are just trying to carve out our own little world.

UPEE：很快你们就要开始 Racing Mount Pleasant 在中国的首次巡演，对此你们有什么期待？无论是演出本身，或者想要去到的城市、吃到的食物等等……

Sam：就我个人而言，除了加拿大，我此前几乎没有离开过北美。这是我第一次跨国飞行。我一直渴望旅行，却始终没有机会。而我写的音乐，竟然可以让我去到全新的地方、拥有全新体验，这件事想想都觉得不可思议，我从未预想过真的会发生。我有一些中国朋友，得知我要来中国巡演，他们同样十分惊讶。坦白说我单纯很期待去探索这片土地。另外，乐队全员都很爱吃川菜，对此我们已经翘首以盼。

Personally for me, I have never really been outside the US before, besides Canada. This will be my first time flying internationally. I’ve always wanted to travel but I’ve never had the opportunity and the fact that the music I write has allowed me to experience new places and things is probably the most insane thing and I never thought it would actually happen. I have some friends from China and they were equally shocked to learn that I’d be going on tour there. I’m honestly just excited to explore. Also, the band is a huge fan of Szechuan food so we’re really excited.

编辑/整理：石田吉藏

图片：Gabrielle Mack、Maggie Rossy-Aulman、Lachlan Wong (Static)

采访联络鸣谢：Ivy (Groove Dynasty)

Rated by 石田吉藏

Genre: Emo/Indie Rock

Release: 2023

Label: FuzzyEye

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

来自常州的 严肃的走钢丝者 是近年以来长三角独立音乐圈层一支十分具有乐迷认可度的 Emo/Indie Rock 乐队，而在 2024 年 返校日、紅髮少年殺人事件、v是兔子 等中文摇滚视野里的“青少年音乐”代表让更多的独立乐迷感受到 Emo 圈层所具有的波动之前，他们就在 2023 年发布的 EP《不幸的年轻人》里以自己的方式发出了声音。

除开第四首以木吉他和采样为主的叙事音乐《第十九冬江淮轶事》外，EP 的前三首曲目维持了这支乐队在前一年 EP《06》里那种可贵的既粗糙又真实的写作——与毒耍耍乐队主唱啸白兔合唱的《常州碎尸案》拥有扎实而外放的情绪感触、具体而易共感的生活记述，同时在旋律写作上不失风采。Emo 本身既是一个可以在旋律和编排上做得易听的类型，而在 20 年代以来听众已经见识了许多可以让人感受到鼓动曲目，诸如 Shanghai Qiutian《You Can Listen, You Can Talk》（即《张守望不想唱我们的歌》），返校日《告白》以及 SillyFunction《玻璃做的》，但它们似乎都没有《常州碎尸案》一样那么适合成为一句口号。在中文场景的 Emo Revival 似乎已经偃旗息鼓的当下，《常州碎尸案》已经拥有了一种奇特的怀旧色彩，它在强调着瞬时性的青春体验中尽致保留了充盈而紧张的情绪，或许是这场复兴运动留下的最令人感动也最贴切于“青少年”叙事的创作之一。

EP 余下两首曲目《窗外有升降机》与《小男孩》将这样的情绪时刻放在更抽象也更广阔的框架内，并试图呈现出一种可以挣脱当下而探到的希冀。《不幸的年轻人》在四首曲目的简短时长内完成了这场充满即时感的情绪刻画，尽管很多青少年生活的体验于事后回溯可能像一种“无病呻吟”式的情感呈现，但抓住彼时彼刻带来的具体感受比一种总结性的记述需要付出更多。而对于这张作品而言，他们似乎弥补了后来我们在这场 Emo Revival 里所期待看到的更当下的情绪感受。

严肃的走钢丝者几乎只在同温层之间收获了听众，而非紅髮少年殺人事件、v是兔子那样走入平台榜单、KOL回顾之间，这可能出于一种在时间轴上先发而未及时发酵带来的劣势，也可能出于 EP 体裁本身不适合以专辑为主进行探讨的当代乐迷社群传播。而待到乐队可以拥有发布全长的状态时，则先是贝斯手柴梢因性丑闻离队，更不必论当下这场运动已经十分快速地进入末潮。或许《不幸的年轻人》在彼时所能呈现的一种只奉献给当时当刻的鼓动，就已经让听众感到足够，它不必真的成为一种契合我们期待的先声。

此前笔者还以个人帐号活跃于知乎时，时常见到一部分中文乐迷在面对两岸三地音乐产业的讨论时，展露出一种奇怪但不可谓全无道理的刻板印象：香港流行乐全靠翻唱，周杰伦拯救了台湾乃至整个华语地区的原创音乐处境，大陆地区的中文音乐无甚印象。笔者当时在知乎平台以一种相对情绪化的方式简略地梳理了被或多或少忽略的创作以及生态，在各地的语支逐渐又引起争论，各地区的音乐构筑起新的圈层的时候，我们觉得这个议题值得被再次思考。

我们在当下能感受到新千年以来台湾偶像音乐对于“华语流行”的定义所具有的地位，究其本质，这是受众拥有话语权、国语/普通话本身所具有的语言流通性，以及音乐产业发展时机几个要素共同带来的结果。在千禧年音乐环境里成长的 80/90 后听众是互联网时代的第一批话语所有者，当下更具声量的 00 一代则同样从千禧一代音乐影响的余音中走出，他们自然而然地接受了台湾流行音乐可以直接代表中文音乐——这无可厚非，因为新千年以来对于占大多数的中文音乐市场而言，最显然可感受到的一点即为台湾音乐工业愈发成熟、国语市场潜力的显然，佐证极为新马地区华人音乐向台湾的靠近，以及香港音乐人的国语发行尝试等等。这诚然是一种在恰好的时机得到准确发展后所应获得的市场认可，但对于听众而言，这样的“定义等同”或多或少地无视了同时期不同地区音乐生态的个性与活力，并放大了主流视角的短视。

“我的认知就是全部”内含显然的傲慢，但当议题转变到流行音乐这样一个具有“大众文化”属性的客体时，反而许多欠缺考究的、片面的暴论可以得到拥戴。如果我们将时间轴拨到台湾千禧偶像音乐之前，就可以显然发现不少被主流叙事选择性无视的影响。把邓丽君不作为一个如今时常被挪用来作为音乐历史语料的“符号”，而真正地看进她的生涯，香港音乐工业由于其经济优势先发的发展是显然的，依托于有意造星的流行乐工业让邓丽君在日本发布歌辑的方式在华语地区可以延续，我们才得以见到了一位将“走向亚洲”从梦想变为现实的巨星。这种出于与日本音乐的对标，让日本音乐得以以更多的方式流进香港音乐的市场中，其中即包含了翻唱。

但很显然，“一个中岛美雪养活半个香港歌坛”是一个相当武断的结论，它能被那么多人奉为圭臬不是因为它是事实，而是因为它简洁好记，除了能在基本盘面对地区音乐类型时利索输出观点换来存在感外毫无价值。香港的原创音乐在 80 年代就已经生机勃勃，而当我们看进 80 年代那些已经具有充足影响力的音乐时，可以感受到他们在创作的视野里已经不止于向某个非常具体的地区进行“复刻”，而是从音乐类型的角度进行融合与本土化：例如达明一派、卢冠廷、关淑怡，以及一部分由台湾等地而来的黄莺莺等人的发行。这并不是主流行业在复刻一种前人经验，而是在拥有了本土精神可以成长的土壤后所具有的包容性的显现。也由此，这些才得以成为彼时香港音乐的代表，而非一部分舆论对于自己是“只认识”却在每年发行数量占比中不高的一部分曲目作为定义。

这些原创精神成为了香港音乐在 90、00 年代得以向更分众的类型发展的基础。90 年代香港的粤语流行音乐已经拥有了非常突出的个性，即便是林忆莲这样有日本歌坛发展的音乐人，歌迷在聆听她和 Dick Lee 的合作时也能感受到这只会是在彼时彼地才能生长出来的作品，软硬天师在采样 Pharaoh Sanders 的时候绝对不会是因为“模仿哪个地区”而驱动的；而到了 00 年代，香港本土更具有独立意味的各种类型，例如人山人海、粉红A、意色楼、触执毛、Swing、my little airport，更不必论更多因为更 Indie 而在中文论坛中讨论较少而被忽略的名字。这些音乐都一耳了然地拥有香港自己的印记，而非亦步亦趋地生长在其他更具声量的地区类型的阴影下，更不需要被其他地区的音乐行业的发展而“拯救”，就像没有人会觉得卢凯彤或者蓝奕邦的创作有受到周杰伦或者陶喆的影响。但由于新千年以来广东歌对于大陆地区乐迷影响力的式微，以及本身面对国语流行歌在语言流通上的劣势，产生隔阂是一种必然，这并不代表占多数的歌迷可以替少数人群否认这些音乐的存在与影响。

对于台湾本地的音乐类型来说，我们似乎可以更确定这种“xxx就是台湾音乐的全部”对于本地乐迷而言是一种来自 outsider 的冒犯。周杰伦和陈建年获得金曲奖的时间没有差多少，但对于大陆的歌迷来说，语言的壁垒让后者被忽视，更让“国语流行音乐”成为一种以偏概全的印象。固然从声量、销量等角度而言它占多数，但达到这样的声量并不完全是因为这种音乐在质量上不同，语言和音乐类型更“通销”本身就是一个优势。我们不应该默认这样的优势是一种理所当然，虽然在更多数的情况下主流的听众没有意识到这样的要素如何发挥了它们的影响。

而回到我们一开始所讨论到的那一条暴论——“香港流行乐全靠翻唱，周杰伦拯救了台湾乃至整个华语地区的原创音乐处境，大陆地区的中文音乐无甚印象”，这并不是一种对中文音乐地域分化的评论，它更是一种以自己接触到的音乐为轴心，通过抒发一条具有鄙视链倾向的结论来寻找同温层的认同。周杰伦可以被替换为同时期的陶喆、王力宏，也可以在语境和上下文的变化调整为李荣浩、方大同、丁世光、张震岳，或者陈绮贞、安溥、魏如萱，甚至更新一代的音乐人…… 这样的情感指向非常明显的论断包含了朴素的认同寄托，乐迷更希望通过拔高音乐人所拥有的价值来为自己作为乐迷的收听和情感投射注入意义。

在如今我们应该如何形容港台地区的音乐在“华语世界”的位置？其实在音乐创作的门槛愈发降低当下，我们不应该作为乐迷去臆想不同的圈层之间存在创作价值的高低，因为产业以及环境在当下已经不是音乐人创作与表达的决定性前提；与此同时，我们也应该感受到壁垒和圈层分化的加剧，绝大多数的当地乐迷不了解另一地区最前沿的音乐生态，他们甚至也未参与到当地的音乐环境之中，许多实现跨地区影响的音乐人享受了来自平台、媒体、乐迷舆论的依托，而这些真的足以成为“代表xx地区”的形象吗，这更像是一种重蹈覆辙。而时常作为论证的将某地作为一种“产业上的先驱”并不现实，并且这样的感受因过于“乐迷中心”而片面，音乐行业对于创作者的生态从来不由主流圈层决定，更不由一种单一的类型而决定，我们对之所迷恋的或许只是一种来自成长过程中收听经验的依赖，又或者只是前两个十年地区文化在主流影响力的留下的余晖。这些“遐想”从来不能等同于真实发生着的音乐和创作。

Rated by zazheyang

Genre: Art Pop/Jazz Fusion

Release: 2026

Label: Airhead Records

Xiaofan 孫曉凡 的首张个人全长专辑《Not grand love》在动静兼具、气质沉稳的钢琴+打击乐编排中完成了一次令人印象深刻的自我陈述。在八首曲目三十分钟的时长里，这位音乐人在爵士取向的 Art Pop 框架中将来自 Ambient、Math Pop、Progressive Pop 乃至一部分 Chamber Jazz 体感的元素共同构成了一个小体量而打开的声音场域，得以让听众的意识与她的精神在之中流动和接触。

在很多时候我们接触到“爵士取向的 Art Pop”这样的形容时，有可能会联想到当下不少在“爵士乐印象”上进行刻画的、实际上思路较为死板的流行乐创作。Xiaofan 对待这一命题的方式并不是抑制可听性或者只追求在声音上“正统”，《Not grand love》在专辑的几乎所有时间里保持着一种相当的开放：她欢迎紧致细密甚至可以视作舞曲的节奏，也保留 Math Pop 在器乐编排上所需要的空间，在各种声音充分的向外延展时共同组成这张作品里她开放的姿态。

但与此同时，这些为声音发展所提供的空间没有让《Not grand love》呈现出虚浮臃肿的形态。打击乐思路带来紧致，钢琴的主架构和合成器、弦乐则形成了一种可以与之制衡的张弛，《Not grand love》不会让听众在收听的过程中迷失方向，它保留了让听众走近和驻足的空间，并得以让听众感受她在创作时的视野。也由此，《Not grand love》尽管在元素上富于变化且扎实，但却不会让人认为这是一种架势，相反拥有十足的亲近感，可以令听者感受到为何她将这些表达形容为“不是伟大的爱”。

携东方氛围专辑《自然律》归来，以蜀地采风体验为底色，游走于氛围与舞曲的双重维度，UPEE 有幸邀请 白天不亮 进行一期专访，分享《自然律》的幕后，倾听他的音乐初心与未来计划。

UPEE：前阵子你和前厂牌的纠纷引起了很多关注，歌迷们很关心你最近的状况，你最近还好吗？

白天不亮：遇到这种事确实不算好。但你不争取就没有权益。让我觉得值得的是，自从纠纷曝光以后，陆陆续续有几个音乐人开始收到了应得的权益和收益——这件事能帮到别人，比什么都值。

对我而言，作品比官司重要。我只是想拿回我应得的那一部分。现在版权都在自己手里，收益清清楚楚，对版权收益模式和唱片公司的运作模式也更清楚了，连以前从没算明白的分成，我都能看懂了——人都是逼出来的。说到这个，想借着采访谢谢《自然律》的听众——发行四个月，上百万播放了，实体也很快发售。谢谢你们的每一次点击。

UPEE：《自然律》是一张关于自然、传统文学的氛围专辑。有不少电子发行和氛围乐作品都选择了这个议题，你觉得《自然律》跟他们在理念、制作上有什么不同吗？在你制作《自然律》的过程里，有没有什么做法/要素是你觉得应该坚持或者应该避免的？

白天不亮：很多同类作品是“先有中国文化，再加电子”——先确定要做一个中国风的东西，再去套电子外衣。我是反过来：先有一堆demo，再做锚定。《自然律》企划成型是2024年蜀地之行。

现在回想，那十天里最打动我的，不是哪个景点。是在金牛道上走的时候，脚下的石板被两千年的人踩得发亮；是站在茗山寺那尊文殊菩萨面前，看他被风蚀了近千年的脸正在慢慢模糊。回来之后我写了很多曲子，也改了很多旧曲子，那段时间还学了一些中国画的东西，看了一些中国传统哲学思想的书，这些感受一点点融进了创作里。但当时完全没有一个“要做传统文化”的计划。新专辑制作过程中我和梁源一直保持远程交流，在所有demo 都确定之后，他专门跑了趟深圳，花了一个下午，一首一首听，在歌曲的意向表达上逐一找到对应的诗词典故，才有了《三月七日》《何必见戴》《望峰息心》等等这些名字。所以曲目和文本的关系不是先设好的框架，是两堆材料放在一起，我们俩反复琢磨出来的。

制作上有一个原则执行得很彻底：对中国传统元素尽量克制，能不用就不用。我敬畏中国传统文化，我所受的音乐影响和创作手法多来自于现代音乐体系，我不想流于表面去表达中国文化，我认为中国文化最宝贵的是其传递的哲学思想和精神价值观，而不只是传统乐器或一些符号性的东西。

这张唱片最初版本里是没有中国乐器的，长笛、小号承担了所有旋律表达。直到《何必见戴》——梁源觉得长笛不够灵动，说没有竹笛就很难把那种自由奔放的魏晋情绪带出来。于是请了中央民族乐团的丁晓逵老师来帮忙。录完我很喜欢，梁源也行使了他的监制一票否决权，把长笛版换成了竹笛版。所以这张专辑里唯一的传统乐器，是被一票否决出来的。

《自然律》跟别的氛围专辑最大的不同，可能是它“不解释”。文案里写了：”身处全然现代化的今天，我们当如何解读、理解乃至重构中国的传统文化？”我们不去回答这个问题，只是呈现一种理解它的可能性——用今天的音乐语言，让古代文人精神以不设防的方式出现。

UPEE：有很多电子音乐人都同时有舞曲性、节奏性和氛围乐两种方向的制作——《自然律》里也有很 Afro 体感的舞曲片段——作为电子音乐制作人你会怎么形容这两种类型或制作方向给你带来的感觉？

白天不亮：做一张专辑的前提，是准备大量的demo。做《自然律》的同时，我其实还完成了一张舞曲专辑和一张Ambient专辑的制作（我喜欢同时创作不同风格的曲子以消除制作的疲惫感）。当时的设想很浪漫——做两张，一张给灵魂，一张给身体。后来发现灵魂和身体经常吵架，很多曲子不知道该归哪边。而最后入选《自然律》的那些，恰好站在中间一个奇妙的平衡点上。所以《自然律》其实是给灵魂律动的——借现代音乐去表达古人的文人精神和世界观。

做氛围乐的时候，你是独自一个人的——你在听声音怎么带你进入另外一个空间。做舞曲的时候，你是站在人群里的——你在感受节拍怎么带着身体走。两种状态我都需要，切换着来，反而不累。

UPEE：对于很多新一代的乐迷来说，他们对你的身份理解更像一位“幕后制作人”。作为一位从业时间很长的音乐人，你的个人项目发行并没有那么多，在当下你会不会觉得跟新一代的音乐人、乐迷和场景有隔阂？

白天不亮：我可能是跟新场景接触最多的那一批“老人”之一。做网易云硬地榜评审这几年，我每个月要听大概60首新歌、20张新专辑，其中大量是00后甚至更年轻的音乐人做的。这个工作让我没有资格跟场景脱节——你每个月都被动接收几十个新人的作品，耳朵想关都关不上。

“幕后制作人”这个标签，我不觉得是疏远。做beat的时候我在帮别人搭舞台，做个人专辑的时候我在说自己的话，这两件事本来就该同时存在。

我女儿刚18岁，也喜欢音乐。我有时候会问她最近在听什么，她给我甩过来一堆我完全没听过的名字，这是我最喜欢的部分。隔阂这个东西，除非你不听新作品吧。音乐本身就是一个传承、创新、融合的过程，单纯听老作品或者单纯听新作品，都不行。

UPEE：作为独立音乐人的白天不亮和以前的白天不亮在创作上会有什么不同吗，无论是思路或者现在做音乐的体验？

白天不亮：早期创作其实也是从个人作品开始的，除了音乐，企划和设计我也会参与。要说不同，可能是现在在企宣、设计上参与得更多了，还包括各种版权事务，包括对各种数据的关注——以前这些是不用自己操心的，现在会经常看看。

创作上的变化有一条线。做《时光幻游指南》的时候，还在用beat思维打底——新爵士、嘻哈、民谣混在一起，概念是”时空旅行”，内核还是hip-hop那套。到《游园惊梦》慢慢往氛围和电子靠。转折点是2019年给易烊千玺做《温差感》里的《入梦》《酣然》《初醒》——三首纯器乐，要负责从梦境到清醒的完整叙事弧线。那次让我发现了和流行音乐结合的可能性，也发现纯音乐的空间比我想象的大得多。

到《自然律》的采风创作，是先出去走，再回来做。那些经历不是素材，是创作的前提和真实的身体体验。也是从那以后，我开始积极学习一些优秀电影配乐的创作方法——怎么用音乐以画外音的方式传递剧情和情感。

思路我一直分得很清楚。给歌手做编曲，要考虑怎么让合作者演绎得更出彩，像搭一个舞台让别人站上去，你的审美要围着对方的表达转，也要考虑记忆点、传唱度这些商业逻辑。做自己的作品，自由度大了，但也要对自己的审美更负责。说白了，帮别人做歌是带着镣铐跳舞，做自己的歌是脱了镣铐跳，结果发现跳得也不好——但至少是自己跳的。

但不管哪种，最基础的还是保持创作的频率，保持学习的长度和深度。还有那个心态——不赶、不卷、觉得对就发，觉得不对就放着等修改。放着的歌比发出来的还多，这大概也是一种创作自由。

UPEE：乐评人同时也是你的好友的梁源是这张专辑的监制，他也参与了这张作品的企划，可以分享跟他在音乐上“共事”是什么体验吗，他给这张作品带来了什么？

白天不亮：梁老师是这张专辑的企划和监制，也是文本和所有曲目名的主撰稿，是这张专辑的第一个听众。采风本来就是我们一起去的，路上聊了很多。

创作的过程大概是这样的：我把做好的demo发给他，他听完提出一个方向——音乐本身的文化锚点不够强，需要先找到锚点再反过来调整音乐。然后我们一首一首反复听、反复斟酌，在A&R层面做设计。音乐制作上可以改善的地方，他会直接给很具体的修改意见，我会直接回应做几个修改的版本来做最终判断；遇到好的段落，他也会不吝赞美，告诉我他听了好多遍。有时候我遇到问题思维卡住了，他就说一句”我先想想”，等着给我一个回答，有时候过几天，有时候过一个月。

他是书法硕士，对古诗词的理解广而深，在意象对应上主要靠他。我清晰记得一起企划的情景：听完我的创作意象描述，他时而出口成章，时而冥思苦想。等所有的企划完成，两人淋漓畅快地瘫倒，然后跑出去吃了顿潮汕促肉续命。说个题外话，他给《自然律》监制的报酬是‘终身促肉权’——这个权益我目前执行得很好，他吃得很开心。

专辑的念白是最后一轮才加的，这也是他的主意。有一天他在山里开车听我发的demos，突然发语音说“应该把这些歌串起来做成播客”。然后他在我第一版文案的基础上写了讲稿让我录。录的时候他监的棚，来来回回我练了很多遍，甚至还试了潮汕话和粤语版本，他的建议详细到每一个词语的情感表达设计，时不时抱怨几句我的口条，又吐槽一下我的朗诵腔。把我“逼到墙角”，我也终于第一次在自己的作品中发声——按他的说法，最后得到了一个“既严肃又自然”的结果。我个人的感受是：被逼到墙角之后，发音确实会清晰一些。

说到底，是因为我们本来就是很好的朋友。他说话一贯直言不讳，我又信任他。所以这张唱片做下来的整体感觉是轻松的，没有什么利害考量。

UPEE：在未来还有什么计划可以在这里与乐迷们透露？

白天不亮：《自然律》实体版很快会发售。其实手头一直有几张在同时推进的东西——立秋刚发了一张秋天主题的爵士嘻哈纯音乐专辑《After Summer 夏末日》。另外那张写给身体的律动专辑在做收尾，预计明年发行。Ambient专辑也进行了70%。而在沉淀的计划是《自然律II》，打算到武侠世界找找灵感。平时也在跟一些歌手合作。到时候看缘分先发哪张，不过以我的经验，缘分经常打盹，最后全看哪个先做完。

编辑/整理：石田吉藏

图片：白天不亮

Rated by 安博

Genre: Pop/Contemporary R&B/Pop Rock

Release: 2004

Label: 金牌大风

在 Contemporary R&B 风潮下的流行音乐框架中，胡彦斌尝试在 Nu Metal、Teen Pop 以及少数来自 Funk、House 的元素挪用中让跨流派尝试成为《MuSiC 混合体》的主打印象。但除开整体统筹较为简练融洽外，这些元素在千禧记忆里实在太过常见（并且显得他上车太迟），个性缺失的编排执行让这张作品与诸多唱片工业里时常进行的“拼盘式收歌”的发行无甚区别，反而让专辑本身在易听之外只剩保守。

如果我们把视角拉回胡彦斌所处的 2004 年，就能理解《MuSiC混合体》里进行“融合”的两条主线：一边是 Pop Rock、Nu Metal、Alternative Metal 的发展，一边则是更商业体感的 Contemporary R&B 与 Teen Pop 在主流视野的影响延续。但相比某张非常有感觉的 Britney Spears Metal Cover 合集，胡彦斌以有些拿来主义的方式将这两条主线交织成《MuSiC混合体》的肌理。这样的尝试为《MuSiC混合体》带来了充足的千禧质感，但在这些拾人牙慧的部分之外，我们几乎无法从中获取到胡彦斌自己对这些“类型”的理解，更多只停留于把握这些声音。当黄立行、李雨寰等同期音乐人可以把这些类型做得更硬、更深刻的时候，《MuSiC混合体》的有模有样反而展示了这位创作者在制作性格上的平乏。

《MuSiC混合体》包含了胡彦斌生涯代表作之一的《红颜》，这首曲目延续了这位歌手在《文武双全》里标志性的假声与气声融合的演唱方式，但相比后者以及这张专辑里诸多跟 Nelly 携手同行的安全而不出错的 Contemporary R&B 样板型创作，《红颜》以一种尴尬的方式将中国风的气场带入胡彦斌的音乐语言中。但相比这一领域的某位开创者可能更倾向的以“中味”配器带来中式印象，胡彦斌时而在“切客-啊，呲！”的Michael Jackson式ad libs和一句莫名其妙的《黄土高坡》般的高音带来了奇妙的感受，仿佛杨臣刚和萨顶顶的跨时空合唱。

专辑直到《一个人…两个人》里才以 Funk-based再融合一点点 Crunk 音色、Mariah Carey 《Honey》上身的ad libs与另类电吉他的舞曲找回风格，作为一首李玟感觉的天后降临美丽舞曲，田力也可以穿地才蓝，《一个人…两个人》完全是胡彦斌的 Diva House 代表作。听完直接点开《爱琴海》。

发专辑对于很多内地歌手而言已经不是一件时尚的事，而胡彦斌在这群我们视为内地歌手的人群中仍保持着值得肯定的产量，他很努力，尽管几乎没有太多值让人感到惊喜的收获。在《文武双全》打开了属于他局面后，《MuSiC混合体》以另一种方式展现了他在类型融合、突破自己既往路线上的尴尬，这可能更多出自A&R的决策失误以至他的创作路线愈发保守，并最终失去特色。

Rated by 石田吉藏

Genre: Post Punk Revival/Alternative Rock/Art Rock

Release: 2004

Label: BadHead

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

在深受另类摇滚与后朋克复兴运动影响的零零年代中文音乐中，P.K.14是显然拥有重要地位的一队：不停留于表面抓耳的旋律写作和器乐编排可以让听众感受到尽致的创作意识和技术个性，扎实的 Fugazi 等 80-90s 另类乐影响可以让他们以最大的程度在同时期 Pop Punk、Noise Rock 以及在写作上更流俗与浅显的 Post Punk 的创作者之间脱颖而出，成为 00 年代中国大陆音乐的代表。在中后期扎入更艺术化的创作语言之前，《谁谁谁和谁谁谁》保留了 P.K.14 音乐中最饱满而气质独具的面貌，并以出色、深邃而不落俗套的文本点明了乐队在当代中文摇滚音乐中所出的姿态，乃至青少年音乐已经再次成为运动的当下它仍然尤为独特。

“媚俗”是一个绝对可以用来形容中文摇滚音乐（也就是“国摇”）的词汇，在这个类型里我们拥有非常多把迎合包装成口号与态度，在题材上震悚但刻奇，并以口水旋律来收买听众共情的音乐，它们更多是在一种音乐成为风潮和运动之时潜入场景之间并以此拔高自己，并不可谓是一种真诚的、忠实于自我的创作。P.K.14并不抗拒“入耳”，在《谁谁谁和谁谁谁》中，我们仍能感受到许多显而易听的 catchy 部分：《第二十八个影子》巧妙而灵动的吉他与贝斯配合，《说话的伤口》中可以直接伴随吉他行进而投入之中的听感，更不必论《快》《燥眠夜》这样的直接简畅的旋律写作。尽管如此，他们没有让这些内容这张专辑的唯一要素，而是在打击乐与人声之间共同维持出一种融洽的平衡。这不仅让他们可以拥有 00s Post Punk Revival 在声音上的标识，同时也足以呈现器乐与写作上的属于 P.K.14 的特征。

而正如 P.K.14 的“Public Kingdom for Teens”的乐队之名，他们在这张 20 年前的作品里以他们的方式诠释了青春这个在摇滚乐历史上被探讨了无数次的议题，以一种非常中文在地、贴合中国青年的方式。《她丢失了信仰》以一种夹杂着迷惘和无措的方式描写伴随着事件冲击带来的政治性抑郁，拥有能让人触及到一种失望乃至产生出幻觉的强大的情绪笔触；在《说话的伤口》以一种尽致的压抑和失落诠释感受时，又可以通过《快》把听众拉回当下与更具体的现实，并在《甜蜜的雨滴》与《燥眠夜》这种充满了浪漫美感的书写中带来一种似乎只属于怀旧气场的少年视角。在 2020 年代重新理解青少年音乐会带来不少新的思路，但无论放在彼时或现在，P.K.14 都显得与其他创作者不同。他们不是在描写一种意象里的青春，而是在议题和笔触上具体，但可以在尺度上保持距离的感触和体验。

在此后，P.K.14 于《城市天气的航行》中以更具新浪潮和室内乐影响的方式朝 Art Punk 迈进，并在《1984》与《金蝉脱壳》中达到了属于他们的纯粹而融洽的“大师气场”。这并不等于对“青春”摇滚乐的背离，而更像一种循序渐进地在视角上的拉进，并由此来诠释他们作为创作者的成长。而只对于《谁谁谁和谁谁谁》而言，这张专辑保留了可贵的契合于“当下”的状态，充满了他们自己的意识。

Rated by 玻璃噜噜

Genre: Alternative Pop/Art Pop

Release: 2024

Label: 何乐音乐

以充足的创作特色为乐迷熟知的另类唱作人魏如萱在凭借《藏着并不等于遗忘》获得金曲奖最佳国语女歌手的五年后再次凭《珍珠刑》获此殊荣，但相较前作在另类气场、唱作人音乐与华语流行印象之间小心翼翼达到平衡，《珍珠刑》在过于追求 showoff 但同时相当浅显的编排风格以及无甚特色的写作之间成为了这位音乐人生涯目前最缺乏吸引力的全长作品。

作为一位不会在自己与时兴流行/另类元素之间设限的创作者，听众可以在魏如萱的作品中察觉到许多中文音乐印象之外的内容，并对她创作产生一种来自视野以及个人特质的期待。与此同时，魏如萱对流行感和易听旋律的开放，也可以让她的创作在保持着声音独特之时足够引起广泛的共鸣，这种对主流姿态的容纳以及追求新鲜感的思路在她前几张作品中都展示出十足魅力。但对于《珍珠刑》而言，这样的思路走到了一个匮乏的局面：Electro House、融合嘻哈与流行摇滚的元素利用套路过于陈旧，对于她以往的尝试也显得力道不足，在 songwriting 上所呈现出的无力招架更让整张作品都显得刻奇而死板。

以较为火力全开的前半张作品来说，《怪奇的珍珠》作为《恐慌症》这种在配器上尝试做得“稍重”来让实现艺术化的作品的能量延续，但相较于后者仍比较工整的框架，《怪奇的珍珠》可能是魏如萱生涯以来最有“表演”姿态的曲目，但只是空有姿态而缺乏表达或在原有声音上进行实验的魄力，对于一首 Art Pop 来说这更像一款湖南卫视产品；与杨佑宁合作的《跩》是一首相当华语感而媚俗的嘻哈舞曲，仿佛把听众带回了 2018 年；随后两首《劣根》《恶口》一首以弦乐编制作为编排基础的，充满 Fusion 体感的 Art Pop 与一首以舞曲注入 Electro House 更令人振奋的能量，结果演变为了一首很适合周深演绎的影视剧 OST 和一首音乐人小蒙 Remix。这样的尴尬一直延续到窦靖童创作的《海月》时才稍微找回状态。

艺术化本身应该是属于唱作人自身的取向，它可以由内向外保留许多开放的共鸣，也可以维持一种慎密的自私，但《珍珠刑》走到了 Art Pop 类型一个非常古怪的位置，我们仿佛可以在这张作品里听到很多很多的观众，这是一张由预期驱动而完成的作品，它注定能唬到一部分听众，却也自然而然透露出中空而虚浮的状态。

Rated by 石田吉藏

Genre: Indie Pop/Alternative Pop/Art Pop

Release: 2011

Label: 银翼

剧场感是一个合适于形容《不允许哭泣的场合》的语汇。从开场到结尾，完整而漂亮的情感表达，诡谲而妖异的黑暗美学一致性。陈建骐在《不允许哭泣的场合》主导制作衬出她的神奇的才气——无论是对声音的控制还是整张专辑氛围的构画，以及恰到好处的另类与艺术化呈现，都让这张以“标本”为核心的作品拥有分寸恰当的表达与“被观察”的位置把控。

《溶话》由铺进耳朵的钢琴与弦乐开始，爵士感铺开，歌剧式的演唱与她的唱腔，每一个字都是被设计好的，溶进各种各样的乐器里，一场华丽而诡暗的舞台剧开场。“ 把我们说过的话溶进沐浴精，加水搅和用力洗我们的心”，整首歌充满着浪漫的泡沫质感，像黄金时代好莱坞的忽暗忽明的光。左声道电吉他开场，再接着双声道的齐奏。如果说《溶话》让人发现她的声线的特质，而《三个字》无疑展示了她对声音极强的控制力。不仅是带着愤懑和讽刺的情绪感，而也带着质感满满的尾音与口腔共鸣。整首歌的情绪并不停留在那几声嘶吼和“乱叫”，而是她全程的声音声音，这首歌足以证明她是一位非常出色的歌手。

《一时》带着俏皮与可爱，编曲是The Marshmallow Kisses的Peter，轻松畅快的踢踏声跳动着，与她透着灵的演唱构建了一种引人入胜的“欧洲的浪漫感觉”，再到后面萨克斯风的加入，就像喝红酒微醺着看着华灯初上车水马龙。《脱光光》带着是一份日常心情里的忧郁和阴晴不定，弦乐和吉他交错，和声声道的变换，突然加入的打击乐，飘忽的听感随着“怕黑”被挑起。设计融进了她的想法里，随着字句跟着唱腔的变换，随着器乐的变换一下子全出现了，迎合着整场舞台剧的色调带来华丽与诡暗兼具的听感。

《抽屉》是键盘手张瀚中做的一首Interlude，舞台剧进入中场，小提琴大提琴开始画出紧迫压抑的感觉，于是紧接着《陨石》就来了。这首的编排、转变的气质类似于王菲《再见萤火虫》和陈珊妮《尼可拉斯》，哥特摇滚元素和海豚音和声，窒息感堵塞在每一个毛孔里。四三转四四不仅是十足的声乐要求，也给整张专辑暴戾情绪带来高点，让听众的感受和陨石坠落的剥离感一起变重变沉。《勾引》开始的音效像地铁到站提示，再延续成编曲里的旋律，像凝固在空气里的冷和疏离。夏宇《排队付账》的念白是主调，而Waa的演唱是悄悄爬上躯体探进髓里的情绪。陈建骐少见的Trip Hop编排迷幻又妩媚，颤栗的狂野的混乱全都任由其发作，变成回响的孤独，黑暗中舔舐糜烂的臆想，她没有在诉说什么或在唱什么，她而是单纯地演绎勾引。

《晚安晚安》平和地舒缓着前两首的波动，法语温馨又浪漫像恋人耳边的呢喃，带着告别的距离感，克制却忍不住靠近。《我们》像落日的海岸，潮起潮落没过脚，大提琴安稳的底奏和小提琴的悠扬，撩拨吉他带着平静的感动，当《我们》的旋律进行到一半我才想到这场舞台剧要接近尾声了。《飞鸟》是后场的高点，Jackie编曲的Band感带来整张专辑最悠扬最精致也最动人的旋律。而词作也是亮点，“我放肆的对他撒娇 任性躺在他怀抱 我收集他对我的好 放口袋塞进心脏 我汲取他暮角残光 渴望被溺爱豢养 我盲目的横冲直撞 怎么却遍体鳞伤”，含着一口对生活的可爱的不完美，是洋溢在眉间和心里的幸福感。

《吼呦》仿佛对应《三个字》，从《飞鸟》之后的Band感再到后面加入的感情一下子就带来的剧场画面感，像霓虹中二少女的小心情一样，烦恼和快乐日常。《呜》是Waa的编曲初尝试，轻微的电气感有点像陈珊妮与李雨寰的一些经典时刻，作为专辑的收场曲像一口酒的余温回味。在舞台剧的帷幕落下之时，她走到台前，谢幕。

如果我们以一张 Art Pop 作品的预期走进魏如萱的作品序列，《不允许哭泣的场合》与《优雅的刺猬》都可谓是气场独特而个人色彩鲜明的作品。《不允许哭泣的场合》弥补了前张作品在一部分音色取用上太多 00s 时代印记，以更突出的弦乐、Indie Rock 与 Pop Rock 协调、Trip Hop 内容达成一种可听性与自身气场的契合，并得到了相当不错的完成，足以被认为是新千年以来中文音乐最出色的 Art Pop 作品之一。